Рассказ о стиле барокко: Сочинение на тему «Барокко» | Сочинение и анализ произведений, биографии, образ героев

alexxlabonОставить комментарийна Рассказ о стиле барокко: Сочинение на тему «Барокко» | Сочинение и анализ произведений, биографии, образ героев

Содержание

Сочинение на тему «Барокко» | Сочинение и анализ произведений, биографии, образ героев

Барокко

Барокко — стиль европейского искусства, пришедшего, по одной из версий, в роли неоднозначной реакции на эпоху Ренессанса. В целом считается, что родина барокко — Италия, где этот стиль идентифицируют как «жемчужину неправильной формы». Барокко зародился в XVI веке, однако, пик его расцвета — XVII столетия. Не удивительно, что этот стиль предстает перед нами как синтез Готики и Возрождения — литературных эпох, которые ему предшествовали.

Основная тематика литературных произведений стиля барокко — быстротечность человеческой жизни. В то время появлялось много лозунгов согласно этому тезису («Мир — театр», «Мир — ярмарка», «Мир — лабиринт» и др). Одна из самых известных метафор во времена господства барокко — «жизнь — это сон», именно она отразилась в драматическом произведении известного испанского писателя этой эпохи Педро Кальдерона с похожим названием «Жизнь есть сон». К тому же, художники, работавшие в этом стиле, считали, что человек — лишь песчинка в бескрайнем океане. Человек обречен на смерть, а жизнь его — лишь мимолетная смесь случайностей и фортуны.

Отличительная черта барокко — грустные, пессимистические настроения. Жить в негармоничном, хаотичном мире — даже хуже смерти, потому жизнь — лишь страдание, на которое мы обречены. Человек барокко — раздвоенный, полон контрастов: одновременно в нем может царить любовь и преданность Богу и жестокий сатанизм. Таким, собственно, предстает перед читателями и весь барочный мир: сочетаются несочетаемые начала, реальные герои существуют параллельно с мифическими, а добро все время противостоит злу.

Характерной чертой барокко является также возвращение к культуре Античности: действия переносятся к высоконравственной Древней Греции, а герои наделены чертами личностей из античного мира. Для этого художники стиля барокко прибегали к причудливым аллегориям и метафорам, контрастов, капризности и вычурности образов.

Увлекшись причудливыми художественными средствами художники, к тому же, прибегали еще и к причудливым литературным формам. Именно поэтому распространенными были акростихи, мезостихи (поэзии, в которых зашифровано определенное скрытое значение, чаще всего — имя адресата) и другие причудливые по своей структуре произведения. Впоследствии появлялись удивительные стихи и за своим видом (в форме сердца, креста, звезды ромба и тому подобное).

Итак, барокко — жемчужина европейского искусства XVI-XVIII столетия, основные признаки которого — сложная метафоричность, затейливость, контрастность, пессимистические мотивы быстротечности человеческой жизни, а также возвращение к античным мотивам. Художники применяли оригинальные и интересные литературные средства, приемы, чтобы поразить читателя как можно больше.

Теги: Сочинение Что такое барокко, Барокко как вид литературного направления.

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 98 747

В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля. Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.

Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм. Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).

В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы. В искусстве его стали применять к различным отступлениям от классических канонов. Первые элементы нового стиля обнаружились в Италии в конце XVI в. Родоначальник – один из «титанов» Возрождения – Микеланджело Буонаротти. В его поздних творениях: скульптурах, олицетворяющих времена суток капеллы Медичи и фреске с изображением Страшного Суда в Сикстинской капелле, — появляются мотивы мучительной скорби и безысходности.

Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.

Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры. Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.

Архитектура

Фасад Мадерна
Италия

В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.

Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.

Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.

Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.

Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные

Площадь собора св. Петра

дни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади. Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане

Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.

Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале). Сложились его отличительные признаки:

1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.

2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.
5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.

Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.

Испания

Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными. Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин

Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела

Виллареаль, Алонсо Кано и другие. На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера  и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.

Франция

Во Франции барокко более строгое, без излишеств. Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов, построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708). Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.

Англия

Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном. Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение. Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.

Германия и Австрия

В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов. Дворцово-парковые ансамбли представлены  таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.

Скульптура

В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.

В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену. Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.

Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.

Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций. Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.

Живопись

В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:

Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.

(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)

Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум. 1652). Картины Ленена продуманны и упорядочены по композиции, строги по колориту. Его герои полны достоинства и внутреннего покоя. На полотнах Ла Тура, благодаря особому художественному приёму (противопоставлению тёмного пространства и потока яркого света) заурядные события превращаются в мистические и таинственные. Представлено и творчество Клода Лоррена (1600 — 1682) — основоположника французского пейзажа.

Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.

Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.

Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.

Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.

Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера. У него был сходный гений по самому своему духу…». Художник ценил живописную ткань тициановской традиции, но разрушал то величавое равновесие, которое было ей свойственно. Освоив всё неповторимое богатство итальянской живописи, художник, по сути, основал фламандскую школу.

Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).

Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики. Однако уже в начале 1640-х годов его живопись становится слишком необычной для голландских бюргеров. Вот как пишет Эжен Фромантен о картине Рембрандта «Ночной дозор»: «Рембрандту надо было изобразить роту вооружённых людей. Не было ничего проще, как показать нам, что они собираются делать; но он выразил это так небрежно, что даже в самом Амстердаме до сих пор ничего не могут понять. Он должен был придать фигурам портретное сходство — оно сомнительно; изобразить характерные костюмы — они большей частью фантастичны; создать живописный эффект — но этот эффект оказался таков, что картина стала неразрешимой загадкой. Страна, место, время действия, сюжет, люди, вещи — всё исчезло в бурной фантасмагории палитры… странности фигур, и их внезапное появление среди полной темноты — всё это случайный результат эффекта, задуманного вопреки правдоподобию, осуществлённого вопреки всякой логике». Недоумение вызывала слишком вольная трактовка портретов и нехарактерный для Голландии интерес к евангельским и библейским сюжетам. Умирает любимая жена Рембрандта, исчезают ученики и заказчики, тает богатство. В конце концов, художник становится банкротом и переселяется в еврейское гетто. В работах последних лет Рембрандт достигает величайшей человечности. Его «ночной мир» пронизан, по выражению Вальтера Беньямина, «непредумышленными смыслами». Картины мастера изобилуют световыми вспышками и потоками, полупрозрачными сгустками и материальными уплотнениями, принимающими вид предметов и фигур. Художник создаёт яркие и запоминающиеся образы стариков, женщин, влюблённых, отцов и детей. Великий Рембрандт умер в 1669 году, пережив своего сына Титуса. Мистические свойства материи его произведений, несомненно, составляют ещё одну грань стиля барокко.

Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.

Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.

Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества». «Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.

Гравюра

В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.

Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак. Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».

Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).

Заключение

Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.

Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.

Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.

Д. Харман.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Барокко | История искусства

Барокко

В конце 16-го — начале 17-го века в искусстве Западной Евролпы сложился большой художественный стиль — «барокко». Слово «барокко» в буквальном переводе с итальянского означает «причудливый», «вычурный». Зародилось барокко в Италии, в конце 16го века. Зрителя поражают яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей. Барокко покорило всю Европу. 

Итальянское барокко

Родиной архитектуры барокко стал Рим. Новый стиль утвердился прежде всего в церковном зодчестве, а затем и в архитектуре дворцов. Сооружения в стиле барокко ослепляют пышностью, роскошью отделки. Здания богато украшены, часто без меры, разнообразными деталями. Это богатый, лепной, с завитками, орнамент, портики, галереи со статуями атлантов и кариатид. В интерьере дворцов сглаживаются углы потолка и стен, они украшаются богатыми росписями, лепниной, позолотой. Помещения украшаются гобеленами, статуями, зеркалами. Разноцветные полы, хрустальные люстры, изящная мебель на тонких изогнутых ножках дополняют убранство дворцов. 

Скульптура в стиле барокко

Неотъемлимой частью архитектуры  в эпоху барокко была скульптура. Она украшала фасады и внутренние помещения. Скульптуры  барокко были декоративным дополнением к архитектуре зданий. Парки украсились скульптурными группами на античные сюжеты, многочисленные статуи оживляли фонтаны и лестницы. Скульптуры барокко беспокойны, порывисты, живописны. Люди — в развевающихся одеяниях или обнаженные — представлены в вычурных, неестественных позах. Пышные драпировки, вычурные жесты, бесчисленные детали придают статуям извилистые и неопределенные очертания. 

«Экстаз св. Терезы». Ск. Л.Бернини. Барокко

Живопись в эпоху барокко расширила круг предметов, изображаемых художниками. Появились новые жанры — наряду с религиозными и мифологическими темами художники стали изображать и окружающий их современный мир.  Живопись барокко можно условно разделить на три части: церковную, придворную и буржуазную — в зависимости от того, кто ее заказывал. Живописцы барокко предпочитали теплые тона и плавные переходы цвета один в другой, без резких контурных линий. Их привлекала игра света и тени, сильные контрасты светлого и темного. В типичных барочных картинах изображены напряженные и драматические сцены. В них много ярких, чрезмерно преувеличенных страстей, искусственных переживаний. В изображении людей художники использовали эффектные жесты, вознесенные к небу и полные слез глаза святых, мучительно изогнутые тела мифологических героев в сценах борьбы и похищений. 

«Благовещение». Эль Греко. Барокко.

В России на стиль барокко оказало влияние русское искусство, что сделало его своеобразным и очень выразительным. Более всего барокко проявило себя в архитектуре и скульптуре барокко. Появился термин «русское барокко». К известным элементам архитектуры добавляются детали исконно русские, что наполняет сооружения особой теплотой, смягчает нагроможденность украшениями.


 

Собор Смольного монастыря. С.-Петербург. Ск. Растрелли. Русское барокко.

  «Певцом русского барокко» называют архитектора Бартоломео Растрелли, постороившего в России очень много великолепных зданий в стиле барокко.

Эпоха барокко | История искусства

Охота на бегемота и крокодила. Рубенс

В конце 16-го — начале 17-о века искусство Ренессанса в Западной Европе сменилось новым направлением «барокко». Слово «барокко» в буквальном переводе с итальянского означает «причудливый», «вычурный».

Зародилось барокко в Италии, в конце 16 века. Зрителя поражают яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей. Барокко покорило всю Европу.

Архитектура

Родиной архитектуры барокко стал Рим. Новый стиль утвердился прежде всего в церковном зодчестве, а затем и в архитектуре дворцов. Построенные ранее церкви украшали элементами барокко, в основном — интерьер. Сооружения в стиле барокко ослепляют пышностью, роскошью. Здания богато украшены, часто без меры, разнообразными деталями: это богатый, лепной, с завитками, орнамент, портики, галереи со статуями атлантов и кариатид. В интерьере дворцов сглаживаются углы потолка и стен, они украшаются богатыми росписями, лепниной, позолотой. Помещения украшаются гобеленами, статуями, зеркалами. Разноцветные полы, хрустальные люстры, изящная мебель на тонких изогнутых ножках дополняют убранство дворцов.

Типичной для архитектурного барокко представляется архитектура Рима в 17 веке.

Фонтан Треви в Риме. Николо Сальви. (1732 -1762)

Мастера барокко порывают со многими художественными традициями Возрождения, с его гармоничными, уравновешенными объемами. Архитекторы барокко включают в целостный архитектурный ансамбль не только отдельные сооружения и площади, но и улицы, которым они придают строго прямолинейные очертания. Начало и конец улиц непременно отмечены какими-либо архитектурными или скульптурными акцентами. Огромное значение приобретают обелиски и фонтаны.

На смену статуе как организующему площадь началу приходит обелиск с его устремленностью ввысь, а еще чаще — фонтан, обильно украшенный скульптурой. Блестящим примером барочных фонтанов были фонтаны Бернини: фонтан Тритона на площади Барберини и фонтаны Четырех рек и Мавра на площади Навона.

В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. Особого размаха достигла архитектура вилл с их богатым садово-парковым ансамблем. Парк обильно украшают гроты, балюстрады. скульптуры, фонтаны.

Джакомо делла Порта. Церковь Иль Джезу в Риме.Фасад (1573 — 1584)

Скульптура

Неотъемлимой частью архитектуры в эпоху барокко была скульптура. Она украшала фасады и внутренние помещения. Скульптуры барокко были декоративным дополнением к архитектуре зданий. Парки украсились скульптурными группами на античные сюжеты; на площадях появились памятники властителям, многочисленные статуи оживляли фонтаны и лестницы.

Скульптуры барокко беспокойны, порывисты, живописны. Люди — в развевающихся одеяниях или обнаженные — представлены в вычурных, неестественных позах. Пышные драпировки, вычурные жесты, бесчисленные детали придают статуям извилистые и неопределенные очертания.

Барокко в живописи

Живопись Барокко (в пер. с ит. – «причудливый») принято называть художественный стиль, преобладавший в искусстве Европы в 16-18 веках.

Именно эта эпоха считается началом триумфа «западной цивилизации».

Оно возникло благодаря двум важным событиям Средневековья. Первоначально изменились мировоззренческие представления о человеке и мироздании, благодаря эпохальным научным открытиям того времени. В дальнейшем возникла необходимость власти создать имитацию собственного величия на фоне материального упадка. Для этого стали использовать художественный стиль, прославляющий могущество знати и церкви. Однако человек стал ощущать себя деятелем и созидателем и уже в сам стиль прорвались дух свободы и чувственность.

Этот художественный стиль возник в Италии, в частности в Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции, и распространился в другие страны после эпохи Ренессанса. В 17 веке Италия потеряла свое могущество в политике и экономике. Ее территория начинает подвергаться нападению со стороны иностранцев – испанцев и французов. Однако истощенная невзгодами Италия не потеряла своих позиций. Культурным центром Европы все равно осталась Италия. Церковь и знать стремилась показать свою мощь и состоятельность, но так как денег на это не было, они обратились к сфере искусства. Благодаря ему была создана иллюзия богатства и могущества.

Основными чертами данного стиля являются торжественность, парадность, пышность, жизнеутверждающий характер, динамичность.

Искусство барокко обладает смелыми контрастными масштабами колористики, тени и света, совмещении фантазии и реальности. Живописи этого направления характерны прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничном и многообразном мире, его непостоянстве.

Святое Семейство, Антонис ван Дейк
Томас Говард, 2-й граф Арундель, Антонис ван Дейк
Портрет Филадельфии и Елизаветы Уортон, Антонис ван Дейк

Человек – это часть мира, сложная личность, которая переживает жизненные конфликты.

Интерьер стали украшать портретами, подчеркивающими положение человека в обществе. Также очень популярны портреты правителей, на которых они изображены с античными Богами. Для барокко также свойственны натюрморты с изображением даров природы.

Джованна Гарцони
Благая весть, Филипп де Шампень
Джованна Гарцони

Художники направления барокко

Адриан ван де Вельде, Антонис ван Дейк, Бартоломе Эстебан Мурильо, Братья Ленен, Габриель Метсю, Гвидо Рени, Герард Терборх, Геркулес Сегерс, Давид Тенирс Младший, Джан Лоренцо Бернини, Диего Веласкес, Жан Батист Симеон Шарден, Жорж де Латур, Иван Никитин, Исаак ван Остаде, Каналетто, Караваджо, Клод Лоррен, Корнелис де Вос, Николя Пуссен, Николя Турнье, Питер де Хох, Питер Пауль Рубенс, Пьетро да Кортона, Рембрандт, Теодор ван Тульден, Франс Снейдерс, Франс Халс, Франсиско де Сурбаран, Франческо Гварди, Хендрик Тербрюгген, Хосе де Рибера, Эсайас ван де Вельде, Юдит Лейстер, Якоб Йорданс, Ян Вермеер, Ян Сиберехтс, Ян Стен

Известными представителями барокко являются Рубенс, Ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, Маульберч.

Немного художников, даже выдающихся, заслужили честь быть основоположниками этого стиля в искусстве живописи. Рубенс оказался исключением. Он создал волнующую, живую манеру художественного выражения. Этот способ письма присущ его раннему произведению «Святой Георгий, поражающий дракона». Стиль Рубенса характеризуется показом крупных и тяжелых фигур в действии – они возбуждены и эмоциональны. Его картины наделены огромной энергией.

Никому не удавалось изобразить людей и животных в смертельной схватке так, как Рубенсу.

Раньше художниками изучались прирученные звери, они изображали их вместе с людьми. Эти работы обычно демонстрировали анатомические знания о строении животных. Их образы брали из рассказов Библии или мифов. Воображение художника порождало реальные картины сражающихся людей и зверей в настоящей схватке.

К этому стилю относятся и другие мастера живописи, к примеру, Караваджо и его последователи. Их картины реалистичные и обладают мрачными цветами.

Караваджо – наиболее значимый творец среди итальянских художников.

Его картины основываются на религиозных сюжетах. Им создан контраст эпох между поздней античностью и Новым временем.

Марта и Мария Магдалина, Караваджо
Музыканты, Караваджо
Христос у столба, Караваджо

В Германии, Австрии, Словакии, Венгрии, Словении, Хорватии, Западной Украине, Польше, Литве стиль барокко переплетался с тенденциями рококо. Так, во Франции основным стилем 17 века считался классицизм, барокко же считалось до середины столетия побочным течением, но в дальнейшем оба направления объединились в один большой стиль.

В Российской Империи барокко появилось в первой половине 18 века.

Русское барокко не обладало мистицизмом и экзальтацией, характерными для стран Европы, а имело национальные особенности. Русский стиль обладал чувством гордости за государственные успехи и народа. Живопись освободилась от средневековья и религии и обратилась к темам светского общества, к образу человека-деятеля.

Портрет Екатерины I с арапчонком, Адольский И-Б.Г.
Портрет напольного гетмана, Никитин И.Н.
Портрет Перта I, Никитин И.Н.

Повсеместно эволюция Барокко пришла к грациозности и легкости рококо. Оно переплеталось с этим стилем. А с 1760-ых годов его полностью вытеснил классицизм.

Художниками барокко были открыты новые способы интерпретации формы в пространстве, ее постоянно изменяющейся жизненной динамики. Они активизировали мировоззрение и показали, что жизнь едина с чувственной и телесной сущностью бытия. А трагические конфликты в живописи барокко создавали основу прекрасного.

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Барокко в живописи

4.4 (88%) 5 голос(ов)

Литературный стиль: Литература Барокко — Готовое сочинение

Барокко (от итал. barоссо, фр. baroque — странный, неправильный) — литературный стиль в Европе конца XVI, XVII и части XVIII ст. Термин «бароко» перешел к литературоведению из искусствоведения из-за общего сходства в стилях изобразительных искусств и литературы той эпохи. Считают, что первым термин «бароко» относительно литературы использовал Фридрих Ницше. Это художественное направление было общем для подавляющего большинства европейских литератур. Барокко пришло на смену Возрождению, но не было его возражением. Отойдя от присущих ренессансной культуре представлений о четкой гармонии и закономерности бытия и безграничных возможностей человека, эстетика барокко строилась на коллизии между человеком и внешним миром, между идеологическими и чувствительными нуждами, умом и естественными силами, которые олицетворяли теперь вражеские человеку стихии.

Для барокко как стиля, рожденного переходными эпохами, характерным является разрушение антропоцентричных представлений эпохи Возрождения, доминирования божественного начала в его художественной системе. В барочном искусстве ощущается мучительное переживание личного одиночества, «покинутости» человека в объединении с постоянным поиском «утраченного рая». В этих поисках художники барокко постоянно колеблются между аскетизмом и гедонизмом, небом и землей, Богом и дьяволом. Характерными признаками этого направления были также возрождение античной культуры и попытка объединения ее с христианской религией. Одним из господствующих принципов эстетики барокко стала иллюзорность.

Художник своими произведениями должен был создавать иллюзию, читателя нужно буквально ошеломить, заставить его удивляться при помощи введения в произведение странных картин, непривычных сцен, накоплении образов, красноречия героев. Поэтика барокко характеризуется объединением религиозности и светскости в пределах одного произведения, наличием христианских и античных персонажей, продолжением и возражением традиций Возрождения. Одной из основных черт барочной культуры является также синтез разных видов и жанров творчества.

Важное художественное средство в литературе барокко — это метафора, которая является основой для выражения всех явлений мира и оказывает содействие его познанию. В тексте барочного произведения происходит постепенный переход от украшений и деталей к эмблемам, от эмблем к аллегориям, от аллегорий к символам. Этот процесс объединяется с видением мира как метаморфозы: поэт должен проникнуть в тайны беспрерывных изменений жизни. Герой барочных произведений — большей частью яркая личность с развитым волевым и еще более развитым рациональным началом, художественно одаренный и очень часто благородный в своих поступках.

Стиль барокко вобрал в себя философские и морально-этические представления о окружающем мире и месте человеческой личности в нем. Среди виднейших писателей европейского барокко — испанский драматург П. Кальдерон, итальянские поэты Марино и Тассо, английский поэт Д. Донн, французский романист О. Д’юрфе и некоторые другие. Барочные традиции нашли дальнейшее развитие в европейских литературах ХІХ-ХХ ст. В XX ст. появилось и литературное течение необарокко, которое связывают с авангардной литературой начала XX ст. и постмодерной конца XX ст.

Мини сочинение на тему стиль это эпоха или стиль это человек

  1. Сочинения
  2. На свободную тему
  3. Стиль жизни

Нередко можно услышать фразу: «У него это как стиль жизни», брошенную в сторону какого-либо человека. Но что это такое? И как приобрести стиль жизни? Как сделать так, чтобы о нем узнали окружающие?

Стиль жизни — это специфическое поведение человека, которое почти не меняется с течением времени. Это определенные действия, привычки и повадки, что совершают люди. К словосочетанию «стиль жизни» можно подобрать такие синонимы как «образ жизни» и «жизненный уклад». По сути это устоявшиеся нормы, которым следует человек.

В стиль жизни входят многие понятия: мировоззрение, ценности, склад характера и ума, поведение и тип мышления. Все вместе они образуют «образ жизни», который у каждого человека разный.

Например, существует пассивный и активный образ жизни. Они являются противоположностями, поэтому не могут существовать в одном человеке. Для людей первого типа характерен лежачий и сидячий образ жизни, лишенный больших физических нагрузок. А вот люди второго типа предпочитают проводить свое время, занимаясь спортом. Они не любят подолгу сидеть в офисе и разбирать кипу бумаг. Такие люди любят энергичную работу, где они могут много ходить и проявлять физическую активность.

И вот, однажды я задумалась о собственном стиле жизни. Какой он у меня? Оказалось, что я веду не только активный и здоровый образ жизни, но еще и ночной. Я предпочитаю работать поздно вечером, а не утром. Ночью мне спокойнее, тише. А утром всегда болит голова и ничего не хочется делать. Ночные посиделки стали моим стилем жизни, над которым подшучивают все мои друзья и родственники. Также моим стилем жизни являются книги и сериалы. Я не смогу оторваться от них, даже если на Землю вдруг полетит метеорит. Если я начала читать новую книгу, я не встану, пока не перелистну последнюю страницу. А если я решила посмотреть сегодня сериал, я не выключу экран, пока не увижу титры. Я настолько сильно связана с книгами и сериалами, что они вошли в мое стандартное расписание и стали образом жизни.

Таким образом, для того, чтобы окружающие узнали о стиле жизни человека, совершенно не обязательно что — то делать. Ведь образ жизни — это привычки, которые невозможно не заметить. Люди, которые достаточно много времени проводят с человеком, уже через пару недель будут знать все о его стиле жизни.

Сочинение про Стиль жизни и какой мне ближе

Я думаю, что стиль жизни, это когда есть идея, которая определяет все «проявления» жизни.

То есть, если назвался в хиппи… То ты живёшь по их принципам: мир, нет войне… И все сразу понимают, что ты хиппи. Все могут сделать вывод, могут понять, как ты будешь действовать.

Или ты, например, артист. Стиль жизни у тебя будет артистический. То есть ты всё время играешь, все для тебя – зрители. И по работе постоянно репетиции, спектакли или киносъемки. Ты учишь монологи, репетируешь. Стараешься произвести впечатление. Приходится ложиться поздно, вставать тоже поздно. Часто это совсем не здоровый стиль жизни.

И наоборот, спортсмен. Тогда стиль станет спортивным: правильное питание, тренировки, режим.

Понятно, от стиля и друзья соответствующие. И одни интересы, и круг общения, места «обитания».

Но иногда стилем жизни можно прикрыться или, наоборот, он играет плохую шутку. То есть все думают, что спортсмен не станет пить алкоголь, а он вдруг выпил, но никто не верит. Может быть он сел за руль, так полиция, посмотрев на награды, не поверила своему прибору. Подумали, что сломался! Или хиппи, о котором все думают, будто он пьёт. Может, он и не пил, а ему не верят…

Слышал, что есть стиль минимализма. Думаю, что его можно применить во всей жизни. Минимум вещей, друзей, книг… Всё только самое необходимое! Зато, лёгкий на подъем. Хотя тут можно себя обмануть. Нечего терять, поэтому просто поедет, куда угодно. Не факт! Нет багажа, а человек просто не хочет ехать – не интересно ему. Так что иногда мы сами придумываем… Нам кажется, что логично, а в жизни всё не так.

У меня стиль жизни ученический. Отсюда расписание, уроки, каникулы, школьные друзья, перемены… Все мысли на эту тему.

Потом у меня станет стиль студенческий. Сессии, лекции, веселье. Скажу, мол, студент, все всё поймут. В общем, стиль решает всё. И часто всё оправдывает.

Чаще говорят о том, что кто-то поменял этот самый стиль жизни. То есть сменил и привычки, и питание, и всё-всё. Обычно потихоньку и круг общения меняется. И сам человек-то тоже меняется…

Сочинение на тему «Стиль – это эпоха, стиль – это человек»

Пожалуй следует начать с самого определения слова «стиль». Само данное слово можно рассмотреть с нескольких сторон. Это своего рода форма жизни, которая способна охарактеризовать некоторые из особенностей общения, самой манеры вести себя при окружающих, ну и конечно же одеваться.

Стиль характеризует определенную личность, определенного человека. Если опираться именно на эти определения, то можно с полной уверенностью сказать, что стиль – это и есть отражение абсолютно любого человека. Стиль – это и есть то самое отражение самого человека и эпохи.

Эпоха со временем менялась, одновременно с ней менялось абсолютно все, что находилось вокруг. К этим факторам относится одежда, танцы, прически, да и сам образ жизни обычного человека.

Началось все еще с древних времен. Ведь есть несколько загадок, которые и по сей день не удается разгадать даже современной науке. Культура, одежда Древнего Египта на самом деле просто невероятно индивидуальны. Они нисколько не похожи ни на что. Когда наступила эпоха средневековья, то оно оставило за собой след другого плана. Это было ничто иное, как архитектура.

Все постоянно меняется, каждый день на свет рождается что-то совершенно новое и неизведанное. Происходит все это лишь по одной причине. Человек – это на самом деле существо удивительное, которое просто не может стоять на месте. Ему постоянно необходимо что-то придумывать и создавать, тем самым двигаться вперед. Сам того возможно не осознавая человек создает своими руками совершенно новую эпоху. Вот тут и можно заметить нерушимую связь между человеком, стилем, и , непосредственно, эпохой.

Абсолютно каждая новая эпоха оставляла за собой определенный, индивидуальный и совершенно невероятной след. Это могла быть архитектура, искусство, или же живопись. Все имеет свой уникальный вид и, конечно же стиль. Каждое произведение оставляет на себе определенный след, который и удивляет своей изысканностью.

Из этого и следует вывод, что стиль – это ничто иное, как эпоха. А эпоха это и есть отражение определенной личности, то есть человека. Ключевым фактором всего определения является человек, существо, которое двигает абсолютно всем, не стоит на одном месте и порождает новую эпоху.

Художественный образ – стиль – язык

Художник и скульптор, композитор и исполнитель, поэт и писатель, режиссер и актер нуждаются в контакте со зрителем, слушателем, читателем, которые оучаствуют в творческом процессе, сопереживают ему. Чтобы приблизиться к искусству, войти в мир художника, приоткрыть для себя уникальность личности творца, не обойтись без понимания таких категорий, как художественный образ, стиль, язык.

Стиль

(от греч. stylos — буквально палочка для письма) означает почерк, совокупность характерных черт, приемов, способов, особенностей творчества. В искусстве различают стиль эпохи (исторический), национальный стиль (принадлежность тому или иному народу), индивидуальный стиль конкретного художника в широком смысле этого слова. Характеризуя стиль в архитектуре, говорят, что «стиль — это эпоха», в других искусствах — в живописи, музыке, литературе — «стиль — это человек».

Язык

любого искусства помогает услышать в произведении живой голос художника, многовековую мудрость народа. Выразительность, эмоциональность, образность языка живописи и графики, музыки и скульптуры, поэзии и танца обеспечивают композиция, форма, — фактура, ритм, тон, интенсивность. Это общее — в языке искусств.

Чтобы научиться разбираться во всем многообразии искусства, надо понять образный строй художественного произведения, принадлежность к определенному стилю, направлению.

• Послушайте несколько фрагментов музыкальных произведений. Обсудите, какой эмоциональный отклик вызвало у вас то или иное произведение.

• К какому стилю — историческому, национальному, индивидуальному — можно отнести эти произведения искусства?

• Какие из этих произведений созданы современными авторами?

• В чем специфика средств выразительности каждого из этих произведений? Какие особенности языка помогают понять и почувствовать эти образы?

• Как вы понимаете выражения: «стиль — это эпоха» и «стиль — это человек»?

Сергеева Г. П., Искусство. 8—9 классы: учеб. для общеобразоват. учреждений / Г. П. Сергеева, И. Э. Кашекова, Е. Д. Критская. — М.: Просвещение, 2009. — 190 с.: ил.

Искусство скачать, задача школьнику 8 класса, материалы по искусству для 8 класса онлайн

Если у вас есть исправления или предложения к данному уроку, напишите нам.

Если вы хотите увидеть другие корректировки и пожелания к урокам, смотрите здесь — Образовательный форум.

© Автор системы образования 7W и Гипермаркета Знаний — Владимир Спиваковский

При использовании материалов ресурса

ссылка на edufuture.biz обязательна (для интернет ресурсов — гиперссылка).

edufuture.biz 2008-2017© Все права защищены.

Сайт edufuture.biz является порталом, в котором не предусмотрены темы политики, наркомании, алкоголизма, курения и других «взрослых» тем.

Ждем Ваши замечания и предложения на email:

По вопросам рекламы и спонсорства пишите на email:

Внимание, только СЕГОДНЯ!

«
»

Популярные сочинения

  • Сочинение Анна Николаевна в произведении Гранатовый браслет (Образ и характеристика)
    Анна Николаевна Фриессе приходилась младшей сестрой княгине Шеиной Вере Николаевне. Если княгиня поражала всех своей чисто аристократической внешностью, то это никак нельзя было сказать про Анну
  • Что такое взаимовыручка сочинение
    Несмотря на то, что в мире существует немало отрицательных качеств человека, наша планета процветает благодаря лучшим поступкам, на которых строятся взаимоотношения людей. И это происходит за счет добрейших свойств души
  • Сочинение Верность и измена в романе Война и мир Толстого
    Совокупность общечеловеческих моральных ценностей позволяют отличать человека от животного, придавая ему статус разумного и «высшего» существа на планете. В своем произведении писатель хотел показать

Барокко в живописи

Живопись Барокко необычайно динамична и экспрессивна. На первый план выходят темы человеческих страданий, борьбы непримиримых начал: добра и зла, наслаждений и кары, жизни и смерти, любви и ненависти.

При этом наряду с традиционными библейскими и мифологическими сюжетами распространены и сцены из жизни знати, и парадные портреты, и даже пейзажи.

Барочная живопись тесно связана с оформлением интерьеров. Художникам заказывалась роспись дворцовых апартаментов (это как?), внутреннее оформление церквей, серии батальных полотен, потолочные фрески.

*Потолочные фрески Пауля Трогера, Аббатство Мельк, Австрия

Вслед за переменами в восприятии мира и космоса меняется и пространство в живописи.

Эффекты перспективы, оптические иллюзии, контрасты масштабов и колористических решений, даже само построение композиции по диагональным линиям работают на новое восприятие пространства, которое теперь не делится на планы, а становится единым и необъятным. Картина воспринимается как фрагмент, выхваченный из бесконечности.

*«Распятие Святого Петра», Караваджо, 1601 г.

Одна из самых характерных особенностей стиля барокко в живописи — динамичность. На этот эффект работают разнообразные контрасты света и тени, цветов, образов.

Самые известные художники барокко — Караваджо, Питер Пауль Рубенс, Антонис ван Дейк, Эль Греко, Диего Веласкес, Ян Вермеер.

Барокко — это…

Слово барокко в русский язык пришло из итальянского, где barocco означает «странный, причудливый».

В свою очередь, в итальянском языке слово появилось благодаря португальским морякам, которые называли жемчужины с изъянами или неправильной формы perola barroca. Вслед за жемчугом так стали говорить обо всем грубом, несовершенном, фальшивом.

Стиль барокко возник на закате эпохи Ренессанса (это когда было?) в конце XVI века, но сам термин, его именующий, появился с запозданием, только в XVIII веке, и имел негативную коннотацию.

Барокко — это упадок культуры, барочное — это грубое, дисгармоничное. Так пренебрежительно оценивали эпоху упадка Возрождения в XVIII веке сторонники классицизма, считающие отступление от собственных правил дурновкусием.

В конце XIX века взгляды на барочную культуру изменились. Швейцарский искусствовед Генрих Вёльфлин в 1888 году в работе «Ренессанс и барокко» выделил барокко в отдельный стиль в изобразительном искусстве, отмежевав его от Возрождения и классицизма (это что?).

Причем барокко он рассматривал не просто как направление, пришедшее на смену Ренессансу, а как принципиально иное мироощущение.

«Благодаря рафинированному наслаждению жизнью и пребыванию в аффектированном состоянии, люди перестали воспринимать умеренное и негромкое». Г.Вёльфлин, «Ренессанс и барокко»

*Генрих Вёльфлин (1864–1945)

Мода — неотделимая часть нашей жизни

Топик (сочинение) по английскому языку на тему «Мода / Fashion»

Весь список топиков на тему «Мода / Fashion» смотрите здесь

Nowdays more and more people start thinking about fashion. They say we usually judge strangers by the clothes they wear, because it is the only thing we know about them.

To begin with, you clothes reflect your social status. It goes without saying that if you are a business lady you should be dressed appropriately. To put it in another way, if a person is a head of a company, it is preferable to him to wear well branded clothes.

Psychologically, people spend so much time on fashion and buying clothes to forget about different life problems. That is tosay, shopping for clothes can be a good therapy in case of life troubles. However, it is not worth a sacrifice if you are a shopoholic and buy everything you see; the feeling of style and good taste are surely important.

As opposed to above ideas, some people argue that our clothes should be similar to our soul, and that it is not necessary to spend amounts of money on designer clothes. However, I am inclined to believe that fashionable clothes reflect our soul greatly, besides it is extremely good-looking.

All in all, fashion is an inseparable part of our life and there are no bad points in purchasing expensive designer clothes if you can afford it.

Перевод:

Сегодня все больше и больше людей начинают задумываться о моде. Мы судим незнакомцев по тому, что на них надето, потому что это единственное, что мы о них знаем на данный момент.

Для начала, одежда отражает ваш социальный статус. Подразумевается, что если вы бизнесвумен, то вы должны быть одеты соответствующе. Или, другой пример, если человек — глава крупной компании, ему предпочтительнее носить брендовую одежду.

Психологически, люди тратят много времени и денег на одежду, чтобы забыть о разных рутинных проблемах. Стоит сказать, что шоппинг может быть хорошей терапией в случае каких-либо жизненных разочарований. Тем не менее, это не стоит того, если вы шопоголик и покупаете все, что попадается вам на глаза; чувство стиля и хороший вкус жизненно важны в этом деле.

В противовес высказанным идеям, некоторые люди говорят, что одежда должна отражать нашу душу, и что нет никакой необходимости тратить целые состояния на дизайнерскую одежду. Тем не менее, я привыкла считать, что модная одежда как нельзя лучше отражает наше душевное состояние, кроме того, она привлекательно выглядит.

В заключение, мода — неотделимая часть нашей жизни, и нет ничего плохого в том, чтобы одеваться дорого и стильно, если вы можете себе это позволить.

Кириллова Анастасия

Советы профессиональных дизайнеров Heshi Design:

  • Любой интерьер в стиле ренессанс имеет четкую структуру. Для начала определяется центральный элемент в комнате. Это может быть камин, журнальный столик с креслами вокруг, большое окно или диван с растянутой звериной шкурой перед ним. И только от него определяется симметрия остального помещения, а также перспектива меблировки вокруг центра. В стиле ренессанс должна присутствовать гармония во всех формах, строгая пропорциональность.
  • Отлично воссоздать настоящий образ эпохи Возрождения помогут искусные копии знаменитых полотен Рафаэля, Микеланджело, Леонардо, Боттичелли. Важно, чтобы картины были 18-19 века, не раньше и не позже, потому что смешение эпох создаст неточность в стиле, чего ренессанс не потерпит.
  • Стиль «ренессанс» является универсальным, его приемами можно добиться решения многих трудных задач, с которыми ежедневно сталкиваются профессиональные дизайнеры. Но в то же время для сегодняшней архитектуры ренессанс слишком симметричен. Этот стиль — устоявшийся, самобытный, чего модернистские стили интерьера не признают. Поэтому необходимо использование небольшого смешивания ренессанса с некоторыми современными приемами.

  • Цвета для ренессанса могут использоваться любые, важно, чтобы не было колористического контраста — яркие, пастельные, мрачные, светлые, теплые и холодные, в общем, самые разные. Что интересно — позолота подходит к любому цвету и отлично подчеркивает формы мебели, аксессуаров, полотен.
  • Использование венецианского стекла отлично подчеркнет стиль ренессанса. Можно использовать различные фарфоровые сервизы или большие блюда на стены. Любая керамика эпохи Возрождения дополнит убранство комнаты.
  • Особое внимание стоит уделить окнам. Ранняя эпоха Возрождения может похвастаться красивыми закругленными кверху окнами, но позже они превратились в прямоугольные без изменения размеров. Это также отличается ренессанс от готики, где каждая вершина стремится к заострению.
  • Основные формы стиля «ренессанс» в интерьере — квадрат, восьмиугольник, круг, полукруг, крест.

Искусство и архитектура барокко Обзор движения

Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок. 1622-1625)

Художник: Питер Пауль Рубенс

На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии де Медичи, одетый в великолепное серебро, в сопровождении великой герцогини Тосканской и герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет. Солдат в синем плаще с золотым узором fleur-de-lis , обозначающим Францию, открывает руки, чтобы поприветствовать ее.Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу двумя трубами, возвещает о ее прибытии в брак с королем Генрихом IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотого носа корабля, создает ощущение движения, а также разделяет картину на два разных мира; элегантный и изысканный мир благородства наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, обеспечивающие безопасное плавание, заполняют нижнюю часть кадра. Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуны прислоняется к лодке, управляя ею.Эти мифологические фигуры придают величие и аллегорическое значение прибытию королевы, но в то же время три обнаженных наяды своей динамичной чувственностью затмевают это событие.

Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением характерных моментов в сценах визуального изобилия, пользовались большим спросом у знати. Беззастенчивая чувственность его обнаженных в полный рост обнаженных женщин также была новаторской, и настолько самобытной, что их до сих пор называют «Рубенесками».«Как писал искусствовед Марк Хадсон,« он импортировал протобарочные картины Тициана и Микеланджело и суровый реализм Караваджо в Северную Европу, объединив их в физически гигантское, чувственно перегруженное, триумфально католическое искусство ».

Это было одно. из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году после убийства ее мужа Генриха IV, чтобы создать цикл, увековечивающий ее жизнь. Возможно, она также была мотивирована изображать свое законное положение как напряженность между правящими фракциями во Франции и «иностранная» королева привела к изгнанию из двора в 1617 году.Рубенса, самого известного художника Северной Европы, привлекли к участию в комиссии, поскольку она дала ему разрешение исследовать светский предмет, который он мог проинформировать с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермаэте писал о работе: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким обилием приспособлений, что в каждый момент она почти отодвигалась на задний план. Рассмотрим, например, , Высадка в Марселе , где все смотрят только на сладострастные наяды, в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями.«

Работы Рубена оказали влияние на таких художников, как Веласкес, и проинформировали последующих художников рококо, включая Антуана Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Хотя его пейзажи менее известны, его пейзажи также повлияли на Дж. М. У. Тернера, Джона. Констебль и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо, чувственность Рубенеска прочно и глубоко пронизывает западное искусство».

История музыки барокко и ее происхождение

Театр в стиле барокко в Чески-Крумлов

Театро Аргентина (Панини, 1747, Лувр)

Музыка барокко

Музыка барокко — это стиль западной художественной музыки, сочиненный примерно с 1600 по 1750 год.Эта эпоха последовала за эпохой Возрождения, а за ней, в свою очередь, последовала классическая эпоха. Слово «барокко» происходит от португальского слова barroco, означающего деформированную жемчужину, что является отрицательным описанием богато украшенной и богато украшенной музыки этого периода. Позже это название стало применяться и к архитектуре того же периода.

Музыка барокко составляет основную часть канона «классической музыки», она широко изучается, исполняется и слушается. Композиторы эпохи барокко — Иоганн Себастьян Бах, Джордж Фридрих Гендель, Алессандро Скарлатти, Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Генри Пёрселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Арканджело Корелли, Томазо Альбинони, Франсуа Куперин, Денис Гаултиерди. Генрих Шютц, Жан-Филипп Рамо, Ян Дисмас Зеленка и Иоганн Пахельбель.

В эпоху барокко возникла тональность. В этот период композиторы и исполнители использовали более сложные музыкальные орнаменты, внесли изменения в нотную запись и разработали новые приемы инструментальной игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также установила оперу, кантату, ораторию, концерт и сонату как музыкальные жанры. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.

Этимология

Периоды
Западной классической музыки

Ранний

Средневековый г.500–1400
Ренессанс г. 1400–1600
Общая практика
Барокко г. 1600–1760
Классический г. 1730–1820
Романтика г. 1815–1910
Современное и современное
Современные г. 1890–1930
20 век 1901–2000
Современный г.1975– настоящее время
21 век 2001– настоящее время

История европейского музыкального искусства

Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого диапазона стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданных за период примерно 150 лет.

Хотя долгое время считалось, что это слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось раньше в отношении музыки, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года книги Рамо Hippolyte et Aricie, напечатано. в Mercure de France в мае 1734 г.Критик намекал, что новинка этой оперы — «дю барок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода произошло сравнительно недавно. В 1919 году Курт Закс стал первым, кто систематически применил к музыке пять характеристик теории барокко Генриха Вельфлина.Критики поспешили поставить под сомнение попытку перенести категории Вёльфлина в музыку, и во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофцером (в Германии, а после иммиграции в Америке) и Сюзанной Клеркс-Лежен. (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на пластических искусствах и литературе, к музыке. Все эти усилия привели к заметным разногласиям относительно временных границ периода, особенно относительно того, когда он начался.В английском языке этот термин приобрел популярность только в 1940-х годах в трудах Букофцера и Пола Генри Лэнга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Великобритании, все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж. Баха под единой рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и использоваться для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить барокко как от предшествующего (Возрождение), так и от последующих (классических) периодов музыкальной истории.

История

Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний. Хотя они частично совпадают по времени, их условно датируют периодом с 1580 по 1630 год, с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год.

Музыка раннего барокко (1580–1630)

Клаудио Монтеверди в 1640 году

Флорентийская камерата была группой гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов во Флоренции позднего Возрождения, которые собрались под патронажем графа Джованни де Барди, чтобы обсудить и направить тенденции в искусстве, особенно в музыке и драме.Что касается музыки, они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, в которой ценились дискурс и ораторское искусство. Таким образом, они отвергли использование современниками полифонии и инструментальной музыки и обсуждали такие древнегреческие музыкальные приемы, как монодия, которая состояла из сольного пения в сопровождении кифары. Ранние воплощения этих идей, в том числе Dafne Якопо Пери и L’Euridice , положили начало опере, которая, в свою очередь, стала катализатором для музыки барокко.

Что касается теории музыки, более широкое использование фигурного баса (также известного как тщательный бас ) представляет растущее значение гармонии как линейной основы полифонии. Гармония — это конечный результат контрапункта, а фигурный бас — визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. Композиторы начали заниматься гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса.Инвестиции в гармонию существовали также среди некоторых композиторов эпохи Возрождения, особенно Карло Джезуальдо; Однако использование гармонии, направленной на тональность, а не на модальность, знаменует переход от эпохи Возрождения к периоду барокко. Это привело к идее, что аккорды, а не ноты могут обеспечить ощущение завершения — одна из фундаментальных идей, которая стала известна как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди способствовал переходу от стиля музыки эпохи Возрождения к стилю музыки периода барокко.Он разработал два индивидуальных стиля композиции — наследие ренессансной полифонии (prima pratica) и новую технику бассо континуо барокко (seconda pratica). Написав среди прочего оперы L’Orfeo и L’incoronazione di Poppea , Монтеверди привлек значительное внимание к новому жанру оперы.

Музыка среднего барокко (1630–1680)

Возникновение централизованного двора — одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции.Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которые он воспитал, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.

Жан-Батист Люлли

Период среднего барокко в Италии определяется появлением в 1630-х годах стиля бельканто в кантате, оратории и опере. Этот стиль, один из самых важных вкладов в развитие барокко, а также более позднего классического стиля, был порожден новой концепцией мелодии и гармонии, которая подняла статус музыки до уровня равенства со словами, которые раньше имели считался выдающимся.Цветочная монодия колоратуры раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю, обычно в тройном ритме. Эти мелодии были построены из коротких, каденциально ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных узорах, взятых из сарабанды или куранте. Гармонии также были проще, чем в монодии раннего барокко, и сопровождающие басовые партии были более интегрированы с мелодией, создавая контрапунктную эквивалентность частей, что позже привело к устройству первоначального басового предвкушения мелодии арии.Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному способу разграничения речитатива и арии. Самыми важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в первую очередь композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианец Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позже важные практики этого стиля включают Антонио Чести, Джованни Легренци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело абсолютно никакого отношения к теоретическим работам Иоганна Фукса, систематизировавшего строгий контрапункт, характерный для более ранних веков, в его Gradus ad Paranassum (1725).

Один выдающийся пример композитора придворного стиля — Жан-Батист Люлли. Он купил у монархии патенты, чтобы быть единственным композитором опер для короля и не позволять другим ставить оперы. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незаконченным Achille et Polyxène .

В музыкальном плане он не установил для оркестров нормы струнного доминирования, унаследованной от итальянской оперы, и типично французской пятичастной композиции (скрипки, альты — в размерах hautes-contre, tailles и quintes — и басовые скрипки) использовался в балете со времен Людовика XIII.Однако он ввел этот ансамбль в лирический театр, где верхние партии часто дублировались флейтами, флейтами и гобоями, а бас — фаготами. В героических сценах часто добавлялись трубы и литавры.

Арканджело Корелли известен как влиятельный благодаря своим достижениям по другую сторону музыкальной техники — в качестве скрипача, который организовал скрипичную технику и педагогику, — и в чисто инструментальной музыке, особенно за его пропаганду и развитие концертного гроссо.В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае стилизации и организации оперы Люлли, концертный гроссо построен на сильных контрастах: части чередуются между тем, что играет весь оркестр, и тем, что играет меньшая группа. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки накладывались друг на друга.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже написал сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде не был придворным, а был церковным музыкантом, занимал должности органиста и Werkmeister в Мариенкирхе в Любеке. В его обязанности как Werkmeister входило выполнение функций секретаря, казначея и бизнес-менеджера церкви, в то время как его должность органиста включала исполнение всех основных служб, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которым также платила церковь.Совершенно вне своих официальных церковных обязанностей он организовал и направил серию концертов, известную как TheAbendmusiken, в которую вошли исполнения священных драматических произведений, которые его современники считали эквивалентом опер.

Музыка позднего барокко (1680–1730)

Георгий Фридрих Гендель

Иоганн Себастьян Бах, 1748

Благодаря работам Иоганна Фукса, стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения композиции.

Непрерывный рабочий, Гендель заимствовал у других и часто перерабатывал собственный материал. Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый Messiah , премьера которого состоялась в 1742 году, для доступных певцов и музыкантов.

Хронология композиторов эпохи барокко

Барочные инструменты

инструментов в стиле барокко, включая шарманку, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку и гитару

Клавесин с двойным ручным управлением по Жан-Клоду Гужону ​​(1749)

Струны

  • Виолино пикколо
  • Скрипка
  • Виол
  • Альт
  • Виола д’амур
  • Помпа для альта
  • Скрипка тенор
  • Виолончель
  • Контрабас
  • Лютня
  • Теорбо
  • Archlute
  • Анжелик
  • Мандолина
  • Гитара
  • Арфа
  • Шарманка

Деревянные духовые

  • Барочная флейта
  • Chalumeau
  • Кортол (также известный как Cortholt, Curtall, семейство гобоев)
  • Дульсиан
  • Musette de Cour
  • Гобой в стиле барокко
  • Ракетт
  • Регистратор
  • Фагот
  • Кларнет

Латунь

  • Корнет
  • Натуральный рог
  • Труба в стиле барокко
  • Tromba da tirarsi (также называется tromba spezzata )
  • Флэтт труба
  • Змей
  • Sackbut (английское название FR: saquebute , saqueboute ; ES: sacabuche ; IT: trombone ; MHG: busaun , busîne , busîne , busîne , busîne (с начала 17 века) Posaune )
  • Тромбон (английское название того же инструмента, с начала 18 века)

Клавиатуры

  • Клавикорд
  • Tangent фортепиано
  • Фортепьяно — ранняя версия фортепиано
  • Клавесин
  • Орган

Ударные

  • литавры в стиле барокко
  • Деревянный малый барабан
  • Теноровый барабан
  • Бубен
  • Кастаньеты

Стили и формы

Сюита в стиле барокко

Сюита в стиле барокко часто состоит из следующих частей:

  • Увертюра — Сюита в стиле барокко часто начиналась с французской увертюры («Увертюра» по-французски), за которой следовала череда танцев разных типов, в основном следующих четырех:
  • Allemande — Аллеманда, часто первый танец инструментальной сюиты, был очень популярным танцем, возникшим в эпоху немецкого Возрождения, когда его чаще называли almain. [ цитата: ] Аллеманда игралась в умеренном темпе и могла начинаться с любой доли такта.
  • Courante — Второй танец — это куранте, живой французский танец в тройном метре. Итальянский вариант называется корренте.
  • Сарабанда — Сарабанда, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также трехметровый и может начинаться с любой доли такта, хотя акцент делается на второй доле, создавая характерный «остановочный» или ямбический ритм сарабанды.
  • Gigue — Жига — это приподнятый и живой танец в стиле барокко в сложном метре, как правило, завершающая часть инструментальной сюиты и четвертый из ее основных танцевальных типов. Жигу можно начинать с любой доли такта, и ее легко узнать по ее ритмичности. Жига возникла на Британских островах. Его аналог в народной музыке — джиг.

Эти четыре типа танца (аллеманда, курант, сарабанда и жига) составляют большинство сюит 17-го века; более поздние сюиты включают один или несколько дополнительных танцев между сарабандой и жигой:

  • Gavotte — Гавот можно идентифицировать по множеству признаков; это время 4/4 и всегда начинается с третьей доли такта, хотя в некоторых случаях это может звучать как первая доля, так как первая и третья доли являются сильными долями в четверной доле.На гавоте играют в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях на нем можно играть и быстрее.
  • Bourrée — Бурре похож на гавот, поскольку он находится в 2/2 времени, хотя он начинается во второй половине последней доли такта, создавая иное ощущение танца. Бурре обычно играет в умеренном темпе, хотя некоторые композиторы, такие как Гендель, могут играть в гораздо более быстром темпе.
  • Менуэт — Менуэт, пожалуй, самый известный из танцев в стиле барокко в тройном метре.Он может начинаться с любой доли такта. В некоторых сюитах могут последовательно исполняться менуэт I и II с повторением первого менуэта.
  • Passepied — Passepied — это быстрый танец в двоичной форме и тройном метре, который возник как придворный танец в Бретани. Примеры можно найти в более поздних наборах, таких как Баха и Генделя.
  • Ригодон — Ригодон — это живой французский танец в два метра, похожий на бурре, но ритмически более простой. Он возник как семья тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваваре, Лангедок, Дофине и Прованс.

Другие особенности

  • Bassocontino — разновидность непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурного баса, обычно для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента.
  • Концерт и концерт Гроссо
  • Monody — продолжение песни
  • Гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмически подобным аккомпанементом (это и монодия контрастируют с типичной для эпохи Возрождения фактурой, полифонией)
  • Драматические музыкальные формы, такие как опера, драм за музыку
  • Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата
  • Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
  • Ария да капо «наслаждалась уверенностью».
  • The ritornello aria — многократные короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей.
  • Стиль Концертато — звуковой контраст между группами инструментов.
  • Обширный орнамент

Жанры

Вокал

  • Опера
    • Сарсуэла
    • Opera серия
    • Комическая опера
    • Опера-балет
  • Маска
  • Оратория
  • Passion (музыка)
  • Кантата
  • Месса (музыка)
  • Гимн
  • Монодий
  • Хорал

Инструментальная

  • Хоральное произведение
  • Общий концерт
  • Фуга
  • Люкс
    • Allemande
    • Courante
    • Сарабанда
    • Gigue
    • Гавот
    • Менуэт
  • Соната
    • Соната для камеры
    • Соната да кьеза
    • Трио-соната
  • Партита
  • Канцона
  • Sinfonia
  • Фантазия
  • Ricercar
  • Токката
  • Прелюдия
  • Чакона
  • Пассакалия
  • Хоральная прелюдия
  • Фантастический стилус

Дополнительная литература

  • Кристенсен, Томас-стрит и Питер Дежанс. К тональным аспектам теории музыки барокко . Лёвен: Издательство Левенского университета, 2007. ISBN 978-90-5867-587-3
  • Сир, Мэри. Очерки исполнения оперной и камерной музыки в стиле барокко во Франции и Англии . Серия исследований, собранных Variorum, 899. Олдершот, Хантс, Англия: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6
  • Бригадир, Эдвард. Метод бельканто, или «Как правильно петь итальянскую музыку барокко на основе первоисточников» .Шедевры двадцатого века по пению, т. 12. Миннеаполис, штат Миннесота: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0
  • Хебсон, Одри (2012). «Танец и его значение в сюитах Баха для виолончели соло», Музыкальные предложения: Vol. 1: № 2, статья 2. Доступно на http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2.
  • Хоффер, Брэнди (2012). «Духовная немецкая музыка в тридцатилетней войне», Музыкальные предложения: Vol. 3: № 1, статья 1. Доступно на http://digitalcommons.com.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
  • Шуберт, Питер и Кристоф Нейдхёфер. Барочный контрапункт . Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2
  • Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко . Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9
  • Штауфер, Джордж Б. Мир барочной музыки: новые перспективы . Блумингтон: Издательство Индианского университета, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5
  • Странк, Оливер. Источники чтения по истории музыки. От античности до эпохи романтизма . Лондон: Faber & Faber, 1952,
    • .

Внешние ссылки

Изучение богато украшенного искусства и архитектуры барокко

Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

На протяжении 17-18 веков европейские художники и архитекторы перенимали все более сложный стиль.Этот подход, известный как Baroque , отличается изысканной неповторимой эстетикой, которая пробуждает воздушность и направлена ​​на то, чтобы внушить благоговение.

Сегодня период барокко остается одним из самых знаменитых культурных движений в истории западного искусства. Здесь мы рассмотрим этот яркий стиль, исследуя историю и эволюцию его яркого искусства и архитектуры.

Каким был период барокко?

Названный в честь barroco , (португальский термин для обозначения жемчужины неправильной формы), период барокко определяется величием и богатством его искусства и архитектуры.Укоренившись в Риме, движение распространилось по Италии и другим европейским странам между 1600 и 1750 годами, став особенно популярным во Франции, Испании и Австрии.

Николя Пуссен, «Вакханское пиршество перед статуей Пана» (ок. 1632–1633) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons Public Domain)

Поскольку период барокко совпал с итальянским Возрождением, неудивительно, что эти два движения имели некоторое стилистическое сходство. Художники как барокко, так и эпохи Возрождения использовали реализм, богатый цвет и религиозные или мифологические сюжеты, в то время как архитекторы, работающие в обоих стилях, предпочитали баланс и симметрию.Однако то, что отличает стиль барокко от его аналога эпохи Возрождения, — это его экстравагантность — характерная черта, очевидная как в его искусстве, так и в архитектуре.

Искусство барокко

Живопись

Хотя тематика и даже стиль могут варьироваться между картинами в стиле барокко, у большинства произведений этого периода есть одна общая черта: драма .

В работах таких известных художников, как Караваджо и Рембрандт, интерес к драме проявляется в интенсивных контрастах между сияющим светом и надвигающимися тенями.

Караваджо, «Призвание святого Матфея» (ок. 1599 или 1600) (Фото: Ибиблио через Wikimedia Commons Public Domain)

Рембрандт, «Ночной дозор» (1642 г.) (Фото: Государственный музей через Wikimedia Commons Public Domain)

Художники эпохи барокко, такие как Джентилески, Пуссен и Рубенс, достигли обостренного чувства драмы через движение. Часто эта динамичная иконография была вдохновлена ​​сказками из Библии и историями из древней мифологии.

Джентилески, «Давид и Голиаф» (ок.1605-1607) (Фото: через Wikimedia Commons Public Domain)

Помимо энергичных композиций, Рубенс запечатлел драматизм в своей богатой и сияющей цветовой палитре. «Рубенс избегал живописи таким образом, что цвет впитывался. Светящаяся ясность его работ была доказательством превосходства его техники», — объясняет художник Макс Дорнер в книге «« Материалы художника и их использование в живописи »». «В его цветах было столько яркости и связующей среды, что, как и в картинах Ван Эйка, они имели блеск, и их не нужно было покрывать лаком.”

Питер Пауль Рубенс, Самсон и Далила (ок. 1609–1610) (Фото: Национальная галерея, Лондон, Wikimedia Commons Public Domain)

Скульптура

Фигурные скульптуры из бронзы и мрамора, созданные в этот период, демонстрируют интерес к динамизму . Скульпторы, такие как Бернини, пробуждали движение за счет завихрения силуэтов, скрученных контуров и плавной драпировки. Добавленные элементы, такие как водные арматуры, часто усиливали этот театральный подход.

Бернини, «Аполлон и Дафна» (1622–1625)

Подобно статуям эпохи Возрождения, в том числе культовому изображению Микеланджело Давида , скульптуры в стиле барокко часто предназначались для украшения величественных зданий. Они также были заказаны для других грандиозных декораций, таких как позолоченные церковные интерьеры и королевские сады.

Бернини, «Экстаз Святой Терезы» (1647–1652)

Шарль Лебрен, Фонтан Аполлона в садах Версаля (1668–1671)

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

От Hylton, J.Б. (1995) Комплексное образование в области хоровой музыки, Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Prentice-Hall, Inc., 171-176.

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

Переход от ренессанса к музыкальному стилю барокко начался в конце шестнадцатого века. Полихоральные мотеты венецианской школы с двумя или более независимыми хорами, сопоставленными друг с другом, чтобы использовать полученный цветовой контраст, послужили почвой для барочного представления о конфликте. Композиторы венецианской школы также использовали в своей музыке большие исполнители, в том числе хоры инструменталистов.Это привело к развитию стиля концертато, в котором игра солиста или небольшой группы игроков контрастировала с игрой всего ансамбля. Этот стиль композиции привел к развитию концерта. Концерт, конечно же, является инструментальной формой, и в эпоху барокко инструментальная музыка приобрела гораздо большее значение, чем раньше.

Изучение мадригалов Монтеверди, написанных за пятидесятилетний период, выявляет многие стилистические изменения, которые ознаменовали переход от Возрождения к барокко.Ранние мадригалы Монтеверди (написанные в 1587–1603 гг.) Были составлены в стиле высокого Возрождения. Сходные по характеру с работами Маренцио в использовании хроматизма, они, тем не менее, начинают отход от идеала равенства голосов и движутся в сторону барочного представления о полярности сопрано-баса. Напротив, его последние четыре книги мадригалов (написанные в 1605–1638 годах) включают независимые инструментальные секции, контрастирующие с хоровыми интермедиями (стиль концертато) и все более широкое использование фигурного баса.

Несколько пар контрастирующих терминов были применены к «старому стилю» музыки эпохи Возрождения и «новому стилю» барокко. Stile Antico и Stile Moderno — одна из таких пар. Другой, использованный Монтеверди, был prima prattica и seconda prattica. В первой половине семнадцатого века эти два стиля сосуществовали, причем более ранний стиль чаще всего использовался в духовной музыке, в то время как новый стиль был очевиден в светской музыке, особенно в операх раннего барокко.

Текст имел огромное значение для композиторов эпохи Возрождения и барокко.Однако подходы к нему заметно различались. Идеалом эпохи Возрождения было несколько независимых вокальных линий, каждая со своими интонациями и акцентом. В период с начала до середины семнадцатого века тенденция отклонялась от этого полифонического идеала в сторону сопрано-басовой полярности, при которой исполнялась единственная мелодия, а фигурная басовая партия игралась на аккомпанирующем инструменте или инструментах. К эпохе позднего барокко, в первой половине восемнадцатого века, популярность полифонии вернулась.Многоголосие позднего барокко отличалось от полифонии Возрождения: оно было основано на тональной гармонии и характеризовалось энергичным, метрически продуманным, движущим ритмом.

Традиция полного участия исполнителя в решениях, касающихся темпа, артикуляции, орнамента и других вопросов, продолжалась с эпохи Возрождения до эпохи барокко. Ожидалось, что клавишники, представленные фигурной басовой партией, «осознают» это, заполняя аккорды, добавляя орнаменты и иным образом украшая свою игру.Ожидалось, что певцы, особенно солисты, импровизируют украшение и проработку мелодии, найденной в партитуре.

Хотя все стилистические изменения, упомянутые здесь, произошли в течение десятилетий, 1600 год широко принят как удобная, хотя и в некоторой степени условная дата, чтобы отметить конец Возрождения и начало барокко. Также следует отметить, что многие, если не все эти изменения взаимосвязаны. Например, переход от полифонической текстуры к сопровождаемой мелодии был тесно связан с переходом от модальности к системе тональности мажор-минор и использованию фигурного баса.Возрастающее значение новых инструментальных форм росло за счет использования зависимых инструментальных партий, в отличие от хоровых. Суммарное влияние всех этих изменений, вместе взятых, продвинуло музыку вперед в новую эру.

Важные формы

В период барокко некоторые важные хоровые формы, такие как осел и мотет представляют собой продолжение развития идей эпохи Возрождения. Другие, такие как кантата и оратория, были созданы заново или приобрели новую форму. важность с точки зрения стилистического развития.Некоторые формы пересекли границы священного и светского. Кантаты Баха, например, включали обе классификации. Для целей данного обсуждения опера не считается. Краткое определение каждого из важных хоровых произведений в стиле барокко. формы представлены здесь.

Гимн.

Традиция исполнения гимна, начатая в елизаветинской Англии Гиббонсом, Берд, Таллис и другие продолжили барокко, достигнув его высшей точки в гимны Перселла и Генделя. Гимн барокко был сложнее, чем эпохи Возрождения, использующей речитативы, инструментальные аккомпанементы с континуо, независимые инструментальные части и интерлюдии, а также сложное соло проходы.

Кантата.

Произведено от итальянского слова cantare, означающего «чтобы петь «, кантата возникла в семнадцатом веке как расширенное произведение сопровождал светскую музыку речитативами и ариями. В Германии лютеранская хорал послужил основой для расширенной обработки в «хоральной кантате», священное произведение, написанное для солистов, хора и оркестра, и доведенное до его высшая разработка J.S. Бах.

Мадригал.

В эпоху барокко мадригал продолжал пользоваться популярностью и стал воплощением «нового стиля» в форме мадригала континуо, разработанного Монтеверди, использующий фигурный бас и включающий секции для соло, дуэта или трио с континуо и контрастными секциями для инструментов с секциями для хор.

Magnificat.

Музыкальное оформление песнопения Девы Марии из первой главы Евангелия от Луки. Полифонические настройки были написаны еще в четырнадцатом веке. Магнификат является частью католической службы вечерни и англиканской службы вечерни. Монтеверди, Хасслер, Перселл и, что наиболее важно, Бах написали важные настройки этого текста.

Массачусетс

В период раннего барокко месса имела тенденцию быть консервативной музыкальной формой, похожей по стилю на франко-фламандскую мессу шестнадцатого века.По мере развития семнадцатого века массы начали использовать стиль концертато и инструментальное сопровождение. Эти разработки привели к тому, что пять масс И.С. Баха, чья месса си минор является одним из выдающихся памятников западной музыки. В отличие от других его мессов, месса си минор длится два часа и делит обычное на двадцать пять отдельных частей, характеризующихся широким спектром выразительных и музыкальных приемов.

Motet.

Мотеты венецианской школы написаны в стиле концертато с использованием цветов контрастирующих хоровых и инструментальных сил.Шютц, Монтеверди и Люлли написали песнопения, в которых использовались самые разные силы, текстуры и эмоции. Это привело к появлению многочастичного мотива позднего барокко, примером которого являются произведения Баха и Букстехуде.

Оратория.

Обстановка священного или героического текста для хора, солистов и оркестра. Детали рассказа переданы через речитатив. Подобно опере по характеру, оратория не ставится, а певцы не одеваются в костюмы. Первым крупным композитором оратории был Кариссими.Наивысшего расцвета барочная оратория достигла в творчестве Генделя.

Страсть.

«Страсть» — это музыкальное оформление событий конца жизни Христа, от Тайной вечери до Распятия. Рассказ ведется речитативами в исполнении евангелиста. Другие солисты исполняют речитативы и арии, а роль хора варьируется от пения хоралов, более сложных созерцательных хоровых секций и секций турбы, в которых хор принимает на себя идентичность толпы.

Te Deum.

Первые слова этого текста, «Te deum laudamus», означают «Мы славим Тебя, Бог». Его поют в католическом офисе утрени, на англиканской утренней молитве и в других праздничных священных и светских случаях. Перселл и Гендель написали значимые музыкальные настройки Te Deum.

Вечерня.

Вечернее богослужение по римско-католическому обряду. Вечерня включает в себя серию псалмов, гимн и магнификат. Вечерня Монтеверди 1610 года с участием хора и инструменталистов была написана в стиле концертато.Это самый важный образец формы в стиле барокко.

Композиторы

В первой половине периода барокко преобладали два композитора. В их музыке воплощены многие элементы перехода от стиля ренессанс к стилю барокко. Этими двумя композиторами были Клаудио Монтеверди (1567–1643) и Генрих Шутц (1585–1672).

Монтеверди родился в Кремоне, Италия. Он написал восемь книг мадригалов, три мессы, вечерни, магнификаты и мотели. Он написал не менее двенадцати опер, три из которых сохранились.Как упоминалось ранее, музыка Монтеверди иллюстрирует переход от prima prattica к seconda prattica, от полифонии эпохи Возрождения к гомофонии барокко.

Шютц был величайшим немецким композитором семнадцатого века. Он родился в Саксонии, учился у Габриэли в Венеции. Музыка Шютца разнообразна, что отражает его долгую жизнь и разнообразные условия, в которых он работал. Его первыми опубликованными сочинениями были итальянские мадригалы. Он был лютеранином, и его священные сочинения были написаны для лютеранской церкви.Шютц написал несколько очень разнообразных сборников песнопений, а также ораторий и страстей.

Другими важными композиторами раннего барокко являются Жан-Батист Люлли (1632–1687), Ян Питерсоон Свелинк (1591–1652), Иоганн Герман Шейн (1586–1630) и Чакомо Кариссими (1605–1674). Особое значение имеют пятнадцать ораторий Кариссими. Они содержат речитативы, арии, хоровые части и инструментальные интермедии с использованием разнообразных текстур.

В период позднего барокко преобладали произведения Баха и Генделя, которые составляют важную часть хорового репертуара, исполняемого сегодня.Среди других крупных композиторов этого периода — Дитрих Букстехуде (1637-1701), Марк-Антуан Шарпантье (1634-1704), Генри Перселл (1659-1695), Георг Филипп Телеман (1681-1767) и Антонио Вивальди (1675-1741). .

Музыка Иоганна Себастьяна Баха (1685-1750) представляет собой кульминацию двух веков музыкального развития, предшествовавших ей. Хоровая, оркестровая и клавишная музыка Баха демонстрирует удивительное разнообразие выразительности, техники и организации. Его хоровое произведение включает шесть мотетов, магнификат, пять месс, триста кантат и две полные страсти.

Хотя все хоровые произведения Баха составляют важную часть репертуара, два произведения являются хоровыми памятниками: месса си минор и страсти по Матфею. Кроме того, сотни кантат Баха включают в себя широкий спектр уровней сложности, и некоторые из них могут быть исполнены хорами с ограниченным опытом и ресурсами. Относительно скромные ресурсы, необходимые для исполнения многих кантат Баха, вполне объяснимы, поскольку он написал большинство из них для исполнения своим церковным хором в Лейпциге и был ограничен доступными финансами и персоналом.Хотя его певцы регулярно находились под его руководством, инструменталисты, составлявшие оркестр, набирались на разовой основе и фактически, вероятно, читали музыку во время выступления.

Георг Фридрих Гендель (1685-1759) родился в Галле, Германия. Гендель был космополитом, путешествовал в Италию на три года в 1707 году и жил в Лондоне с 1711 года до своей смерти. Его хоровое выступление включало двадцать одну ораторию, три Te Deums, четырнадцать гимнов и две страсти.Его оратории были предназначены для концертных выступлений, а не для использования в церкви. Это были музыкальные повествования о жизни героев из Библии и мифологии. Самая известная оратория Генделя, «Мессия», нетипична для остальных, поскольку представляет собой серию размышлений о жизни Христа и ее значении, а не драматическое повествование о последовательности событий.

Стиль барокко

Исполнение хоровой музыки в стиле барокко требует жизни и энергии.Это музыка, полная эмоций. В музыке барокко существует тенденция к единству эмоций в рамках данного раздела композиции. Это проистекает из идеи барокко о том, что человек находится под контролем одного аффекта или эмоции в любой момент времени. Но это не значит, что музыка должна быть безэмоциональной. В хоровом произведении в стиле барокко может быть выражено больше явных эмоций, чем в музыке эпохи Возрождения. Контраст эмоций должен достигаться по мере того, как одна часть заканчивается, а другая начинается в новом темпе и новой динамике.

Террасная динамика, при которой динамические изменения происходят между частями музыки (в отличие от длинных крещендо и декрещендо внутри частей), является типичной музыкальной характеристикой барокко. Точно так же темп барочной композиции должен быть постоянным в каждой части произведения. Между секциями возникают резкие контрасты темпа.

Тон, который будет использоваться в мессе в стиле барокко, больше и драматичнее, чем тот, который был бы уместен для настройки того же текста шестнадцатого века.Более свободный подход к вибрато наряду с более широким динамическим диапазоном помогает различать два стиля.

Использование оркестра для сопровождения хоровой музыки в стиле барокко добавляет разнообразия имеющейся цветовой гаммы и подчеркивает потребность хора в пении с теплотой и проекцией. Как и в эпоху Возрождения, это было обычным делом и было принято дублировать вокальные партии в композиции с инструментами. В период барокко, помимо инструментального дублирования, композиции также обычно содержали независимое оркестровое сопровождение, часто требующее струнных, труб, гобоев и клавишного инструмента (клавесина или органа), обеспечивающего континуо.

Некоторая хоровая музыка в стиле барокко имеет тенденцию быть «инструментальной» по замыслу. Такая музыка характеризуется драйвовыми точечными ритмами, и она должна быть наполнена жизнью, энергией и чувством движения. Более медленные участки должны быть отчетливо контрастными.

Музыка барокко | Britannica

Bach, J.S .: Концерт № 1 ре мажор

Отрывок из первой части Allegro-Allegrissimo И.С. Концерт № 1 ре мажор Баха для клавишных соло, BWV 972; из записи 1938 года пианистки Ванды Ландовской.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis Гендель, Джордж Фридрих: Музыка на воде

Отрывок из первой части Аллегро из Сюита фа мажор из произведения Джорджа Фридриха Генделя Музыка на воде ; из записи 1954 года оркестра Бойда Нила под управлением Бойда Нила.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis

Музыка барокко , музыкальный стиль, преобладавший в период с 1600 по 1750 год, известный своим грандиозным, драматическим и энергичным духом, а также стилистическим разнообразием.

Соната для фортепиано ре минор , K 64 Доменико Скарлатти для фортепиано.

Вадим Хаимович / Musopen.org

Подробнее по этой теме

духовой инструмент: эпоха барокко и классика

Драматические музыкальные события в Италии около 1600 года оказали глубокое влияние на музыку Европы эпохи барокко. Несколько групп литераторов…

Один из самых драматических поворотных моментов в истории музыки произошел в начале 17 века, когда Италия лидировала. В то время как stile antico , универсальный полифонический стиль XVI века, продолжал свое существование, отныне он был зарезервирован для духовной музыки, тогда как stile moderno или nuove musiche — с его акцентом на сольном голосе, полярности мелодии и басовая партия, и интерес к выразительной гармонии — разработан для светского использования.Расширенный словарный запас позволил провести более четкое различие между духовной и светской музыкой, а также между вокальными и инструментальными идиомами, а национальные различия стали более выраженными.

Клаудио Монтеверди: Мадригалы

«Chiome d’oro, bel tesoro» из Мадригалов Клаудио Монтеверди, книга 7; из записи 1937 года Ансамбля вокально-инструментальной музыки Нади Буланже под управлением Нади Буланже.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis

Опера, оратория и кантата были наиболее важными новыми вокальными формами, а соната, концерт и увертюра были созданы для инструментальной музыки.Клаудио Монтеверди был первым великим композитором «новой музыки». За ним последовали в Италии Алессандро Скарлатти и Джованни Перголези. Инструментальная традиция в Италии нашла своих великих композиторов эпохи барокко в лице Арканджело Корелли, Антонио Вивальди и Джузеппе Тартини. Жан-Батист Люлли, крупный оперный композитор, и Жан Филипп Рамо были мастерами музыки барокко во Франции. В Англии за полным театральным опытом масок Стюартов последовали достижения в вокальной музыке уроженца Германии, получившего образование в Италии, Джорджа Фридриха Генделя, в то время как его соотечественник Иоганн Себастьян Бах разработал в Германии духовную музыку в стиле барокко.Среди других известных немецких композиторов эпохи барокко — Генрих Шютц, Дитрих Букстехуде и Георг Филипп Телеманн. Для более подробной информации о музыке барокко, см. Западная музыка: эпоха барокко.

Факты, рабочие листы, история и влияние эпохи барокко для детей

Не готовы приобрести подписку? Нажмите, чтобы загрузить бесплатную пробную версию Загрузить образец

Загрузить этот образец

Этот образец предназначен исключительно для участников KidsKonnect!
Чтобы загрузить этот рабочий лист, нажмите кнопку ниже, чтобы зарегистрироваться бесплатно (это займет всего минуту), и вы вернетесь на эту страницу, чтобы начать загрузку!

Зарегистрируйтесь

Уже участник? Авторизуйтесь, чтобы скачать.

Эпоха барокко относится к периоду европейской истории, характеризующемуся экстравагантным архитектурным стилем, искусством и музыкой, который возник с 17 века до конца 18 века. Это эпоха между стилями Возрождения и неоклассицизма, на которую в значительной степени повлияла католическая церковь.

См. Файл фактов ниже для получения дополнительной информации о барокко или, альтернативно, вы можете загрузить наш 24-страничный пакет рабочих листов в стиле барокко для использования в классе или в домашней обстановке.

Основные факты и информация

Этимология слова

  • Ученые считают, что термин «барокко» произошел от португальского слова barocco, что означает жемчуг неправильной формы. Это было в 1531 году, когда слово барокко использовалось для описания сокровищ Карла V.
  • В 1734 году этот термин впервые был использован для описания бессвязной мелодии музыки в опере. «Барокко» также использовалось Жан-Жаком Руссо, композитором и философом, для описания гармонии музыки, запутанной и наполненной модуляциями и диссонансами.
  • В 1855 году швейцарский историк искусства Якоб Буркхардт использовал слово «барокко» для критики художественного стиля эпохи Возрождения. Однако только в 1878 году термин «барокко» официально вошел в словарь французской Академии.

Искусство барокко: архитектура и дизайн

  • Период раннего барокко в архитектуре возник примерно в первой четверти 1600-х годов в Италии и продолжался до эпохи позднего барокко или рококо во Франции.
  • Одним из первых образцов архитектуры барокко был фасад базилики Святого Петра в Ватикане.Базилика изначально была спроектирована Микеланджело, известным художником эпохи Возрождения, и Карло Мадерно, который спроектировал пристройку фасада в стиле барокко.
  • Элементы стиля барокко, такие как двойные колонны, многослойные колонны, колоссальные колонны и ломаные фронтоны, присутствуют в работах Мадерно.
  • Такие архитектурные элементы процветали в период позднего Возрождения, и их часто называют маньеристической архитектурой.
  • Также в соборе Святого Петра находятся работы художников высокого барокко Джан Лоренцо Бернини и Франческо Борромини.Бернини работал над четырехэтажным балдахином или внутренним балдахином, таким как алтарь или трон, в то время как Борромини проектировал церковь Сан-Карло-алле-Кватро-Фонтане. Последний был известен как мастер архитектуры криволинейных стен.
  • Архитектура позднего барокко процветала во Франции в последней четверти 17 века. Двускатная мансардная крыша — один из самых ярких элементов французского барокко. Примером этого являются замки или величественные загородные резиденции, такие как Версальский дворец, который был построен во время правления короля Людовика XIV.
  • С 1680 по 1750 год во Франции возникло рококо-барокко, для которого характерны изгибы, сложные орнаменты, асимметричные украшения и использование белых и пастельных тонов. Стиль рокайль процветал в Баварии, Австрии, Германии и России, оказывая влияние на живопись, скульптуру, музыку и другие виды искусства.
  • Номера в стиле рококо обычно украшены элегантной мебелью, небольшими скульптурами, изящными гобеленами и декоративными зеркалами.
  • Многие церкви в Австрии и Южной Германии построены в архитектурном стиле рококо.

Искусство барокко: скульптура и живопись

  • Живопись в стиле барокко была продуктом религиозной пропаганды. Католическая церковь использовала искусство, в частности живопись, в католической Реформации, которая была противодействием протестантской Реформации под руководством Мартина Лютера. Совет Трента решил, что искусство должно передавать религиозные темы, делая новый стиль впечатляющим.
  • Стиль барокко назывался стилем иезуитов, который был более драматичным, эмоциональным и полным жизни.Картины отличаются техникой светотени, в которой игра света и тьмы создает более драматичную атмосферу.
  • Среди известных художников — Рембрандт, Рубенс и Караваджо.
  • Знаменитый триптих Воздвижения Креста, созданный для церкви Святого Вальпургиса в Антверпене, с 1815 года экспонируется в Соборе Богоматери, также в Антверпене.
  • Католическое барокко прослеживается в огромных картинах, фресках и сводах церквей в Европе.Объекты демонстрируются с чрезмерно растянутыми движениями, огромной драматичностью, глубокими эмоциями и театральным преувеличением для создания эффекта погружения.
  • Образец фрески в стиле барокко изображен на потолке церкви Св. Игнатия в Риме. Многие фигуры святых изображают движение и драму со святым Игнатием в центре.
  • Скульптуры в эпоху барокко обычно делались из бронзы, красочного мрамора и иногда позолочены. Архитектура украшалась гипсовыми скульптурами.Иногда вместо колонн использовались статуи.
  • Они могут быть кариатидами, вертикальными стойками в женской форме, теламонами или мужскими. Такое использование восходит к классической греческой архитектуре и скульптуре.
  • Среди известных скульпторов и их шедевров: Джан Лоренцо Бернини с Энеем, Анхисом и Асканием; Николя Кусту с его аллегорией, намекающей на выздоровление короля; и Мартин Дежарден с La Paix de Nimѐgue.

Искусство барокко: музыка и симфония

  • Именно в период барокко появились новые музыкальные жанры, такие как концерт, соната, кантата, оратория и опера.Когда католическая церковь начала терять свой политический контроль, нерелигиозная музыка процветала.
  • Композиторы, такие как Антонио Вивальди, Иоганн Себастьян Бах, Генри Перселл, Арканджело Корелли и Джордж Фредерик Гендель, были среди музыкальных гениев, которые разработали сложные способы и аранжировки, которые могут повлиять на эмоции слушателя.
  • Среди композиторов выделялся Иоганн Себастьян Бах. Его музыкальные сложности и стилистические новации сделали его одним из самых выдающихся западных композиторов всех времен.Среди его основных сочинений — Токката и Фуга ре минор, Месса си минор, Бранденбургские концерты и Хорошо темперированный клавир.

Одежда в стиле барокко: мода и стиль

  • Помимо различных форм искусства, барокко минимально характеризует мода и стиль. На мужскую одежду сильно повлияли Гражданская война в Англии и Тридцатилетняя война. Женщины носили орнаментированные платья с кружевными воротниками и рукавами вираго, что отражало богатство и статус почти так же, как во времена Возрождения.Одежда была нарядной и пышной, как у монархов и знати, которые заметно отличались от низших классов.

Рабочие листы эпохи барокко

Это фантастический набор, который включает в себя все, что вам нужно знать об эпохе барокко, на 24 подробных страницах. Это готовых к использованию рабочих листов эпохи барокко, которые идеально подходят для обучения студентов эпохе барокко, которая относится к периоду европейской истории, характеризующемуся экстравагантным архитектурным стилем, искусством и музыкой, которые возникли с 17 века до конца 18 века. .Это эпоха между стилями Возрождения и неоклассицизма, на которую в значительной степени повлияла католическая церковь.

Полный список включенных рабочих листов

  • Факты об эпохе барокко
  • Известные художники барокко
  • История искусства
  • Стиль барокко
  • B&B: здание в стиле барокко
  • Mix & Match Музыка
  • Барокко по буквам
  • Крест к Кресту
  • Запоминание
  • Факты и цифры
  • Веб-карта в стиле барокко

Ссылка / цитирование этой страницы

Если вы ссылаетесь на какое-либо содержимое этой страницы на своем собственном веб-сайте, используйте приведенный ниже код, чтобы указать эту страницу как первоисточник.

Факты и рабочие листы эпохи барокко: https://kidskonnect.com — KidsKonnect, 13 июля 2018 г.

Появится ссылка как факты и рабочие листы эпохи барокко: https://kidskonnect.com — KidsKonnect, 13 июля 2018 г.

Использование с любой учебной программой

Эти рабочие листы были специально разработаны для использования в любой международной учебной программе. Вы можете использовать эти рабочие листы как есть или редактировать их с помощью Google Slides, чтобы сделать их более конкретными в соответствии с вашими уровнями способностей учащихся и стандартами учебной программы.

Краткое знакомство с оперой в стиле барокко

Краткое знакомство с оперой в стиле барокко

История оперы в стиле барокко — это история роскошного великолепия, экзотики и зрелищности, чудесности, певцов-суперзвезд с эгоизмом и доходами суперзвезд, интриг и изворотливых деловых отношений и … одной из самых возвышенных музыкальных произведений, когда-либо написанных .

Он начинается как история эпохи Возрождения во Флоренции в начале 1570-х годов с группы дворян, ученых и художников, которые называли себя Камерата.Они проводили собрания, на которых размышляли о способах исполнения древнегреческой драмы и ее музыки. Неправильное прочтение источников означало, что они потерпели неудачу, но их эксперименты привели к созданию нового вида музыки, основанной на речевых ритмах. Названный речитативом, он вскоре был воспринят композиторами Камераты, среди которых были Джулио Каччини и Якопо Пери. Поначалу использовавшийся в зрелищных придворных празднествах, которые включали в себя развлечения, называемые промежуточными, речитатив вскоре стал основой нового вида драмы — оперы.Соответственно (и для историков удобно) рождение оперы пришло с наступлением нового века. В 1600 году появились две настройки текста (или либретто) Оттавио Ринуччини, другого члена камеры, в новом стиле на музыку Джулио Каччини и Якопо Пери. Вокруг этого знаменательного события много споров, но кажется, что выступление, данное во Палаццо Барди во Флоренции 6 октября, было составной версией, включающей музыку обоих композиторов. Сюжетом этих первых опер была басня об Орфее, хотя название L’Euridice было названо в честь жены Орфео, которая, как известно, пыталась вернуть из подземного мира.

Так родилась Opera, но для того, чтобы довести ее до зрелости, нужен был великий композитор. Ожидание было недолгим. В 1607 году опера Клаудио Монтеверди «Орфей» была представлена ​​при дворе Мантуи, где тогда работал ее композитор. Как следует из названия, темой снова стала история Орфея и Эвридики, но «Орфей» Монтеверди сильно отличается от ранних опер Каччини и Пери. Более гибкий и, критически, более драматичный, в дополнение к речитативу, который продвигает историю вперед, он включает отрывки лирического созерцания, развитие, которое все больше ведет к окончательному разделению этих черт.Но это впереди. А пока рассказ приостанавливается, хотя в скобках можно отметить, что в 1608 году в Мантуе была показана утерянная опера Монтеверди «Арианна». С этого момента опера быстро распространилась своими щупальцами по всей Италии, достигнув, среди прочего, Рима в 1620-х годах и Венеции в 1630-х годах.

Теперь история движется в Венецию. Его республиканский авторитет сделал его идеальным местом для оперы, чтобы сделать важный шаг вперед — превратиться из простого придворного зрелища в общественное развлечение.Этому способствовал ряд существующих небольших театров, принадлежащих семьям аристократов Венеции, в которых всегда популярные спектакли комедии дель арте давались для социально разнородной аудитории. Так в 1637 году была поставлена ​​первая публичная опера, ныне утерянная Андромеда ныне забытого Франческо Манелли. Шлюзы открылись. Театры были расширены, чтобы приспособить оперные нужды, или даже построены заново, чтобы приспособить их. Даже престарелый Монтеверди, который переехал в Венецию в качестве директора собора Святого Марка в 1613 году, был призван ставить оперы, сочиняя прощальные шедевры Il ritorno d’Ulisse in patria, поставленные в 1640 году, и L’incoronazione di Poppea (1643). вместе с потерянным Le nozze d’Enea в Лавинии.«Поппея» Монтеверди была первой крупной оперой, в которой сюжетом рассматривалась история, а не мифология, в то время как обе дошедшие до нас поздние оперы включали комические сцены в весьма серьезных произведениях, что должно было стать характерной чертой венецианской оперы до конца века. .

Около двух десятилетий в Венеции была лихорадочная оперная деятельность. Импресарио появлялись и разорялись, постановки становились все более экстравагантными, дома открывались и закрывались, но даже в этих хаотических условиях было поставлено ошеломляющее количество опер.Главной фигурой в эти годы был Франческо Кавалли, ученик Монтеверди, который как импресарио и композитор поставил более 30 опер между 1640 и 1673 годами, в том числе такие знаменитые шедевры, как «Ксерсес» (1654). Последняя четверть века стала свидетелем похолодания оперного рвения в Венеции, что позволило нам перейти не только от Ла Серениссима, но и за пределы Италии к рождению оперы во Франции, истории, в которой также присутствует Кавалли.

К середине 1650-х годов опера начала свое мировое завоевание.Во Франции, где роскошное зрелище было не новостью при дворе Людовика XIV, оно прибыло как импорт из Италии, особенно с постановкой «Ксерсеса» Кавалли в 1660 году и, в исключительных случаях, с великолепной постановкой «Эрколе аманте» того же композитора в Тюильри в 1662 году. это поразило всех в течение шестичасового выступления. Но Ercole amante более века доказывал, что это лебединая песня итальянской оперы во Франции. В соответствии с традициями французского двора, в его огромную длину входили балеты, в которых участвовал сам король.Основным композитором этих балетов был композитор инструментальной музыки Луи Жан-Батист Люлли. Именно Люлли суждено было стать основателем французской оперы, что парадоксально, учитывая, что он был флорентийцем по имени Джованни Баттиста Лулли. Но приемный француз Люлли приступил к поиску отличительного стиля, мало похожего на итальянскую оперу, его наблюдение за ритмами французского языка привело его к созданию новой формы лирического речитатива. Манипулятивный и беспринципный, Люлли занял влиятельное положение как при дворе, так и в недавно созданной Парижской Опере, что позволило ему доминировать в опере, исключая других композиторов.Между 1673 и 1686 годами Люлли сочинил 14 опер или музыкальных трагедий, в основном ставившихся как при дворе, так и в Парижской опере. К моменту его смерти в 1687 году господство Люлли во французской опере было настолько полным, что прошло 40 лет, прежде чем его гегемония была оспорена.

Но мы должны вернуться в Италию. Незадолго до конца века ученые и литераторы начали оспаривать то, что они считали фривольностью комических сцен в венецианской опере. Они отметили возвышенную серьезность французской оперы с использованием либретто таких выдающихся поэтов, как Кино и Корнель.В 1690 году в Риме образовалась Аркадская академия, объединение ученых и художников, которые стремились реформировать оперу, изгнав фривольную комедию и сосредоточившись на возвышенных мирах героических исторических фигур и идеализированных пасторальных темах. Поэт, который вывел итальянскую оперу в новом направлении, был Апостоло Зенон, за которым позже последовал один из величайших поэтов 18 века Пьетро Метастазио. Среди композиторов выдающейся фигурой в переходный период между Венецианской оперой 17 века и тем, что стало известно как dramma per musica или opera seria, является Алессандро Скарлатти, в операх которого мы также можем найти окончательное установление арии da capo aria, музыкальной формы, которая доминируют в итальянской опере на протяжении большей части следующего столетия.Постепенное отделение речитатива от более лирических частей непрерывной партитуры, наблюдаемое в операх Кавалли и его современников, таких как Чести, в конечном итоге привело к тому, что они стали отдельными сущностями. Большое количество опер Скарлатти, составленных между 1679 и 1721 годами, представляет собой идеальную платформу для изучения перехода от венецианской оперы 17 века к опере сериа. Скарлатти также знакомит нас с новым крупным центром итальянской оперы — Неаполем. На самом деле оперу давали в Неаполе, тогда крупнейшем городе Италии, с середины 1600-х годов, но именно Скарлатти установил так называемый «неаполитанский стиль», который доминировал в итальянской опере в первой половине следующего столетия.

Одним из композиторов, которому был полезен прямой контакт со Скарлатти, был молодой немец Георг Фредерик Гендель, который прибыл в Италию в конце 1706 года. 21-летний Гендель работал в Гамбурге, ведущем оперном центре Германии, где он был поставлен в театре Gänsemarkt, первом публичном оперном театре за пределами Венеции, с 1678 года. Опера в Германии на этом этапе была либо итальянской, либо гибридной, представившей популярную немецкую песню, что нередко в операх Телемана и его гамбургских коллег. чтобы оба языка использовались в одной опере.Пребывание Генделя в Италии, где он посетил Флоренцию, Венецию (где его Агриппина была подарена в 1709 году), Рим и Неаполь, оказало глубокое влияние на развитие его стиля. В конце 1710 года Гендель, ныне практически полноценный итальянский оперный композитор, прибыл в Лондон, где общественный спрос на развлечения и финансовое вознаграждение, которое они могли обеспечить, были уникальной привлекательностью для европейских артистов-исполнителей на протяжении всего столетия. Опера не смогла утвердиться в Англии, где преобладало предпочтение устной драмы, несмотря на движение гибридной формы, известной как « полуопера », особенно связанной с Генри Перселлом, роль которого в создании английской оперы, возможно, не ограничивалась «Дидона» и «Эней» и такие полуоперы, как «Королева фей» и «Король Артур», если бы не его преждевременная смерть.Поскольку это было, теперь была подготовлена ​​сцена для Генделя — теперь британского гражданина — для установления господства итальянской оперы в Лондоне, где между 1711 и 1741 годами было поставлено около 40 его опер в дополнение к операм других ведущих итальянских композиторов, таких как Никола. Porpora.

Мы видели, как реформа итальянской оперы привела к исключению комических эпизодов, которые стали неотъемлемой частью венецианской оперы 17 века. Точно так же, как основное внимание теперь переключается на Неаполь и его влияние, также происходит концентрация на сериях опер таких композиторов, как Леонардо Винчи, Порпора, Перголези и Хассе, таких как Гендель, итальянизированный немец.В Венеции, которая сама поддалась неаполитанскому стилю, среди настоящих венецианских композиторов только Антонио Вивальди может претендовать на известность сегодня, хотя важность Антонио Лотти и Леонардо Лео в этой области еще предстоит полностью раскрыть. Если драма per musica с ее щедрыми монархами, героическими принцами и обиженными, хотя часто и дерзкими героинями занимала возвышенные позиции великолепия и морального примера, комедия вот-вот нанесет ответный удар. Перед концом первого десятилетия нового века первые интермеццо, или короткие комические оперы, вставлялись в интервалы серьезных опер как в Неаполе, так и в Венеции.В полном контрасте с серией, эти комические интермедии отображали тип повседневного характера, который публика находила на улице после выхода из театра, часто высмеивая свои слабости в общих диалогах, часто используя местный диалект. В Неаполе появление полнометражных комических опер произошло почти одновременно, что послужило основой для оперы-буффа, которой во второй половине века было суждено отомстить Opera seria, достигнув популярности, которая превзошла ее великое отношение. это завершится бессмертными комедиями Моцарта.

К середине 18 века европейское господство итальянской оперы было окончательно. За исключением одной страны. Во Франции наследие Люлли, итальянца, ставшего французом, продолжало господствовать до прибытия Жана-Филиппа Рамо, который в зрелом возрасте обратился к tragédie en musique, чтобы бросить вызов наследию Луллистов, которое жестоко разделило как ученых, так и общественность. мнение. Большая часть противоречий была результатом признания Рамо того, что его критики считали итальянскими влияниями.Позже обратное признание французских черт в итальянской опере сыграло значительную роль в так называемых «реформах» Глюка. Но это история другого дня…

Этот образовательный сайт почти полностью финансируется за счет пожертвований тех, кто ценит и ценит его содержание. Если вы можете помочь, сделав пожертвование, мы будем очень признательны за вашу щедрость. Если вы предпочитаете сделать пожертвование в долларах или евро, вы можете сделать это на домашней странице.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *