Картинам: Зачем картинам названия? — Ad Marginem

Содержание

Картинам русских авангардистов не дают выйти на рынок, считает искусствовед

"Химичат"

"Рынок – это та сфера, которая пропускает к продаже. Есть работы, которые хранятся в коллекциях и которые не выпускают к продаже. И используют для этого химическую экспертизу", — рассказала искусствовед.

Она полагает, что многие эксперты аффилированы с рынком и действуют в интересах дельцов и аукционных домов.

"Делают химический анализ и говорят, что в вашей работе есть титановые белила. Это химическое вещество датируют началом 1930-х годов, а описано оно было в конце XIX века, все французское метро было выкрашено этими белилами. Но официальная патентная литература признает белила с конца 1920-х годов. Так что сразу при такой экспертизе картины "молодеют" на два-три десятка лет", — сказал Гринченко.

"Но, например, когда у Малевича была выставка в Варшаве в 1927 году, он приехал и покрыл все работы титановыми белилами, чтобы смягчить. На самом деле как художник тогда он был средний. Он был организатор пространства, но средний рисовальщик. То, что тогда Малевич использовал титановые белила – это факт, но 1927 год уже находится за пределами патентной хронологии. И когда находят титановые белила, то говорят, что это не Малевич, поскольку их использование должно начинаться в 1930 году. В итоге половина картин уходит с рынка, а работы Малевича растут в цене. Последняя работа из супрематической серии дошла до 45 миллионов долларов", — сказала галерист.

Он сообщила, что примерно три года назад была пересмотрена точка зрения на датировку картин с титановыми белилами, но тут же появилась другая датировка — по фталоцианину.

"Раньше это вещество называлось по-другому, оно было разработано в красках "Пеликан", выпущенных в Штутгарте до Первой мировой войны, их экспортировали в Россию до революции. Химики определяют его как связующий элемент, но это не так – это краска. Об этом писал известный искусствовед из Парижа Александр Арзамасцев. Но фталоцианин датируют в патентной литературе, которая связана с регуляцией прав на аукционах, также после 1930 года. Есть свежие, двухмесячной давности, примеры лабораторных исследований по прекрасным работам, в которых пишут: "все краски подлинные, но есть фталоцианин", — рассказала Гринченко.

По ее словам, из-за этого "зарубили" очень много потрясающих работ русского авангарда, и некоторые искусствоведы сейчас сожалеют об этом.

"Сейчас идет борьба против русского авангарда, потому что если все коллекции всплывут, рынок рухнет", — считает Гринченко.

Картинам Бэнкси повышают стоимость – Коммерсантъ FM – Коммерсантъ

Картина Бэнкси ушла с молотка в Лондоне за $12 млн — это рекорд для британского уличного художника. Торги длились всего 13 минут. В итоге цена полотна под названием «Деградирующий парламент» выросла в пять раз. Чем объясняется рост популярности и стоимости работ Бэнкси, личность которого до сих пор не раскрыта? Расскажет Андрей Загорский.

Полотно с карикатурой на британский парламент, где вместо депутатов заседают шимпанзе, аукционный дом Sotheby's изначально оценил в $2,5 млн. У него более чем внушительные размеры: четыре на два с половиной метра. Созданная специально для выставки в музее Бристоля, картина до этого находилась в частной коллекции. Ее предыдущий владелец предпочел остаться неизвестным. После торгов Бэнкси опубликовал пост в Instagram, прокомментировав стоимость картины словами: «Жаль, что она мне уже не принадлежала». Художник также процитировал австралийского арт-критика Роберта Хьюза, умершего в 2012 году: «Вместо того, чтобы становиться общим достоянием человечества, как книги, искусство становится особенным видом собственности того, кто может себе его позволить».

Высокий интерес к картине на аукционе во многом объясняется актуальностью сюжета, отметил директор портала ARTinvestment.ru. Константин Бабулин: «Картина сама по себе замечательная.

Написана она десять лет назад и на удивление оказалась пророческой.

То есть это тогда была пародия на парламент, и озвучивалось, что настанет день, когда парламент будет решать ничего. Это и произошло. Причем настолько качественно и интересно все сделано, что в картине десятилетней давности ты пытаешься искать современных персонажей: Бориса Джонсона и так далее. В этом смысле Бэнкси, конечно, удивил. Необходимость приобрести эту работу у людей была точно».

Бэнкси до сих пор удается сохранять в тайне свою личность. По слухам, он родился в Бристоле в 1973 году. Известность приобрел в основном благодаря уличным граффити. Практически все его творчество имеет острую социальную направленность — художник часто поднимает вопросы социального неравенства и лицемерия властей. Нельзя не отметить и то, что с его работами подчас случаются необычные инциденты. Так, в октябре прошлого года картина «Девочка с воздушным шаром» сразу после продажи на аукционе Sotheby's за $1,4 млн самоуничтожилась прямо в зале, где проходили торги. Ее копию аукционный дом Christie's продал в сентябре почти за $500 тыс.

Благосклонность публики к Бэнкси в Британии — дань своеобразной традиции, считает искусствовед Михаил Каменский: «Большое количество факторов определяет популярность Бэнкси и какую-то любовь к нему со стороны, в первую очередь, англичан.

В английском обществе существует традиция относиться к художникам с уважением.

Там был такой выдающийся карикатурист и художник Уильям Хогарт, он работал в XVIII веке и издевался над всеми слоями британского общества. То же самое можно сказать и о Бэнкси, который является художником народным и задевает болевые точки практически всех слоев сегодняшнего общества».

Одной из последних нашумевших акций Бэнкси стало открытие им в Лондоне собственного выставочного зала. Он представляет собой не что иное, как переделанный магазин. Войти в помещение нельзя, но снаружи можно видеть выставленные на витрине работы художника. Бэнкси пообещал, что в скором времени начнет продавать их через интернет. В прошлом году в Москве в Центральном доме художника прошла первая в России выставка работ Бэнкси. За три месяца ее посетило более 300 тыс. человек.

Бульдозером по картинам

40 лет прошло с тех пор, как в Москве, на пересечении улиц Профсоюзная и Островитянова, были разогнаны художники нонконформистского, нелегального искусства в СССР. Они не принадлежали к официальному цеху коллег, их работы запрещались, выставки не проводились. А их вина заключалась лишь в том, что они писали картины не в жанре единственно признанного социалистического реализма.

Тогда художники решили устроить неофициальную выставку своих работ на открытом воздухе, на пустыре около Битцевского лесопарка в Беляево. Организаторами стали художник Оскар Рабин и коллекционер Александр Глезер. К ним присоединились несколько десятков художников. Среди них – Александр Меламид, Владимир Немухин, Юрий Жарких, Виталий Комар, Лидия Мастеркова, Валентин Воробьев и другие. На пустыре их встретили поливальные машины и бульдозеры, милиция и сотрудники КГБ.

Люди остановились и стали поднимать над головами свои картины. На них поехали бульдозеры и поливальные машины, картины втаптывались в грязь, а художников избивали. Оскара Рабина, который встал на пути у бульдозера, на ковше машины протащили через всю выставку. Досталось и иностранным корреспондентам, снимавшим эту акцию, кому-то в пылу даже выбили зубы.

Некоторых участников арестовали, однако шум, который поднялся в западной прессе сразу после этого, был настолько силен, что арестованных художников пришлось отпустить. А буквально спустя две недели сами власти, чтобы как-то смягчить негативный эффект от столь жесткого разгона художников, вынуждены были пойти на уступки – и в Измайлово на открытом воздухе состоялась уже официально разрешенная выставка неофициального искусства, в которой приняли участие порядка 40 художников.

К 40-летию "бульдозерной" выставки Галерея "Беляево" открыла экспозицию "Свобода есть свобода". Здесь можно увидеть картины художников – участников выставки, материалы журнала о неофициальном русском искусстве "А-Я" Игоря Шелковского, а также фотографии акции 15 сентября из архива КГБ.

"Это юбилей действительно огромного события, которое оказало огромное влияние на дальнейшие процессы развития и самой культуры, и формирование каких-то оппозиционных начал, и одновременно преодоление ограничений власти, – говорит куратор выставки Виталий Пацюков. – Удивительно то, что художники здесь победили. Они вышли небольшой группой, там 13 человек, потом еще подошли несколько человек, и было примерно человек двадцать всего. И они победили. Они не только победили КГБ... Там техника физически уничтожала работы, и путь их был интересен к самому этому месту – Профсоюзная, дом 100, к этому углу Островитянова и Профсоюзной улицы. По дороге их арестовывали, задерживали, мешали, но они пришли. Их встречали поливальными машинами, бульдозерами. Страшно было, страшно! Там на фотографиях – работы, втоптанные в землю, валяются. Но важно как раз появление западной прессы, которая сыграла огромную роль. И быстро было осознано, что не надо вводить такие формы запрета, что это вредно. Там разбили лицо американскому корреспонденту одному... И эта вся негативность вдруг превращается в позитивность. То есть такое сопротивление стало творческой проблемой. И для них вопрос показа работ, для всех участников "бульдозерной" выставки, из как бы социально-творческой акции перешел в чисто творческую акцию. И творчество вдруг становится свободным, они побеждают. Они думали, что кончится очень плохо, они думали, что кончится тюрьмой, но они шли на это, да. И вполне могло этим закончиться".

Перед зданием галереи специально к открытию выставки подвезли бульдозер, рядом с которым молодые современные художники устроили свою художественную акцию, как они осмысливают те исторические события. Этот уличный перформанс – "облизывание бульдозера", когда молодые люди в прямом смысле облизали машину, можно трактовать двояко – и как излишнюю мифологизацию того события, и как "облизывание" власти. Каждый для себя решает, что ему ближе.

Фрагмент из программы "Человек имеет право. Правозащитный календарь", которая выйдет в эфир в эту пятницу в 18.05.

Спектакль Три действия по четырем картинам

Пьесу тольяттинца Вячеслава Дурненкова в театре «Практика» поставил Михаил Угаров, называющий ее чуть ли не лучшим из того, что есть в нашей новой драме. Угарову видней, он прочитывает тонны пьес. О том же, что это наиболее существенная из пьес Дурненкова, может судить всякий, кто купит новенький сборник его (и его брата Михаила, и общих с братом) пьес.

Обычная пьеса Вячеслава Д. (оставим пока брата за скобками) — это короткая галлюцинация. Надираются, к примеру, Барто, Заходер и Чуковский. Вдруг их клинит, и они видят себя в Древнем Египте. Египет гибнет в династических усобицах, фараоны лютуют, люди стонут, но вот-вот придет мессия и сделает то, что замечательно описал Корней Иваныч: победит тьму, вырвав солнце из пасти крокодила.

За такое некоторые причислили В.Дурненкова к доморощенным адептам В.Сорокина, но общего у них с гулькин нос. У раннего Сорокина язык сходил с катушек — будто Пильняк или Шукшин, языком которых говорит персонаж, вкатил себе в вену лошадиную дозу. У Дурненкова — другое дело. Его старики, старухи и прочие барто, когда их клинит, открываются, проговариваются. И вместе с ними проговаривается сам Дурненков — о нежности к этой «гуманитарной зоне» и ее обитателям, живущим в безликих серых домах, под солнцем, сверкающим на спицах детских колясок. О надежде на высшие силы, свидетельства существования которых он, посмеиваясь над самим собой, добывает когда в «Крокодиле», когда в песне из фильма «Небесные ласточки», когда в сценке, где к мальчику, залезшему было на табурет читать перед гостями, является тибетская процессия с приветствием маленькому Будде.

Этим и начинаются «Три действия по четырем картинам» — вещь об искусстве, новых формах и старых заблуждениях. Сначала автору привиделись картины некоего передвижника полуторавековой давности. Потом в героях картин он различил ленинградских сквоттеров, среди которых жил в девяностых годах. Один из них — молодой литератор, пишущий слишком традиционно на вкус его товарищей. В первом действии мы знакомимся с его окружением — нигилистами, извращенцами, бунтарями, начищающими рожи успешным художникам и меценатам. Во втором герой решает бежать. В третьем он едет домой на телеге через лес, пытаясь от нечего делать втолковать извозчику, что лучше заниматься творчеством, чем пить. Потом, расслышав, какую чушь он сам несет, наш традиционалист достает шприц. После дозы мужику, а потом дозы себе он начинает различать гармонию: «Слышишь? Каждая вещь на своей полочке, все место свое имеет. И у всего подпись: это, мол, то-то и то-то, а это — то и это… Но это то, что касается полочек. Еще есть вещи в ящичках… Это другое…»

Я почему так долго о Дурненкове распространяюсь — потому что Угаров, сам драматург, исходит из правила, что новую пьесу нельзя интерпретировать — нужно ставить так, как написано. Легко сказать — но Угаров за свои слова отвечает, даже когда речь идет о Дурненкове, оживших картинах и прочих галлюцинациях. Художник Андрей Климов выгородил в углу сцены полукруг, на который проецируется видео Ксении Перетрухиной и Якова Каждана — как бы жанровая живопись, где ветер взаправду колышет траву. Персонажи выходят с картин через нарисованную дверь — входят на сцену через натуральную. У бунтаря значок Цоя на груди, у нигилистки на ногах — ботинки Dr. Martens. Те сюжетные линии, которые, по мнению Угарова, повисли в воздухе, он просил развить самого Дурненкова — так появился монолог нигилистки о «материнской плате» и развилась роль профессора, у которого от ковыряния карандашом в ухе оргазм.

Нужны ли были эти правки — не знаю, но спектакль вышел, натурально, по Дурненкову. В нем декорации, театральный свет, актерские голоса и прочие материальные вещи не спугнули такую летучую материю, как дурненковское «другое». В конце концов Угаров об этом, кажется, и ставил — о том, какая чепуха, что в искусстве много направлений и идет борьба нового со старым. Направление одно-единственное: если бог даст — транслировать через себя «другое». А не дает — так лучше в сторону отойти.

Любовь к металлу и картинам. Ярославский ювелир рассказала, как создает свои шедевры- Яррег

Сочетание на первый взгляд несочетаемых фактур, материалов, направлений – все это о работах члена Ярославского отделения Союза художников России Наталии Сальниковой. Ювелирные украшения, картины с элементами выпиловки по металлу или текстурными пастами – каждое говорит о гармонии с миром и о его красоте и многообразии.

– Наталия, стать ювелиром было мечтой детства?

– Я пошла по стопам старшего брата, Дмитрия. К тому моменту, когда я заканчивала школу, он уже получил образование в Красносельском училище художественной обработки металлов и стал ювелиром. А я тогда думала стать дизайнером одежды, брат же рассказал об учебе и о том, что с базой, которую дают в училище, я легко смогу работать в другой сфере. Я решилась и не пожалела. Скульптура, живопись, композиция, ювелирное мастерство – каждый из предметов был на высоте. Вскоре поняла, что ювелирное искусство – моя любовь и страсть. Их подогревали и преподаватели, позволявшие выполнять не только работы по стандартным схемам, но и реализовывать свои творческие проекты. Так что учеба была в удовольствие.

После вручения диплома получила приглашение на конкурс «Образ и Форма» в Санкт-Петербург, где принимала участие в номинации для молодых дизайнеров. Нас водили по лучшим музеям, организовывали встречи с именитыми искусствоведами, экспертами, давали возможности для практики. Это открыло новые перспективы, а я поняла, что хочу продолжать образование в этом направлении. Тогда поступила в Костромской технологический университет и получила специальность – технолог ювелирного производства.

– В разные эпохи были свои предпочтения в украшениях. В современном мире они стали настолько разнообразными, что уже трудно угнаться за модой. На каких специализируетесь вы?

– Мои украшения – это, скорее, подиумная история. С одной стороны, они достаточно массивны, с другой – необычны, но, несмотря на это, их можно носить в обычной жизни. В своих работах я люблю сочетать, казалось бы, несочетаемые материалы. Если есть желание, решение найдется.

Моим любимым материалом остается серебро. За цвет, податливость, возможность изменять его и декорировать, отображать разные фактуры и использовать с разными покрытиями, в том числе химическими. С ним я сочетала самые разные материалы. Самой необычной была совместная работа с художником по гобеленам Еленой Маркеловой. Мы создали украшения, где гобелен (а это шерстяные и хлопковые нити) был вплетен в серебряные основания и украшен камнями. Еще один эксперимент – украшения из серебра и бумаги. Однажды я использовала локон волос племянницы. Он украсил подвеску для кольца на четыре пальца.

– Это смело и похоже на вызов себе как творцу: смогу ли, получится ли? Где находите вдохновение для подобных историй?

– Для меня вдохновение повсюду. Могу посреди ночи проснуться, потому что пришла в голову идея и ее надо срочно занести в блокнот. Понимание, каким может быть украшение, порой рождается во время прогулки по берегу реки, из-за увиденного необычного сочетания фактуры или цветов, прочтенной книги и даже разговора. Так что оно – вокруг. Иногда мне кажется, что идеи словно дают свыше.

– Есть еще одно направление вашей работы, которое также связано с металлом, – это картины. Как вы пришли к ним?

– К интерьерным картинам меня подтолкнул его величество случай. В какой-то момент возникли вопросы по здоровью, после обследований врач запретил работать с огнем. Это означало – поставить крест на работе ювелира, где 80% процесса связано с пайкой.

У меня был год подумать – что дальше. В это время муж увез меня на море. Мы гуляли по чужому городу, набережной и однажды набрели на картинную галерею под открытым небом. Шли мимо работ и думали: «Не купить ли что-то себе для дома?» Работа одного мастера мне особенно приглянулась. Мы планировали вернуться за ней и приобрести. Но не получалось. Целую неделю мы каждый день приходили на то же место, но художника не было. Только в последний вечер перед отъездом он появился, а я обрадовалась ему как родному. Картину купили и разговорились, да так, что он пригласил нас в мастерскую. До часа ночи мы взахлеб проговорили о творчестве. Где-то в это время вспомнила – я ведь тоже художник по образованию, могу писать картины!

Так начался новый путь – поиска материалов, фактур. Я пришла к акрилу и текстурной пасте. Но ювелир продолжал жить во мне, да и любовь к металлу никуда не денешь. Тут пришло озарение: выпиловка. Когда-то преподаватели хвалили меня за работы в этой технике. Так что выпиловка по металлу стала частью картин. Сначала были абстрактные формы, в которых каждый зритель мог увидеть что-то свое. Потом меня стали вдохновлять насекомые, птицы, животные. Так родилась серия «Terra est liberalis» («Земля щедрая»). Работы, через которые я пытаюсь сказать – каждое живое существо уникально.

– Быть понятым и принятым публикой важно для художника. Раньше многие сталкивались с тем, что «нет пророка в своем Отечестве». В современном мире это неактуально?

– Нам достался огромный накопленный опыт, наследие, армия искусствоведов и возможность стирать границы. Но если в западных странах разные направления больше ценятся и покупаются, то в России это только начало развиваться.

Очень важно, чем мы кормим свои глаза и глаза зрителей. Картина может быть действительно прекрасно написана, техника художника – вызывать восхищение, а вот сам сюжет – отвращение. Словно автор бросает вызов обществу. Конечно, можно говорить избитую фразу «Я художник – и я так вижу». И при этом не думать об ответственности, которую как автор несешь, создавая работу и формируя вкус людей. Я думаю, что в мир нужно нести прекрасное, а не ужасное.

Все можно назвать искусством, но, как справедливо заметил Михаил Жванецкий, надо уметь закрывать скучную книгу, заканчивать ненужный разговор и вовремя уходить. Возможно, это приходит со временем. Я сейчас больше ценю свое время и готова его тратить очень избирательно.

– Раз уж мы говорим о картинах в частности и искусстве в целом, какой место в музее, в интерьере, в доме?

– Не каждая картина предназначена для того, чтобы быть представленной в музее, не каждая создана для дома. Для меня есть разница между интерьерной, экстерьерной и музейной. В моем понимании интерьерная – это та, сюжет которой лечит, наполняет энергией, радует взгляд владельца. Точнее цитаты Маркса и не подобрать: «Окружение определяет бытие». И здесь как о людях, так и о предметах. Ведь если задуматься, то дома мы вряд ли повесим полотно «Иван Грозный убивает своего сына». Это вызовет шок или вопросы о психическом здоровье владельца.

Есть картины – музейные ценности, передающие истории, события. Есть еще экстерьерные картины. Для меня это то, что создается на улице и для улицы: граффити, арт-объекты, трехмерная живопись на асфальте.

– Получается, что искусство живописи перестает быть элитарным?

– На мой взгляд, сейчас общество очень лояльно относится к искусству и воспринимает его хорошо. Музеи полны посетителей, в том числе и молодых, проходят тематические выставки, лекции и встречи с художниками, искусствоведами и критиками. Кроме того, благодаря интернету люди могут знакомиться с работами самых разных художников самых разных направлений. Все это создает благоприятные условия для искусства и его развития.

Фото из архива Наталии Сальниковой и Мелены Романовой

Парфюмеры создали ароматы к 8 картинам и скульптурам в Лувре — Российская газета

Французские парфюмеры создали ароматы восьми шедевров живописи и скульптуры, выставленных в Лувре, пишет Huffingtonpost. Согласно американскому изданию, этот опыт стал примером беспрецедентного сотрудничества крупнейшего французского музея и парфюмерного дома Officine Universelle Buly.

Свой аромат появится у полотен "Купальщица" и "Большая Одалиска" Энгра, "Разговор в парке" Гейнсборо, "Святой Иосиф-плотник" Латура, "Задвижка" Фрагонара, а также у трех скульптур: "Ники Самофракийской", "Нимфы, ужаленной скорпионом" Бартолини и "Венеры Милосской". Запахи, созданные звездными парфюмерами (которых не ограничивали ни в свободе творчества, ни в бюджете), можно будет послушать с 3 июля по 6 января следующего года в магазинчике XIX века на главной аллее, ведущей к Лувру.

Директор Лувра по внешним связям Адель Зиан отметил, что ароматы позволят посетителям по-новому открыть для себя великие произведения искусства. Ведь посещение музея - это особый, пробуждающий чувства, опыт, и запах может многое рассказать о коллекциях.

Например, уникальный аромат к полотну "Разговор в парке" Жана Огюста Доминика Энгра создала известный парфюмер Дороти Пиот. "Мне нравится откровенность и грация персонажей. Чтобы создать свой парфюм, я подумала о лепестках роз, недавно распустившихся в зелени", - поделилась Пиот с AFP.

Справка "РГ"

Officine Universelle Buly - марка косметики и парфюмерии была создана более 200 лет назад Жаном-Венсаном Були, который стал парижской знаменитостью XIX века. А прославился он благодаря своему научному подходу к уходу за кожей и созданию ароматов. Оригинальный Officine Universelle Buly пережил упадок (Були был отличным парфюмером, но не отличным предпринимателем), но несколько лет назад бренд вернула к жизни "самая элегантная пара Парижа".

Возрожденный бренд Officine Universelle Buly возглавили Рамдан Туами и Виктуар де Тайяк, которые в течение нескольких лет собирали по крупицам историю марки: названия продуктов, дизайн упаковок и рисунки на этикетках из каталогов Жана-Винсана Були.

В Воронеже показали хореографическую постановку по картинам Ван Гога. Последние свежие новости Воронежа и области

Спектакль «Из глубины...» казанского ТЮЗа прошел в воронежском Театре юного зрителя в пятницу, 9 июня. Постановку, участвовавшую  в фестивале «Золотая Маска» в 2017 году, показали в рамках Платоновского фестиваля. 

В основу спектакля легли письма и картины Ван Гога, созданные с 1882 по 1885 год – ранний, «темный» период художника. По словам режиссера спектакля Туфана Имаметдинова, на постановку его вдохновил поиск живописца.  

– В переписке Ван Гога с братом Тео меня заинтересовала поэзия цвета, которую он описывает, и мне захотелось заглянуть в истоки. А началось с того, что художник служил пастором в шахтерских городах и изображал людей земли: шахтеров и крестьян. Меня привлек поиск живописца, время, когда он еще не знал, будет ли он художником или станет пастором. Мне было важно, из чего прорастает Ван Гог, его сумасшедший цвет. И удивительно, что он прорастает из темноты, – рассказал Туфан Имаметдинов.

 «Из глубины...» – это синтез произведений великого художника и стиля танца Буто ( авангардный японский танец, возникшего в 1950-1960-х годах). Такое сочетание создатели объясняют схожей философией.

– Ван Гог любил Японию, японскую графику и часто ее перерисовывал, совмещал со своими картинами. К тому же, это период поиска художника – он хотел выйти из своей темной сущности к свету и цвету. Это сильная завязка с Буто, так как танец работает с темными сторонами человека, – пояснил режиссер. 

В постановке задействовали не танцоров, а драматических актеров, которым пришлось с нуля осваивать стиль танца. По словам хореографа Анны Гарафеевой, эта пластика – вызов для зрителя:

– Это сюрреалистический танец, в котором много замедленного движения. За медленными движениями сложно наблюдать – мы привыкли существовать на более быстрых скоростях.

Несмотря на то, что в спектакле использовали фрагменты переписки художника, цвета, присущие периоду творчества, декорации и костюмы, будто сошедшие с картин, цель постановки – не оживить полотна Ван Гога, а поразмыслить над его судьбой и творчеством. 

– Нашей задачей было не воспроизвести картины, а создать свое сочинение, будучи вдохновленными полотнами Ван Гога, – объяснила хореограф постановки Анна Гарафеева.

Справка РИА «Воронеж» 

Премьера спектакля состоялась в 2016 году в день рождения Винсента Ван Гога – 30 марта. 

 Казанский театр юного зрителя – известный российский театр, основанный в 1932 году. Номинант и лауреат Национальной театральной Премии «Золотая Маска». В разные годы театр возглавляли известные режиссеры: Борис Цейтлин, Георгий Цхвирава, Владимир Чигишев. Сейчас главный режиссер театра – Туфан Имамутдинов. Туфан Имамутдинов окончил режиссерский факультет РАТИ – ГИТИСа (курс О. Кудряшова) в 2011 году. Ставил спектакли в Театре Наций, Театре им. Вл. Маяковского, Театре «Современник» (Москва), Национальном театре Румынии и на других площадках. 

Анна Гарафеева – хореограф, обучалась в школе танца Буто «До танца», созданной легендарным хореографом Мин Танакой в ШДИ п/р Анатолия Васильева. Стажировалась в Японии в компании Body Weather Farm у Мин Танаки.  

Заметили ошибку? Выделите ее мышью и нажмите Ctrl+Enter

Как картины с изображением ящика Грега Симмонса мгновенно сделали его звездой

Художник Грег Симмонс в своей студии. Любезно предоставлено Грегом Симмонсом

Ближе к концу хаотичного и полностью преобразующего лета, на короткое время никто со смартфоном не мог отвести взгляд от Crate Challenge, непреодолимой подсказки, чтобы масштабировать ящики с молоком, расположенные в пирамиде, не падая. Игра привела к смелым подвигам и ужасным травмам, и образы стали столь же мгновенно неизгладимыми: дрожащие тела, балансирующие на неустойчивой опоре, или же летящие по воздуху, побежденные.Грег Симмонс, художник из Риджвуда, был немедленно очарован этой задачей и решил попытаться передать дух игры на холсте. Результаты принесли ему тысячи новых подписчиков в Instagram, шквал продаж печати и всплеск интереса к галерее. «Стремление к процветанию» Грега Симмонса. Предоставлено Грегом Симмонсом

Редко бывает, когда культурный феномен запечатлен так точно, но Симмонс записал годы работы, ведущей к этому моменту. «Я рисую с детства, - сказал Симмонс Observer.«Мне всегда нравилось смотреть на вещи. Мне нравится делать реалистичные вещи, вещи, которые я вижу перед собой. Но как только я начал заниматься скейтбордингом, я определенно был зациклен на культуре скейтбординга, и это было во многом моей предметной базой ».

Когда Симмонс начал кататься на коньках в 90-х, оно не было совсем популярным, но его увлечение этим видом спорта не было остановлено. «Многие чернокожие фигуристы просто очаровали меня, потому что они казались мне крутыми, они действительно вселили в меня уверенность», - сказал Симмонс.«Их черты лица заставили меня захотеть их нарисовать». Симмонс продолжал свою художественную практику на протяжении многих лет и сделал свой аккаунт в Instagram во время пандемии. В настоящее время он также работает с Фондом Гарольда Хантера, который предоставляет ресурсы и возможности для чернокожих и коричневых фигуристов в Нью-Йорке. Еще одна картина художника Crate Challenge. Предоставлено Грегом Симмонсом

Узнав о Crate Challenge на WorldStarHipHop, Симмонс выбил две картины в понедельник, 23 августа, сделал макеты некоторых гравюр и разместил изображения в Instagram.Реакция была мгновенной. «За один день было продано около тысячи продаж», - сказал Симмонс. «И я был недооценен до такой степени, что моя подруга, которая занимается искусством, она сказала мне, чтобы я« снял эти отпечатки », как будто чуть не отругал меня, потому что я действительно продавал их заниженно. Но всего за один день мой Instagram просто превратился из меня, подписчиков, может быть, в 300 человек, в несколько тысяч подписчиков и некоторых людей, пользующихся доверием, которых мне действительно нужно было знать ».

Я достиг Симмонса сразу после урагана Ида; он только что помог двоюродной сестре спасти некоторые из ее вещей после того, как обрушилась крыша в ее доме в Бруклине.Несмотря на случайное разрушение, его настроение было невозмутимо оптимистичным из-за реакции на его искусство.

«Я был очень благодарен, услышав отзывы людей, и был поражен размахом любви и комментариев», - сказал Симмонс. «Люди говорили, что это должно идти в MoMA. В итоге Highsnobiety перепечатали его и сказали, что с таким же успехом он может пойти в Национальную галерею искусств. Именно в этот момент я понял, что мне, вероятно, следует уделять больше внимания искусству, чем я.”

«Спрятанный» Купидон Вермеера - последняя тайна загадочного художника

Написано Жаки Палумбо, CNN

В течение примерно трех столетий девушка, читающая письмо в тускло освещенном одиночестве картины Иоганна Вермеера, не показывала, что именно сообщение содержится.

Лицом к открытому окну, ее фигура мягко изогнулась, когда она просматривала записку в руках, ее тело казалось небольшим на фоне пустой стены позади нее. Но на прошлой неделе Gemäldegalerie Alte Meister в Дрездене, Германия, где она прожила большую часть своей долгой жизни, наконец-то раскрыла любовную тайну, давно скрытую под слоями краски.

В преддверии предстоящей выставки, посвященной знаменитому голландскому художнику, музей выпустил изображение радикально изменившейся картины «Девушка, читающая письмо у открытого окна», которую голландский художник написал между 1657 и 1659 годами. После долгой реставрации на пустой стене теперь изображена монументальная картина с изображением Купидона, обнаруженная рентгеновскими лучами в 1979 году, но обнаруженная впервые.

Обнародование Купидона, римского бога любви, которого часто изображают в виде крылатого мальчика, придает письму девушки новый оттенок привязанности, тоски и желания.Картина будет выставлена ​​в Gemäldegalerie с 10 сентября вместе с девятью другими крупными работами Вермеера и 50 картинами его голландских коллег.

Когда более четырех десятилетий назад спрятанный Амур был впервые обнаружен, считалось, что художник из Дельфта сам нарисовал его. По словам Стефана Коджа, историка искусства и директора Gemäldegalerie Alte Meister, рентгеновские лучи других известных произведений искусства часто выявляли ранние наброски, и было известно, что Вермеер переделывал свои композиции, полагая, что гармония его картин отражает гармонию Бога.

«Было разумным думать, что Вермеер перекрашивал эту часть своей композиции, потому что он делал это несколько раз», - сказал Коджа в видеоинтервью. «Он действительно был перфекционистом, пытающимся получить максимально выверенную и наиболее убедительную композицию».

Процесс реставрации был кропотливо медленным. Консерваторы тщательно удалили часть перекраски в течение двух с половиной лет. Предоставлено: Gemäldegalerie Alte Meister

Но когда консерваторы начали чистить картину в 2017 году, они обнаружили доказательства обратного.По словам Коджа, лак на участке пустой стены позади молодой девушки был другого цвета, и консистенция краски тоже была другой. Когда исследователи исследовали образцы в лаборатории археометрии, они обнаружили грязь, скрывающуюся между слоями краски, что свидетельствует о том, что кто-то другой добавил эту краску намного позже.

«Мы поняли, что грязь означает, что картина была закончена; она находилась на свету и в условиях комнаты в течение нескольких десятилетий», - сказал Коджа.Теперь участники команды считают, что это было нарисовано где-то в начале 18 века. А вот кто это сделал, они могут только догадываться.

Не единственная загадка

Спрятанный Амур - далеко не единственная загадка жизни художника эпохи барокко. У художника, как и у загадочного мастера эпохи Возрождения Леонардо да Винчи, было очень мало произведений, всего около 34 полотен, которые, как считается, сохранились до наших дней. Он наиболее известен своими изящными внутренними сценами, в которых изображены одинокие фигуры, залитые светом из окон, намекающие на намеренно расплывчатые повествования.

«(С) единственным человеком, погруженным в свои мысли, есть определенная тайна, поэтому мы можем соотноситься с чувствами, эмоциями людей, которых мы видим», - сказал Коджа. «В каком-то смысле никто из его современников не мог этого сделать».

Историки искусства не уверены, где Вермеер научился рисовать, у кого он учился, были ли у него собственные ученики или кто его подданные. Считается, что работа выше, аллегория живописи, является автопортретом с его дочерью. Предоставлено: Художественно-исторический музей, Вена,

. Личность персонажей Вермеера также остается загадкой, включая женщину из его самой известной работы «Девушка с жемчужной сережкой».«Историки искусства также все еще обсуждают методы, которые он использовал для создания своих оптических иллюзий, особенно вопрос о том, использовал ли он« камеру-обскуру »- темную комнату с отверстием, которое проецирует фотографическое изображение - для создания глубины резкости. Неизвестно даже, где Вермеер научился рисовать или у кого он учился - родословная, которая обычно хорошо задокументирована для мастеров истории искусства.

Кто нарисовал Купидона в «Девушка, читающая письмо у открытого окна» или почему они сделали, возможно, никогда не будут решены.Картина прибыла из французской коллекции в начале 18 века, когда Вермеера не знали широко - он умер в глубоком долгу в 1675 году. Коджа предположил, что картина могла быть изменена, чтобы больше походить на работы Рембрандта, возможно фламандским стюардом коллекции, который также был художником.

«Женщина в синем, читающая письмо» иллюстрирует многие из тех же тем: одинокая фигура, читающая письмо в знакомом домашнем пространстве, освещенном светом окна слева.Предоставлено: Gemäldegalerie Alte Meister

Изменение чужой картины «было довольно типичным для того времени», - сказал Коджа. «Картины были изменены в соответствии со вкусом ... В настоящее время мы думаем, что совершенно непостижимо, как можно было прикоснуться к Вермееру, но другие (за) столетия до нас не были так колеблясь».

Несколько других картин Вермеера также были необъяснимо изменены, объяснил Коджа, от всего голубого неба, нарисованного в его ранней работе «Диана и ее спутники», до модифицированной рамы в «Женщина, держащая равновесие».«(С тех пор обе картины были восстановлены до их первоначальных композиций.)

Знакомое лицо

Чтобы вернуть Амура, консерваторы из Государственной художественной коллекции Дрездена решили не удалять оригинальный лак 17-го века, а вместо этого тщательно соскребли его. По словам Коджи, на этот процесс ушло два с половиной года, при этом каждый день покрывали лишь несколько квадратных миллиметров.Стоя прямо, подняв левую руку и держа в правой руке лук, светловолосый пухлый херувим появлялся и в других работах Вермеера. Бог любви играет второстепенную роль в «Девушке, прерванной своей музыкой», хранящейся в коллекции Фрика в Нью-Йорке, а также в «Молодой женщине, стоящей у девственницы», которую Дрезденский музей позаимствовал из Национальной галереи в Лондон для своего нового шоу.

Этот же Амур появлялся и в других произведениях. По словам искусствоведа Стефана Коджа, Вермееру, возможно, принадлежала картина, на которой он был основан.Предоставлено: Gemäldegalerie Alte Meister

Коджа сказал, что есть подозрения, что недавно обнаруженный Купидон был основан на реальной картине, находящейся во владении художника. Согласно The Art Newspaper, в описи вещей его вдовы за 1676 год упоминается «Купидон».

Его появление изменяет смысл одной из самых важных работ Вермеера, которая знаменует собой серьезный сдвиг в карьере художника. Самые ранние картины Вермеера не были установлены в современных домах среднего класса, а были величественными произведениями, изображающими религиозные и мифологические сюжеты, от Иисуса Христа до богини Дианы.Однако к концу 1650-х годов он начал обращать внимание на современные предметы - то, что стало известно как «жанровые картины» повседневной жизни, которые являются отличительной чертой голландского золотого века.

«Девушка, читающая письмо у окна» - это действительно существенная часть его превращения из художника-историка в художника современной жизни - в того Вермеера, которого мы знаем сегодня », - сказал Коджа.

Вскоре после завершения картины художник приступил к своим самым известным сюжетам и мотивам: молодые женщины (а иногда и мужчины), погруженные в раздумья, в тишине комнат, освещенных полуденным светом.Присутствие зрителя также можно ощутить, когда мы смотрим на фигуры, играющие музыку, читающие загадочные письма или созерцающие предметы, имеющие философское значение. Субъекты Вермеера иногда прерываются нашим присутствием, поворачиваясь, чтобы взглянуть на наше вторжение.

«Что такого фантастического в Вермеере, так это то, что он оставляет вещи открытыми и оставляет их нашему воображению», - сказал Коджа. «И это (как) все виды искусства - будь то музыка, театр или кино. Я думаю, вам нравится большинство из тех, в которых есть определенная загадка.... как режиссеры, которые подсказывают вам, а затем позволяют довести идею до конца. Это то, что удалось Вермееру ».

Подпись к движению: Реставрация« Девушка, читающая письмо в открытом окне ». Фотографии любезно предоставлены Gemäldegalerie Alte Meister.

Коллекционер произведений искусства считает, что аутентификаторы Ван Гога ошибаются

Коллекционер Стюарт Пивар, который вместе с Энди Уорхолом в 1979 году основал Нью-Йоркскую академию искусств, подает в суд на музей Ван Гога в Амстердаме на сумму 300 миллионов долларов после того, как он отказался подтвердить подлинность картины, которую он утверждает, что это давно утерянная работа голландского мастера. .

Но у музея есть основания думать, что это подделка Ван Гога.

Как ранее сообщала The Post, во вторник Пивар подал жалобу в Верховный суд округа Нью-Йорк, утверждая, что музей проявил халатность, потому что не смог увидеть картину в реальной жизни, и вынес свое решение на основе изображений.

На картине изображен живописный вид пшеничного поля, разделенного пополам железной дорогой, под названием «Овер, 1890 год» и надписью «Винсент».

«Ответчик ни разу не стремился осмотреть настоящую Живопись и не привлекать Истца к проведению научных или судебно-медицинских исследований поверхности краски, холста или других физических элементов Картины», - говорится в документации, - «Ответчик отклонил подлинность Картины после не более чем беглый обзор электронных фотографий.”

В костюме говорится: «Общий тон и характер отчета. . . демонстрирует, что Ответчик определил, что Картина не является подлинной до рассмотрения материалов ».

90-летний коллекционер произведений искусства просит 300 миллионов долларов, что, по его мнению, является справедливой рыночной ценой настоящего Ван Гога.

Пивар эксклюзивно сообщает шестую страницу: «Музей все отрицает, потому что они беспринципны. Они не хотят принимать новое и профессионально не занимаются исследованием новой картины.Вместо этого у них есть немедленное мнение. В конечном итоге это приводит к смерти картины ». Он добавил: «Они ничего не сделали и действовали таким образом, чтобы нанести огромный ущерб».

Майкл Меццатеста, ранее работавший в Музее Кимбалла в Форт-Уэрте и заслуженный директор Музея искусств Университета Дьюка, взглянул на произведение и решил, что это настоящая сделка.

Музей считает, что это фальшивка.

На картине изображен живописный вид пшеничного поля, разделенного пополам железной дорогой, под названием «Овер, 1890» и надписью «Винсент.

В июльском отчете, подготовленном старшими исследователями музея, они отмечают, что на картине стоит печать мега-коллекционера ХХ века Йонаса Неттера. Они отмечают, что коллекция Неттера в основном состояла из картин таких художников, как Модильяни, Сутин и Утрилло, но не Ван Гога.

На картине также есть штампы со свастикой, хотя в отчетах говорится: «Неттер, будучи евреем и проживавшим в Париже во время немецкой оккупации, продал большую часть своей коллекции еще до Второй мировой войны, и то, что осталось в его распоряжении, не похоже. быть конфискованным нацистами.”

В отчете говорится: «Айнзатцштаб рейхслейтера Розенберга, ответственный за разграбление еврейской собственности в оккупированном Париже, не упоминается о нем, и, похоже, он не требовал каких-либо потерянных произведений искусства после войны. Кроме того, у нас отсутствует какая-либо информация о местонахождении коллекции между предполагаемым моментом конфискации нацистами и недавним приобретением нынешним владельцем; владелец, откуда они родом, не предоставил никакой информации ».

Пивар не сообщил, где он купил произведение искусства, но говорит, что он получил восемь других работ вместе с предполагаемым Ван Гогом.

В музее также говорится, что «фальсификация нацистских марок уже была широко распространенным явлением во время войны».

В отчете также говорится, что подпись «Винсент» была сделана коричневыми чернилами, а Ван Гог использовал черные чернила, которые со временем потускнели и стали коричневыми.

Пивар соглашается с музеем по этим вопросам, говоря нам, что «не только подпись и чернила на обратной стороне, вероятно, являются поддельными, но и коллекционная этикетка Йонаса Неттера, вероятно, также является поддельной в этом смысле», как и нацистские марки. нам холст был повторно растянут, и мы допустили, что эти атрибуты могли быть добавлены «одним из владельцев в какой-то момент.”

Пивар, однако, не согласен с другими находками музея.

В отчете оспаривается мотив, утверждается, что вид, представленный на изображении, не был похож ни на один в Овере и, кажется, выдуман. Он усмехается: «Эта конкретная точка зрения приводит к другой проблеме: просто невозможно занять такую ​​высокую позицию где-нибудь рядом с Овером, кроме как высоко в воздухе с вертолетом».

В отчете также говорится, что подпись «Винсент» была сделана коричневыми чернилами, а Ван Гог использовал черные чернила, которые со временем потускнели и стали коричневыми.

У них также были проблемы с материалом мешковины, использованной для холста, и техникой мазков, сравнивая работу с другими картинами художника.

Но Пивар настаивает, что его произведение подлинное. «Сравнение показывает, что он действительно похож на Ван Гога», - утверждает он. «Это смешно», - и он заявляет, что художник писал картины с «столь же высокой» точки зрения. «[В музее] говорят, что эта картина не похожа на композиции Ван Гога, что не соответствует действительности, он создал их десятки», - утверждает Пивар.

В письме, отправленном юристом музея Пивару, которое просматривала шестая страница, говорится: «VGM провела свое исследование в соответствии с заключенным с вами соглашением и применимыми к нему Общими положениями и условиями… Ясно, что вы не согласны с таким результатом. . Вы хотите, чтобы VGM пересмотрела это мнение, и вы представили различные аргументы, почему это следует сделать. Эти аргументы были рассмотрены исследователями, и они пришли к выводу, что ни один из них не умаляет их результатов и выводов.”

В письме указывается, что «Окружной суд Амстердама обладает исключительной юрисдикцией рассматривать любые споры между вами и VGM относительно исследования. В той же статье также говорится, что к ней применимы законы Нидерландов, а не США ».

Коллекция

Пивара включает картины Рафаэля, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса, Гойи, Пикассо и других. Пивар работал консультантом по искусству у Джеффри Эпштейна, но говорит, что прекратил дружбу после того, как узнал об обвинениях в сексуальном насилии.

Кехинде Уайли переосмыслит произведение «Голубого мальчика» 18-го века

Осень 2021 года станет сезоном Кехинде Уайли в Лос-Анджелесе.

В ноябре в Художественном музее округа Лос-Анджелес будет выставлен не только портрет президента Барака Обамы 2018 года, но и библиотека Хантингтона, Художественный музей и Ботанический сад только что объявили о дебюте новой картины Уайли в октябре.

Хантингтон поручил художнику создать отклик на самую популярную работу в коллекции его художественного музея, шедевр Томаса Гейнсборо 1770 года «Синий мальчик.

«Это портрет человека, который занимает пространство», - сказал Уайли в интервью. Переосмысляя портретную живопись британских великих манер - постоянное направление в работе Уайли - «я действительно обвиняю так много в британском аристократическом стиле проявления тревожности за статус».

Директор художественного музея Хантингтона Кристина Нильсен сказала в интервью, что музей «абсолютно взволнован» тем, что Уайли берет на себя эту культовую картину. «Художественная практика Кехинде очень богата историей искусства, - сказала она, - но действительно помогает нам взглянуть на искусство прошлого так, как это очень ново и важно сегодня.”

Шедевр Томаса Гейнсборо XVIII века «Синий мальчик».

(Библиотека Хантингтона, Художественный музей и Ботанический сад)

Этот проект очень личный для Уайли, который проводит время между Западной Африкой и Нью-Йорком. Когда он рос в Южном Лос-Анджелесе, мать отвела его в Хантингтон, где он был поражен британскими портретами Grand Manner, на которых изображены фигуры 18 и 19 веков, одетые в богатство и власть. В детстве он также совершал образовательные поездки в Хантингтон и восхищался техническими навыками художников, таких как Гейнсборо, Джошуа Рейнольдс и Джон Констебл , которые показали на тех холстах - насколько настоящими были лица.

Но молодой Уайли также чувствовал себя несколько отчужденным от работ, в которых не было черных или смуглых лиц, как у него. Это несоответствие, которое он видел во многих музеях в детстве, в конечном итоге повлияло на его художественную практику, которая занимается вопросами репрезентации, объективации, власти и колониализма в искусстве, а также исторического неравенства в памятниках культуры.

«В детстве я ходил в Хантингтон и смотрел искусство, потому что был вынужден. А потом постепенно я влюбился в нее », - сказал Уайли.«Глядя на эти картины, я испытал чувство радости и удивления. Но был также разрыв - та жизнь, которую я вела в Южно-Центральном Лос-Анджелесе, а затем эти невероятно воспитанные и организованные сады и эти портреты, висящие на стенах. «Синий мальчик» для меня представляет собой способность соответствовать различным стандартам в отношении того, кого признают, а кого хвалят ».

Новая работа Уайли для Хантингтона, которая войдет в постоянную коллекцию музея, исторически справочна и особенно актуальна.Он называется «Портрет молодого джентльмена», что было оригинальным названием Гейнсборо «Синий мальчик». Он отсылает к технике и стилю портретной живописи Британского Великого Манера, но в совершенно другом контексте. Модель в той же позе, что и Гейнсборо, из Дакара, Сенегал, где у Wiley есть студия, и она нарисовала большую часть работ во время карантина COVID в 2020 году.

«Это эстетически и традиционно связано с очень манерным и известным повествовательным окружением. сила, достоинство и красота », - сказал Уайли.«А также то, как общество хочет представить молодого человека, вступающего в зрелость, становящегося зрелым».

В то же время, по его словам, новая работа «откликается на глобальную черноту, а не только на локализованное калифорнийское ощущение того, где мы находимся. Просыпаюсь, глобальная пандемия, что ты делаешь, кого рисуешь? Вы рисуете черных и коричневых людей, окружающих вас. И оказывается, что те самые органы, которые не имеют политического, социального или демографического отношения к стране, из которой вы приехали, все обвиняются на этом языке Черноты, на этом языке кожи.”

Картина Уайли - которая будет выставлена ​​в Хантингтоне со 2 октября по 3 января - будет висеть там, где сейчас находится «Синий мальчик», во главе портретной галереи Хантингтона Торнтона. «Синий мальчик» будет перемещен напротив работы, в другой конец галереи, на время работы выставки.

Уайли надеется, что портреты, стоящие лицом к лицу, вызовут диалог.

В то время как работа Гейнсборо является «отправной точкой», по словам художника, новая картина «приходит к совершенно иному набору культурных предпочтений в силу того, как мы смотрим на чернокожих людей, а на черных мальчиков - в силу их образа жизни». что мы меняем смысл и контекст.Только через эти линзы мы понимаем истинное влияние того, что маленьких чернокожих мальчиков не воспринимают как детей, которыми они являются, как уязвимых людей, которые систематически превращают в своего рода угрозу.

«Проблемы, связанные с переговорами о Черноте в Америке, - добавил он, - это не просто американская проблема или проект, а, скорее, глобальный вопрос».

Кехинде Уайли «Миссис. Сиддонс »(2012).

(Кехинде Вили / Шон Келли, Нью-Йорк)

«Портрет молодого джентльмена» - не первый раз, когда Уайли переосмыслил портретную живопись британского великого манера.Его «Миссис. Сиддонс »(2012) - теперь в частной коллекции - был ответом на одноименный портрет Гейнсборо 18 века в Национальной галерее в Лондоне.

Его «Портрет Линетт Ядом-Боакье, Джейкоба Морланда из Кэпплтуэйта» (2017) из серии «Обманщик» - теперь в Йельском центре британского искусства - представляет собой переосмысление картины английского художника Джорджа Ромни «Джейкоб Морланд из Кэпплтуэйта». »(1763 г.) в галерее Тейт в Лондоне.

«Портрет Линетт Ядом-Боакье, Джейкоба Морланда из Кэпплтуэйта» Кехинде Уайли (2017).

(Kehinde Wiley / Йельский центр британского искусства, Нью-Хейвен / Шон Келли, Нью-Йорк)

Хантингтонская комиссия Wiley предназначена для празднования 100-летия покупки «Голубого мальчика» Генри и Арабеллой Хантингтон в 1921 году. наследие исключительно белого руководства среди старшего персонала - «Портрет молодого джентльмена» - также возможность для учреждения обратиться к своей собственной истории - и своему будущему.

«Мы находимся в долине Сан-Габриэль в округе Лос-Анджелес, очень, очень хорошо осведомлены об аудитории, которая нас окружает - и я имею в виду не только этот конкретный почтовый индекс», - сказал Нильсен . «Наличие картины Уайли на стенах нашей портретной галереи Торнтона является огромным сигналом, приветствующим расширенную аудиторию и помогающим людям сегодня подключиться к нашим историческим коллекциям».

Нильсен отметил, что Хантингтон расширил свой попечительский совет с прицелом на разнообразие, добавив трех новых членов в 2021 году.

«Синий мальчик» прошел 18-месячную реставрацию начиная с 2018 года и был возвращен в портретную галерею Торнтона в марте 2020 года. Картина отправится в Лондонскую национальную галерею в январе. решение, которое обеспокоило некоторых консерваторов. Работа, которой более 250 лет, не выезжала за пределы Хантингтона с 1922 года, когда она прибыла.

«Путешествие в Лондон из Лос-Анджелеса будет трудным для тонкого произведения искусства», - писал в июле критик Times Кристофер Найт.«Опасности таятся».

Нильсен сказал, что картина безопасна для путешествий. «Мы провели действительно тщательную внутреннюю проверку», - сказала она.

Выставки Хантингтона и LACMA - не единственные реализуемые Wiley проекты в Лос-Анджелесе.

На прошлой неделе Destination Crenshaw - предприятие стоимостью 100 миллионов долларов по созданию 1,3-мильного культурного коридора на бульваре Креншоу, отражающего и прославляющего Черный Лос-Анджелес, - объявило, что Wiley вошла в число семи первых художников. Он создает скульптуру для проекта, входящего в его серию «Слухи о войне», в ответ на все еще стоящие статуи конфедератов.

Уайли назвал все свои предстоящие выставки в Лос-Анджелесе «возвращением домой».

«Я сын земли, я из Южно-Центрального Лос-Анджелеса», - сказал он. «И для меня это представляет собой готовность и готовность увидеть мой опыт на больших стенах, на стенах учреждений, чтобы эти истории рассказывались».

Художник на улице

10 сентября 2001 г. , моя мама приехала навестить меня в Нью-Йорке. Я жил в Верхнем Вест-Сайде. Мы пошли гулять в Риверсайд-парк, попили чаю в венгерской кондитерской в ​​Амстердаме, а потом мама предложила нам пойти в центр на поздний обед.Она имела в виду, что хотела пойти на Канал-стрит, чтобы купить новые десятидолларовые часы. Она была одержима этими дешевыми часами из китайского квартала. Она собирала их, как и многое другое: пальто, ковры, чашки с блюдцами, книги, корзины, старые пластмассовые куклы, ожерелья из бисера, деревянные маски, антикварную мебель, лампы, цветочные горшки, шелковые шарфы. По словам моей матери, Чайнатаун ​​и весь его хаос напомнили ей базары Тегерана, где она недолго жила с моим отцом до революции, и фермерские рынки в Загребе, где она выросла.Ее склонность к дешевым часам и ее необходимость постоянно менять их никогда не обсуждались.

«Я ненавижу Таймс-сквер», - сказала она. «Все, что угодно, чтобы избежать Таймс-сквер». Итак, мы сели на поезд 2-го экспресса с 96 -стрит до Хьюстона и пошли оттуда на юг по Бродвею. На улице было тепло и свежо. В Сохо было странно пусто и тихо. Моя мама на мгновение держала меня за руку, когда мы пересекали Принс. Я помню, что в тот день я чувствовал себя вполне нормально, это был долгожданный переход от долгого и ужасающего периода психической агонии.Это в основном меня искалечило, и ничто не помогало. Я проводил большую часть своего времени, куря травку и сигареты, размышляя о смерти, глубоком космосе и ничто. Все, что я чувствовал, что я могу сделать, это остаться в живых, пока не минует тьма. Мне было двадцать лет. Оглядываясь назад, можно сказать, что в тот день моя мама навещала меня в Нью-Йорке, чтобы проверить, как я. В то время я подумал, что ей просто нужен однодневный отпуск и новые часы Chinatown.

«Я хочу такую ​​с большим лицом», - сказала мама, глядя на свое голое запястье, когда мы пересекали Спринг-стрит.

«Я перестала носить часы», - сказал я ей. «Когда я ношу его, мне кажется, что я подключаюсь к Матрице».

«Матрица», - пробормотала мама. "Я не знаю, что это такое".

«Это фильм о людях, попавших в ловушку иллюзий».

«Разве это не каждый фильм?»

Квартал мы прошли молча. Помню, меня удивило мое отражение в витрине магазина. Я не выглядел таким неряшливым и безумным, как чувствовал. «Я выгляжу очень молодо, грустно и мило», - подумал я.Может быть, именно поэтому, несмотря на весь ужас, который я описывала, никто, казалось, не понимал, сколько боли я испытывал.

«Мое зрение ухудшается, - сказала мама. «Сколько дальше до Чайнатауна?» А потом: «О, смотрите, картины».

Молодой человек в сломанных кожаных сандалиях установил свое произведение искусства на тротуаре. Он был высоким, худым, с распущенными грязными светлыми кудрями, и, судя по выражению его глаз, явно был не из Нью-Йорка. Думаю, его глаза были бледно-зелеными. Он казался сильным и спокойным, но с мягкими суставами, впечатлительным, ранимым и теплым.И его растерянность была искренней, в отличие от нарочитой небрежности мальчиков, которых я знал в пригороде. Я сразу полюбил его. Его работы были красочными, в основном небольшие картины маслом, разложенные на холсте перед закрытым магазином. На некоторых картинах были птицы.

«Пятьдесят, шестьдесят, семьдесят пять ...» Пожилой мужчина стоял рядом с художником, указывая на картины и объявляя их цены.

Моя мама сказала, что картины напомнили ей Мирку Вириус. «Вы, наверное, никогда о нем не слышали», - сказала она художнику.«Хорватский художник, наивный, конечно, убит нацистами».

«Мне нравится твое искусство», - сказал я художнику.

Статистический анализ работы Боба Росса

Боб Росс был непревзойденным учителем. Он сопровождал фанатов, когда писал «счастливые деревья», «всемогущие горы» и «пушистые облака» на протяжении своей 11-летней телевизионной карьеры в своем шоу на канале PBS «Радость рисования». В общей сложности Росс нарисовал для шоу 381 работу, опираясь на определенный набор элементов, сцен и тем, и тем самым предоставив тысячи точек данных.Я решил использовать эти данные, чтобы научить чему-то самому: важным статистическим концепциям условной вероятности и кластеризации, а также уроку об ограничениях данных.

Итак, давайте сделаем химическую завивку и приготовимся создавать счастливые таблицы!

То, что я обнаружил - посредством анализа данных и интервью с одним из ближайших сотрудников Росса - было работой, определяемой последовательностью и принципиально личным идеалом. Росс родился в Дейтоне, штат Флорида, и присоединился к ВВС в 17 лет.Он работал в Фэрбенксе и следующие 20 лет провел на Аляске. Его пребывание там, кажется, оказало значительное влияние на его любимые предметы: деревья, горы, облака, озера и снег.

картин Боба Росса представлены на канале PBS «Радость рисования».

Имя и изображения Bob Ross являются товарными знаками Bob Ross Inc. Все права защищены. Используется с разрешения.

Из 403 эпизодов «Радости рисования», первый выпуск которого проходил с 1983 по 1994 год и который продолжает транслироваться в повторах на станциях PBS по всей стране, Росс нарисовал 381 серию, а в остальных был гость, чаще всего его сын. Стив Росс.Основываясь на изображениях картин Боба Росса, доступных в магазине Bob Ross Inc., я закодировал все эпизоды, используя 67 ключевых слов, описывающих контент (деревья, вода, горы, погодные элементы и искусственные сооружения), стилистический выбор в обрамлении картин и приглашенные артисты, всего 3224 тега.

Я проанализировал данные, чтобы выяснить, что именно Росс, умерший в 1995 году, рисовал более десяти лет по телевидению. Ожидается результативный результат - разве вы не знаете, он действительно нарисовал кучу гор, деревьев и озер! - но затем я поставил несколько цифр классическим образцам речи Росса.Он не рисовал дубы или ели, а рисовал «счастливые деревья». Он предпочитал вершинам «горы всемогущие». Как только он нарисовал одно дерево, он не стал рисовать другое - он нарисовал «друга».

Вот как часто каждый тег, который появлялся более пяти раз, появлялся в 381 эпизоде:

Теперь, когда мы знаем основные вероятности отдельных тегов, мы также можем найти совместных вероятностей некоторых из этих событий. Например, как часто лиственное дерево и хвойное дерево появляются на одной картине? Мы знаем, что 57 процентов картин содержат лиственные деревья, а 53 процента картин содержат хвойные деревья.По нашим данным, 20 процентов картин содержат хотя бы по одной из них.

Более того, мы также можем найти вероятность того, что Росс нарисовал что-то при условии, что он нарисовал что-то другое, статистику, которая называется условной вероятностью .

Условная вероятность может быть немного сложной. Мы знаем, что 44 процента картин Росса содержат облака, 9 процентов - пляж, а 7 процентов - облака и пляж. Мы можем использовать эту информацию, чтобы выяснить две вещи: вероятность того, что Росс нарисовал облако , учитывая , что он нарисовал пляж, и вероятность того, что он нарисовал пляж , учитывая , что он нарисовал облако.Вы делите совместную вероятность - в данном случае 7 процентов - на вероятность при условии - 44 процента или 9 процентов, в зависимости от того, хотите ли вы знать вероятность пляжа при наличии облака или облака при наличии пляжа.

Самая большая ошибка, с которой часто сталкиваются люди, - это предположение, что две вероятности одинаковы. Вероятность того, что Росс нарисовал облако, учитывая, что он нарисовал пляж - по сути, сколько пляжных рисунков имеют облака - составляет (0,07) / (0,09), что составляет 78 процентов.Подавляющее большинство пляжных сцен содержат облака. Однако вероятность того, что Росс нарисовал пляж, с учетом того, что он нарисовал облако - или, сколько облачных рисунков содержит пляж - составляет (0,07) / (0,44), или 16 процентов. Таким образом, на подавляющем большинстве изображений с облаками нет пляжей.

Я вычислил условную вероятность каждого тега Боба Росса по сравнению с любым другим тегом, чтобы ответить на следующие насущные вопросы.

Какова вероятность, учитывая, что Росс нарисовал счастливое дерево, что он затем нарисовал друга для этого дерева?

Вероятность того, что Росс нарисовал второе дерево, составляет 93 процента, при условии, что он нарисовал первое.

Какой процент картин Боба Росса содержит всемогущую гору?

Около 39 процентов занимают вид на горы.

Какой процент этих картин содержит несколько всемогущих гор?

Росс также любил рисовать друзей для гор. На 60% картин, изображающих одну гору, изображено как минимум две горы.

В каком проценте этих картин горы покрыты снегом?

Учитывая, что Росс нарисовал гору, вероятность того, что на ней лежит снег, составляет 66 процентов.

А как насчет маленьких холмов?

Холмы встречаются на 4% картин Росса. Он явно предпочитал всемогущие горы.

Как насчет счастливых маленьких облаков?

Отличный вопрос, поскольку на 44 процентах картин Росс заметно изображено хотя бы одно облако. Учитывая, что это нарисованное облако, вероятность того, что оно явно кучевое, составляет 47 процентов. Вероятность того, что нарисованное облако - это перистое облако, составляет всего 14 процентов.

А как насчет очаровательных домиков?

Около 18 процентов его картин изображают хижину. Учитывая, что Росс нарисовал хижину, вероятность того, что она находится на озере, составляет 35 процентов, а на земле - снег. В то время как 72 процента домиков окрашены в ту же окраску, что и хвойные, только 63 процента находятся рядом с лиственными деревьями.

Как часто он рисовал воду?

Все время! Около 34 процентов картин Росса содержат озеро, 33 процента - реку или ручей, а 9 процентов - океан.

Похоже, ему не понравился пляж.

Скорее наоборот. Вы можете увидеть пляж на 75% картин Росса, изображающих море, но солнце - только на 31%. Если есть океан, вероятно, он неспокойный: на 97 процентах картин океана есть волны. На 36 картинах Росса, посвященных океану, также было больше скал, облаков и скал, чем на обычных картинах.

А как насчет Стива Росс?

Стив, похоже, предпочитал озера гораздо больше, чем Боб.В то время как только 34 процента картин Боба имеют озеро, 91 процент картин Стива есть.

Одна полезная линза, которую мы можем применить к такого рода данным - где мы сравниваем векторы информации - это инструмент кластеризации. Идея кластеризации состоит в том, чтобы определить, насколько близки определенные группы данных к другим точкам в наборе данных. Исследователи используют кластерный анализ во всех областях - от биологии до потребительского маркетинга - как способ сегментирования популяции, скажем, растений или людей.Это позволяет нам находить интересные подмножества данных на основе того, насколько определенные подгруппы похожи или отличаются от остальной части набора.

Я использовал алгоритм, чтобы разделить весь набор из 403 картин из «Радости живописи» на группы похожих картин. Я хотел знать, можно ли идентифицировать 10 основных картин, представленных в сериале PBS. Для этого я выполнил кластерный анализ картин k- . Результаты были неоднозначными.

Во-первых, давайте посмотрим на кластеры, которые интуитивно понятны.Явных победителей:

  • Группа из 50 картин с тегами «снег» и «зима»
  • Группа из 28 картин каждая в овальной рамке с белым пространством
  • Группа из 35 картин, изображающих океан.

Мы надеялись найти именно такие четкие кластеры. У каждого есть общая тема, и каждый из них попадает под знамя культовых изображений Боба Росса. Он рисовал примерно одну пляжную сцену и одно изображение в овальной рамке за сезон и примерно две сцены со снегом на переднем плане за сезон.Это имеет смысл.

Вот несколько кластеров, которые тоже имеют смысл, но не говорят нам многого о любимой картине Росс:

  • Группа из 13 картин приглашенного ведущего Стива Росса
  • Группа из 7 картин с мостом
  • Группа из 11 картин с цветами
  • Группа из 30 картин, изображающая забор или сарай
  • Группа из 33 картин, изображающих водопад.

Эти кластеры идентифицируют некоторые теги, которые появляются только на нескольких картинах, но группировки не очень полезны для определения того, что нарисовал Росс.Например, цветы очень редко были в центре внимания картины, и мы уже знали, сколько раз Стив Росс появлялся в программе.

Последние два кластера были самыми широкими:

  • Группа из 95 картин, на которых изображены деревья и хотя бы одна гора
  • Группа из 103 картин с деревьями, но без гор.

Не очень полезно, но все же довольно интересно. Кластерный анализ - привлекательный инструмент для такого рода данных, но вряд ли дает все ответы.

Чтобы узнать больше о Россе и его работах, помимо того, что я уже знал из данных, я позвонил Аннет Ковальски, которая вместе с художником основала компанию Bob Ross Inc. и продолжает руководить его работами. Она подтвердила то, что я обнаружил в своем обзоре сотен пейзажей Росса: его работа определяется не тем, что входит в его картины, а тем, что исключается.

«Я могу вспомнить два раза, когда он рисовал людей», - сказал Ковальски. «У костра шел мужчина и двое людей шли по лесу.«Действительно, наши данные показывают, что Росс нарисовал человека - силуэт на фоне дерева у костра - только один раз.

Одна из немногих картин Боба Росса в фильме PBS «Радость рисования», на которой изображен человек.

Имя и изображения Bob Ross являются товарными знаками Bob Ross Inc. Все права защищены. Используется с разрешения.

Когда мы анализируем нарисованные им структуры, выясняется, что Росс предпочитал простое сложному. Он расписал 69 домиков, 25 заборов в разной степени ветхости и 17 амбаров.Более сложные искусственные сооружения в его творчестве встречаются крайне редко. Мосты появляются всего семь раз. Лодки и мельницы - по два раза. Росс нарисовал один причал, один маяк и одну ветряную мельницу за свои 381 серию.

По словам Ковальски, в структурах, нарисованных Россом, есть что-то, что осталось почти незамеченным фанатами.

«Я открою вам самый большой секрет Боба. Если вы заметили, в его каютах никогда не было дымоходов », - сказала она. «Это потому, что дымоходы олицетворяли людей, и он не хотел, чтобы на его картинах появлялись какие-либо признаки человека.Осмотрите каюты. У них нет дымоходов ».

Она тут же добавила: «Я уверена, вы позвоните мне завтра и скажете, что нашли дымоход». И я сделал! Но на это потребовалось много охоты. В сезоне 7, эпизоде ​​1, «Зимняя хижина», есть дымоход в каюте (показан выше, в третьем ряду, в центральной колонке). Но тот факт, что дымоход появился однажды на 381 картине, на самом деле не умаляет точки зрения Ковальского.

Если говорить об этом, «Радость рисования» никогда не была посвящена живописи.Даже Ковальски, который управляет компанией по продаже принадлежностей для рисования под брендом Боба Росса, считает, что большинство зрителей увлечены этим не ради искусства.

«Большинство людей, которые смотрят Боба Росса, не интересуются живописью», - сказала она. «В основном это его успокаивающий голос».

Картины на продажу | Купить картины Fine Art Online

Изучите широкий выбор оригинальных картин, выставленных на продажу или доступных для аренды. В нашей тщательно подобранной подборке представлены современные картины некоторых из самых интересных художников, работающих сегодня, от картин маслом до акварели, от пейзажей до акриловых картин.Просмотрите нашу онлайн-коллекцию и откройте для себя новые картины, идеально подходящие для вашего дома.

Купить современные картины

Воспользуйтесь нашими фильтрами, чтобы найти современные картины в различных медиа и стилях художников из Великобритании и со всего мира. Ищете ли вы яркие работы Котаро Мачиямы, нежные акварельные пейзажи Тоу Тоа, смешанные портреты животных Луизы МакНота или что-то еще, у нас есть что-то для коллекций произведений искусства всех типов.

Мы храним уникальную коллекцию картин.Мы не только предлагаем произведения искусства, воплощающие передовые эксперименты в живописи, такие как сюрреалистические произведения Майкла Тирни, смешанные в технике, но и с гордостью представляем ряд художников, черпающих влияние из далеко идущей истории. Эндрю Крейн и Филип Тайлер черпают вдохновение в экспрессионизме 20-го века, в то время как Та Бирн и Стелла Капезану используют более традиционные репрезентативные техники, чтобы побудить нас еще раз, глубже взглянуть на их реальные и воображаемые предметы.

Узнайте больше о наших художниках здесь.

История современной живописи

Хотя живопись была развлечением для людей на протяжении всего нашего существования, абстрактные и концептуальные произведения искусства, которые мы теперь рассматриваем как вневременные примеры этой практики, относительно современны. Вплоть до 20 века художники ориентировались исключительно на репрезентативные изображения: натюрморты, портреты или естественные и религиозные сюжеты. Мы видим эту тенденцию в той или иной степени в творчестве Моне, Ван Гога и других эпохальных художников. С тех пор художники проверяют пределы среды, экспериментируя с расширяющимся диапазоном средств массовой информации и сюжетов.Тенденция к геометрическим абстрактным картинам, например, простирается от пионеров, таких как Мондриан и Мартин, до современных художников, таких как Хетти Хаксворт и Криспин Холдер. Художники, которых мы выбираем вручную, находятся на переднем крае эволюции современной живописи 21 века.

Живопись долгое время считалась средством общения, хотя и более легким и косвенным, чем устная или письменная форма. Эдвард Хоппер однажды заявил: «Если бы вы могли сказать это словами, не было бы причин рисовать.Это все чаще происходит с появлением новых стилей и методов живописи, которые раздвигают границы представления, от импрессионизма до сюрреализма и экспрессионизма.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *