Интерьер — это… Что такое Интерьер?
(от франц. interieur — внутренний), 1) в архитектуре — внутреннее пространство здания (жилого, общественного, промышленного) или каких-либо помещений (вестибюль, фойе, комната, зал). Функциональное назначение интерьера определяет его архитектурное решение (размер, пропорции и т. д.) и характер убранства (мебель, оборудование), которые в свою очередь служат художественной выразительности интерьера 2) В живописи — жанр, достигший расцвета в XVII в. в голландской и фламандской живописи, а в XIX в. — в России в работах художников венециановской школы.
(Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство «Советская энциклопедия», 1986.)
(от франц. interieur – внутренний), один из жанров живописи и графики, изображение внутреннего пространства здания или комнаты; а также произведение, созданное в этом жанре. Истоки жанра интерьера уходят в искусство эпохи Возрождения.
П. Янсенс Элинга. «Комната в голландском доме». 1660-е гг. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург
Жанр интерьера сформировался в 17 в. в Голландии, в которой после освобождения от испанского владычества возникла первая в мире буржуазная республика. Художники изображали в своих картинах тихую мирную жизнь, полную домашних семейных радостей. Мастера интерьера писали церковные, жилые, дворцовые помещения. Кальвинизм, ставший государственной религией, запрещал украшать картинами храмы; зато изображения церковных интерьеров в живописи наполнились проникновенным религиозным чувством.
Я. Врель. «Старушка у камина». Сер. 17 в.
В русской живописи элементы интерьера появились ещё в иконах, где архитектурные фоны писались по определённым правилам (канонам), показывая здания одновременно снаружи и изнутри («Иже херувимы…», Сольвычегодск, до 1579 г.; «Рождество Богоматери», кон. 17 в.). Такие изображения назывались «нутровыми палатами». С развитием академического художественного образования в России интерьер приобретает самостоятельное значение. Во второй пол. 18 в. появилось большое количество «портретов помещений». Эти интерьеры передают типичные стилистические особенности своей эпохи. Широкое развитие интерьер получил в первой пол. 19 в. в творчестве художников круга М. Н. Воробьёва. Их работы ценны своим историческим документализмом, отличаются чёткостью в перспективном построении пространства, вниманием к подробностям; для них характерен некоторый прозаизм (С. М. Шухвостов. «Обедня в московском Благовещенском соборе», 1857). Особого расцвета жанр интерьера достиг у мастеров венециановской школы, произведениям которых свойствен лирический взгляд на частную жизнь человека в светлых и чистых, ясных и обозримых пространствах, внутри которых царит тишина и течёт неспешная, полная тихого очарования жизнь (К. А. Зеленцов. «Гостиная на антресолях», кон. 1820 – нач. 1830-х гг.; А. В. Тыранов. «Мастерская художников Чернецовых», 1828; Г. В. Сорока. «Кабинет в Островках», 1844).
К. А. Зеленцов. «В комнатах». Кон. 1820 – нач. 1830-х гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва
Во второй пол. 19 в. создаются работы, в которых лишь «перечисляются» предметы, заполняющие помещения (Неизвестный художник. «Интерьер усадьбы „Знаменская“ графа Д. А. Толстого», 1870—80-е гг.). В других картинах внутреннее пространство несёт психологическую нагрузку, заставляя зрителя домысливать содержание (А. А. Бобров. «Интерьер», 1871; Неизвестный художник. «Интерьер», вторая пол. 19 в.).
(Источник: «Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия.» Под ред. проф. Горкина А.П.; М.: Росмэн; 2007.)
|
Анималистика (произошло от лат. animal — животное), анималистический жанр — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные. Анимализм картины |
|
| Аллегорический жанр (от греч. allegoria — иносказание) — жанр изобразительного искусства, в котором в художественное произведение закладывается скрытый и тайный смысл. В этом жанре трудно изобразимые идеи (например добро, сила, власть, справедливость, любовь и т.д.) показываются иносказательно через изображения живых существ, животных или человеческих фигур с атрибутами, за которыми исторически закрепился символический, легко читаемый смысл. Аллегорический жанр наиболее характерен для искусства Возрождения, маньеризма, барокко, классицизма. | |
|
Батальный жанр (произошло от фр. bataille — битва) — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы, воспевающий воинские доблести, ярость сражения, торжество победы. Батальный жанр картины |
|
|
Былинный жанр — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются сцены из былин и народного фольклора. Былинный жанр картины |
|
|
Бытовой жанр (жанровая живопись) — жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас. Бытовой жанр картины Разновидности фигуративного жанра |
|
|
|
|
|
Ведута — жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи — венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцы Ф.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин. Ведута картины |
|
|
Городской пейзаж (архитектурный пейзаж) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания. Городской пейзаж картины Разновидности жанра городской пейзаж |
|
|
Завтрак — подвид жанра натюрморт в голландском натюрморте XVII в.
|
|
|
Интерьер (произошло от фр. intérieur — внутренний) — жанр, в котором предметом изображения является изображение внутреннего вида помещения. Интерьер картины |
|
|
Иппический жанр (произошло от греч. hippos — лошадь) — жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади. Иппический жанр картины |
|
|
Исторический жанр — жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества. Исторический жанр картины |
|
|
Каприччо (произошло от итал. capriccio, буквально — каприз, прихоть) — архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто. Каприччо картины |
|
|
Карикатура (произошло от итал.caricare — преувеличивать) — особый жанр изобразительного искусства, объединяющий изображения, в которых: сознательно создается комический эффект; соединяется реальное и фантастическое; преувеличиваются и заостряются характерные черты фигуры, лица, костюма, манеры поведения людей и др. |
|
|
Лениниана — жанр изобразительного искусства, посвященный Владимиру Ильичу Ленину.
Лениниана картины |
|
|
Мифологический (от греч. mythos — предание) — жанр изобразительного искусства, посвященный героям и событиям, о которых рассказывают мифы и легенды древних народов. Мифологический жанр картины |
|
|
Морской пейзаж (марина) (произошло от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus — морской) — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра — И.К.Айвазовский (1817-1900). Морской пейзаж картины |
|
|
Натюрморт (в переводе с фр. — мертвая, неодушевленная натура) — это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта — фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции. Натюрморт картины Разновидности жанра натюрморт |
|
|
Ню (произошло от фр. nu — нагой, раздетый) — один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом. Ню картины |
|
|
Обманка — один из жанров изобразительного искусства, характерной чертой которого являются особые приемы перспективной живописи, которые создают эффект обмана зрения, стирают грань между реальностью и изображением. Обманка картины |
|
|
Охотничьи трофеи, охотничий натюрморт — олицетворение голландского натюрморта XVII-XVIII веков.
|
|
| Парсуна (от лат. persona — личность, особа) — условное наименование произведений русской портретной живописи XVII в. — переходная между иконой и светским произведением форма портрета. | |
|
Пастораль (произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) — жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь. Пастораль картины |
|
|
Пейзаж (произошло от фр. paysage — страна, местность) — жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа. Пейзаж картины Разновидности пейзажного жанра |
|
|
Портрет (произошло от фр. слова portrait) — это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет. Портрет картины Разновидности жанра портрет |
|
|
Религиозный жанр, религиозная живопись — жанр изобразительного искусства, основными сюжетами которого являются эпизоды из Библии, Евангелия и других священных писаний. Религиозный жанр картины |
|
|
Сюжетно-тематическая картина — смешивание традиционных жанров живописи (бытового, исторического, батального, композиционного портрета, пейзажа и др.), возникшее в советском искусствознании и в художественной практике 1930-х гг Сюжетно-тематические картины |
Интерьер как жанр изобразительного искусства
Презентация по ИЗО на тему «Интерьер как жанр изобразительного искусства»
Инфоурок › ИЗО, МХК ›Презентации›Презентация по ИЗО на тему «Интерьер как жанр изобразительного искусства»Описание презентации по отдельным слайдам:
1 слайд Описание слайда:Автор: Иванов Владимир Геннадьевич учитель ИЗО «Интерьер как жанр изобразительного искусства» Государственное бюджетное общеобразовательное учреждение средняя общеобразовательная школа № 39 Невский района Санкт-Петербурга
2 слайд Описание слайда:Цель: дать понятие об интерьере. Задачи: — развивать умение видеть перспективные явления на репродукциях, в моделях и передавать их по представлению в рисунке; — детально углублять понимание явлений перспективы; -познакомить учащихся с репродукциями художников использующих интерьер; — развивать творческую и познавательную активность, воображение, ассоциативно-образное мышление; — воспитывать интерес к урокам изобразительного искусства, художественный вкус различными средствами ИЗО.
3 слайд Описание слайда:Интерьер (произошло от фр. intérieur — внутренний) — жанр, в котором предметом изображения является изображение внутреннего вида помещения.
4 слайд Описание слайда:Как часть картины, интерьер существует давным-давно. Изображения фигур на фоне интерьера встречаются ещё в искусстве Древнего Египта.
5 слайд Описание слайда:Самостоятельный жанр интерьера сложился лишь в XVII веке в Голландии. «Пять женщин в интерьере» Дирк ван Делен
6 слайд Описание слайда:«Интерьер 17 века» Генри Лейс «Лихой офицер» Герард Терборх
7 слайд Описание слайда:Когда архитектор строит здание, он формирует объём и массу не только снаружи, но и изнутри, чтобы создать архитектурно-художественную среду, организующую внутреннее пространство здания или какого-либо помещения.
8 слайд Описание слайда:Разновидности интерьеров Интерьер общественного здания Дворцовый интерьер Интерьер крестьянского дома
9 слайд Описание слайда:Стиль – совокупность основных идейно-художественных особенностей, отличительных черт, проявляющихся в творчестве художника, скульптора, архитектора, композитора и т.д. И.А.Иванов. Вид парадной лестницы Академии художеств. 1830 Готический интерьер
10 слайд Описание слайда:Упражнение «Схема фронтальной перспективы» Точка схода и линия горизонта
11 слайд Описание слайда:Самостоятельная работа учащихся В любом интерьере основой является коробка. Он включает пол, потолок и четыре стены — всего шесть плоскостей.
12 слайд Описание слайда:Повторение пройденного на уроке Анализ работ учащихся. Ответьте на вопросы Что такое интерьер? Как переводится интерьер с французского? Как связан интерьер с архитектурными особенностями здания? Проявляются ли особенности архитектурного стили в интерьере? О чём художники пытаются рассказать в своих композициях интерьеров? Какой художник явился родоначальником интерьерной живописи в России?
Курс профессиональной переподготовки
Учитель, преподаватель изобразительного искусства
Курс повышения квалификации
Курс профессиональной переподготовки
Учитель мировой художественной культуры
Найдите материал к любому уроку,
указав свой предмет (категорию), класс, учебник и тему:
Выберите категорию: Все категорииАлгебраАнглийский языкАстрономияБиологияВнеурочная деятельностьВсеобщая историяГеографияГеометрияДиректору, завучуДоп. образованиеДошкольное образованиеЕстествознаниеИЗО, МХКИностранные языкиИнформатикаИстория РоссииКлассному руководителюКоррекционное обучениеЛитератураЛитературное чтениеЛогопедия, ДефектологияМатематикаМузыкаНачальные классыНемецкий языкОБЖОбществознаниеОкружающий мирПриродоведениеРелигиоведениеРодная литератураРодной языкРусский языкСоциальному педагогуТехнологияУкраинский языкФизикаФизическая культураФилософияФранцузский языкХимияЧерчениеШкольному психологуЭкологияДругое
Выберите класс: Все классыДошкольники1 класс2 класс3 класс4 класс5 класс6 класс7 класс8 класс9 класс10 класс11 класс
Выберите учебник: Все учебники
Выберите тему: Все темы
также Вы можете выбрать тип материала:
Общая информация
Номер материала: ДБ-820494
Похожие материалы
Вам будут интересны эти курсы:
Оставьте свой комментарий
Руководство по дизайну интерьера в стиле ар-деко
Конструктивно дизайн ар-деко основан на математических геометрических формах, которые опирались на греко-римский классицизм так же, как и на граненые формы Вавилона, Ассирии, Древнего Египта и ацтекской Мексики. Ар-деко характеризуется трапециевидными, зигзагообразными и треугольными формами, шевронными узорами, ступенчатыми формами, широкими кривыми и мотивами солнечных лучей — все это можно найти во всех формах ар-деко, от мебели и зданий до ювелирных изделий и изобразительного искусства.
Материалы, которые были типичными для дизайна ар-деко, включают серебро, хрусталь, слоновую кость, нефрит и лак, а также формованное стекло, рог и экзотические кожи, такие как акула и зебра. Блеск и пышность были требованиями к гламурному и роскошному стилю, однако по мере развития стиля алюминий, нержавеющая сталь, пластмассы и инкрустированный шпон делали предметы этого стиля более доступными и доступными.
Андре Маре (1887-1932), Жак-Эмиль Рульманн (1879-1933) и Эйлин Грей (1879-1976) были одними из самых важных дизайнеров мебели той эпохи, создавая роскошные и новаторские предметы интерьера. Интерьер в стиле ар-деко.
.Постпрофессиональный магистр изящных искусств в дизайне интерьера — Нью-Йоркская школа дизайна интерьеров
Программа состоит из четырех компонентов: основная последовательность студий дизайна, специализированные студии, лекции / семинары и факультативные занятия. Студенты знакомятся с разнообразными междисциплинарными подходами к дизайну и типами проектов. Диссертация, которая требуется как завершающий проект, состоит из направленного исследования, за которым следует студийный проект. Каждый студент должен продемонстрировать оригинальность, исследовательские и дизайнерские навыки, а также творческие способности для решения сложных задач в дизайне.Диссертация представляется на оценку жюри выпускников факультета.
Студенты получают высшее образование с глубоким пониманием природы дизайна искусственной среды, способностью формулировать и решать сложные проблемы в дизайне и готовы стать лидерами своей профессии.
Эта программа требует очного обучения
Кандидаты должны иметь профессиональную степень в области дизайна интерьера, архитектуры, инженерии или смежной области
Расширенное портфолио, необходимое для поступления
Жанровая живопись | изобразительное искусство
Жанровая живопись , рисование сцен из повседневной жизни обычных людей на работе или отдыхе, изображенных в целом реалистично. Жанровое искусство контрастирует с пейзажами, портретами, натюрмортами, религиозными темами, историческими событиями или любыми традиционно идеализированными предметами. Интимные сцены из повседневной жизни почти всегда являются предметом жанровой живописи. Исключение образного содержания и идеализации привлекает внимание к проницательному наблюдению за типами, костюмами и обстановкой.
- Vermeer, Johannes: Молодая женщина с кувшином для воды Молодая женщина с кувшином для воды , холст, масло Иоганнеса Вермеера, c. 1662; в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. 45,7 х 40,6. Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Коллекция Маркуанда, Дар Генри Г. Маркванда, 1889 г. (89.15.21), www. metmuseum.org
- Эдмондс, Фрэнсис У.: Все разговоры и без работы Все разговоры и без работы , холст, масло Фрэнсиса У.Эдмондс, 1855–56; в Бруклинском музее, Нью-Йорк. 61,1 х 50,3. Фотография Кэти Чао. Бруклинский музей, Нью-Йорк, Фонд Карла Х. де Сильвера, 51.108
Британская викторина
Это или То? Художник против архитектора
Хелен Франкенталер
Этот термин возник во Франции 18-го века для обозначения художников, специализирующихся на одном виде ( жанр ) картин, таких как цветы, животные или жизнь среднего класса, и первоначально использовался уничижительно сторонниками идеального или великого стиля в искусстве. .К концу 19-го века, когда швейцарский критик Якоб Буркхардт написал Netherland Genre Painting (1874), этот термин был более одобряющим, а также был ограничен его нынешним смыслом. Этот термин до сих пор наиболее широко используется для описания работ таких голландских и фламандских художников 17-го века, как Ян Стин, Герард Терборх, Адриан ван Остаде, Давид Тенирс Младший, Питер де Хох и Йоханнес Вермеер. Среди более поздних мастеров жанрового искусства были такие разные художники, как Корнелис Трост в Нидерландах, Дэвид Уилки в Великобритании, Жан-Батист-Симеон Шарден во Франции, Пьетро Лонги в Италии и Джордж Калеб Бингхэм в Соединенных Штатах.
- Гуляющие крестьяне в интерьере , картина маслом Адриана ван Остаде, c. 1638; в Старой пинакотеке, Мюнхен. Старая пинакотека, Мюнхен; фотография, Иоахим Блауэль / Артотек
- Беллоуз, Альберт Фитч: День жизни День жизни или три раза через реку: полдень (свадьба) , холст, масло Альберта Фитча Беллоуз, 1861; в Бруклинском музее, Нью-Йорк. 73,7 х 119,4. Фотография Эми Дреэр. Бруклинский музей, Нью-Йорк, Фонд Дика С. Рамзи, 2000. 8
Ошибка сайта | Художественные институты
Художественные институты — это система школ по всей территории Соединенных Штатов. Программы, уровни допуска, технологии и варианты расписания различаются в зависимости от школы и могут меняться. Не все онлайн-программы доступны для жителей всех штатов США. Большинство учреждений, входящих в систему The Art Institutes, принадлежат Dream Center Education Holdings, LLC. Некоторые учреждения в системе Art Institutes принадлежат Education Management Corporation.Некоторые учреждения в системе Art Institutes являются кампусами Университета Аргози. Административный офис: Художественные институты, 1500 Пенн Авеню, Питтсбург, Пенсильвания 15222 © 2017 Художественные институты. Все права защищены. Наш адрес электронной почты: [email protected]
Посетите aiprograms.info для получения информации о продолжительности программы, стоимости обучения, гонорарах и других расходах, среднем уровне долга, данных о зарплате, успехах выпускников и другой важной информации.
Уровень квалификации и опыта зависит от преподавателей и преподавателей.
.Особенности живописной композиции при изображении интерьера
Многие начинающие художники перед началом работы с той или иной темой сталкиваются с различными проблемами, а особенно с выбором правильной и грамотной композиции. Композиция художественного произведения требует к себе особого внимания, поэтому в данной статье сделана попытка рассмотреть основные особенности и трудности, которые встречаются при работе с той или иной композицией, а так как композиция интерьера имеет свои особенности, то внимание в основном будет сфокусировано именно на ней.
Для начала отметим, что такое композиция в целом. Композиция – это один из самых важных структурных принципов произведения, организующий взаимное расположение его частей, их соподчинение друг другу и целому. Этот принцип придает произведению единство, завершенность и цельность [1]. Это в полной мере относится и к композиции интерьера. А для того, чтобы понять, как лучше выполнить композицию при изображении интерьера, нужно в некоторой степени знать историю интерьера в произведениях художников, а также законы, средства и приёмы композиции.
Рассмотрим кратко историю развития интерьера в изобразительном искусстве. Интерьер – это жанр изобразительного искусства, в котором предметом изображения является внутренний вид помещения [2]. Очень важное значение для развития жанра интерьера имело изобретение линейной перспективы в эпоху Возрождения, усилившее интерес к передаче особенностей построения внутреннего пространства. Как самостоятельный жанр интерьер появился в XVII веке. Голландские художники Адриан ван Остаде, Эммануэль де Витте, Ян Вермеер Дельфтский, Питер до Хоох, создавшие внутренние виды церквей, царских домов, дворянских усадьб и другие, считаются первыми живописцами жанра интерьера. Техники и само убранство интерьера зависело от эпохи, в которую жил тот или иной художник. Например, в 1850-х годах работали в технике отмывки, точно соблюдая перспективу и тщательно прорабатывая детали. Такие работы называли «портреты интерьеров», потому что художники детально и точно изображали данные интерьеры. А в XIX веке, во времена барокко и рококо, в основном изображали вычурность, нарядность, обилие декора и золота, также не обходились и без росписи [3].
Со временем интерьер становился менее пышным и богатым и упрощался. Но художники, несмотря на это, находили душевность в интерьере, особенные композиции и насыщенный колорит. В разные исторические эпохи к написанию интерьера относились по-разному. Но были и единые законы, которым следовали художники, такие как закон целостности, контрастов, новизны изображаемого, подчиненности всех средств композиции идейному замыслу. Но помимо этого существуют и правила композиции, к ним относятся: симметрия и асимметрия, ритм, динамика и статика, равновесие частей композиции. Их необходимо учитывать при работе с любой композицией, будь это интерьер, пейзаж, натюрморт, сюжетно-тематические композиции и др.
Перед началом работы над композицией интерьера очень важно изучить аналоги по данной теме. Работы великих художников помогут понять, в каком направлении нужно работать, какие существовали композиции, как думали мастера прошлых лет, какова была их манера письма. При изучении аналогов можно использовать следующую схему:
— композиционное решение живописного произведения;
— цветовая гамма и техника живописной работы;
— общее эмоциональное и эстетическое впечатление.
Многие художники пытаются в своих работах показать красоту интерьера, мягкий свет из окна, таинственность, радость, грусть и другие эмоции, которые они испытывали в определенные моменты времени. Благодаря их картинам мы можем увидеть богатство интерьеров, занятия людей и атмосферу времени.
Изучая разные работы художников можно заметить большое разнообразие стилей письма, подхода, видения мира и манеры. Некоторые из них полезно копировать, чтобы перенимать знания великих мастеров, а затем, опираясь на них создавать новое.
Начинать работу нужно по следу собственного впечатления, то есть цветом показать основные цветовые отношения. Именно этот момент является основным в работе, так как зритель смотрит на личное отношение автора к работе, и впечатление является тем отношением, благодаря которому работа может стать очень выразительной. При работе над впечатлением нужно выполнить цветовые эскизы на маленьком формате. Для этого можно пользоваться как гуашью, так и акварелью, пастелью, темперными красками.
После того, как был сделан цветовой эскиз по впечатлению, нужно начинать работу над самой композицией. Важно выбрать линию горизонта – именно она будет определять, откуда смотрит зритель; можно экспериментировать на маленьких листочках. В зависимости от точки обзора линию горизонта можно занизить, завысить или сделать на уровне глаз. После выбора линии горизонта нужно определить, какая перспектива будет наиболее удачна в данном интерьере, фронтальная или угловая. Лучше сделать наброски той и другой перспективы на отдельных листочках.
Также, когда мы смотрим на работу, нужно отталкиваться от композиционного центра: им может быть стол, человек в интерьере, какой-либо предмет, который будет привлекать зрителя при первом взгляде на вашу работу. Затем важно плавно переходить на дополнительные элементы композиции, которые находятся и «живут» около этого композиционного центра и дополняют его формой или цветом. Благодаря им, появится какой-либо образ и в них отразится ваша идея и задумка. Важно также, чтобы в работе прослеживался нюанс, которым может быть свет из окна, стол или какое-либо другое пятно, привлекающее наше внимание. Значимым является то, чтобы в этом предмете отражалась замысел автора (то, что он хотел показать зрителю данным интерьером) Если автор задумал показать старину, то нужно сделать акцент именно на каком-то старинном предмете или же передать её светом и цветом. Если мелодию, то можно так же – светом или предметами в комнате, или музыкальным инструментом.
Существенную роль в живописной композиции играет цвет. Цвет какого-либо предмета всегда зависит от освещения, от места расположения, наличия других предметов рядом и др. Цвет зависит от пространственной и предметной среды, освещения. Цветом мы можем показать настроение, время суток, свет, тень, своё эмоциональное отношение к работе, показать акцент и нюанс, а также отразить эпоху. Цвет обычно очень хорошо влияет на наше восприятие: если даже в работе есть композиционные ошибки, то цветом иногда можно скрыть их или же заставить смотреть зрителя на какое-либо цветовое пятно, благодаря которому будут незаметны мелкие недостатки.
Но всё же опытные художники, прежде чем начать работу в цвете, выполняют тоновой разбор своего будущего произведения, то есть гризайль. Для этого нужно сделать маленький набросок тонового решения композиции. Затем выбрать формат, в котором будет конечное произведение и изобразить его, учитывая перспективу, линию горизонта, точку схода, при этом «нельзя разделять линейный рисунок, определяющий перспективное строение формы в рисунке от его тональной трактовки» [4, с. 27]. Выполняют гризайль или мягким материалом (это может быть соус, сангина, уголь, сепия), или же красками (обычно используют темперные краски или гуашь).
Очень важно при рисовании интерьера знать, как изобразить падающую тень, законы перспективы и отражения. Ведь обычно в старинных домах бывает деревянный пол, а без знания перспективы его невозможно правильно нарисовать и изобразить красивые блестящие отражения. Также, чтобы построить тени из окна, нужно знать, как правильно это сделать, и для этого нужно иметь хорошие знания перспективы. При изображении теней, нужно определиться, откуда будет падать свет. Если это естественное освещение, то всё очень просто: есть один источник света, и от него будут распространяться лучи света по законам перспективы. Если же это естественное освещение, то нужно выбрать, из какого окна будет падать свет и какое время суток на улице. После определения времени суток обозначить точку, которая впоследствии и будет источником света, от которого будут падать лучи [5].
Решая работу тоном, важно определить все теневые и световые места. Интерьерную композицию нужно вести от целого (цельно прокладывая свет и тень на работе) к частному. После определения цельных частей композиции работать над переходными моментами: свет – полутень – тень, а также над деталями, которыми, однако, нельзя увлекаться, забывая о перспективе: чем ближе к нам предмет, тем более четким и проработанным он должен быть.
После того, как закончена гризайль, можно переходить на цветовое решение. При этом необходимо точно перенести с графической работы все элементы устоявшейся композиции. Начинать работу в цвете нужно с общего к частному, то есть сначала проложить световые и теневые моменты, а затем уже в них прорабатывать детали. Будь это гуашь, масло, темперные краски или акварель – принцип работы тот же самый: нужно добиться цельной композиции со взаимодействием всех частей друг другу, композиция должна быть актуальной, должна нравиться автору, также нужно, чтобы в ней прослеживалась идея, которая была заложена в самом начале.
Очень важно при разработке композиции интерьера выполнять большое количество зарисовок с натуры с разных ракурсов в одной и той же комнате, в результате чего можно найти такой вариант, который вы не ожидали здесь увидеть. Создавая такие эскизы, важно учитывать перспективу, линию горизонта и формат. От них будет полностью зависеть итоговая работа. Но, несмотря на все правила, законы, средства композиции нужно знать, что творческая мысль, озарение, конечно, первичны. Затем появляется произведение, а уже потом – теоретическое обоснование, «школа». Таков многовековой процесс творческого познания – открытия [6].
Таким образом, можно сделать вывод, что рисование интерьера – это очень сложный процесс, требующий больших умственных усилий, творческой мысли, грамотности в сфере рисования. Главным при изучении композиции интерьера является правильное ведение работы, соблюдение определенной последовательности: изучение аналогов, выполнение эскизов по первому впечатлению, как тоновых, так и цветовых, выбор перспективы, линии горизонта, материала, выполнение в гризайли, перенос на холст и окончание работы в цвете. Следовательно, соблюдая правила, законы, средства композиции, выполняя работу от целого к частному, создавая натурные наброски, зарисовки, анализируя картины великих художников и изучая перспективу и последовательность ведения работы, можно освоить композицию интерьера и способы его изображения.
Изображение интерьеров в русском изобразительном искусстве первой половины XIX века Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»
СПЕЦИАЛЬНАЯ ТЕМА
Изображение интерьеров в русском изобразительном искусстве первой половины XIX века
Интерьер как область архитектуры, быта, декоративного искусства необыкновенно интересен. К сожалению, существует очень мало специальных исследований, в которых интерьер рассматривался бы как самостоятельное явление в русской живописи первой половины XIX века.
Интерьерные изображения появляются на рубеже XVIII и XIX века. Тема интерьера реализовалась в достаточно цельное явление, которое, может быть, дает основание говорить о сложении в эту пору жанра интерьера. В отечественной искусствоведческой науке сложилась традиция, связывающая интерьерные изображения со школой художника и педагога А.Г. Венецианова.
В статье раскрываются особенности изображения интерьеров в русской живописи первой половины XIX века.
Ключевые слова: живопись, интерьер, русская культура, архитектура, художник, графика; painting, interior, Russian culture, architecture, artist, drawing.
Можно констатировать, что существует мало специальных исследований, в которых интерьер рассматривался бы как самостоятельное явление в русской живописи первой половины XIX века, несмотря на то, что этот тип изображений получил широкое распространение в России. Начиная с самых известных имен и заканчивая неизвестными провинциальными мастерами или же просто безымянными дилетантами, все они хотя бы однажды обращались к изображению «внутренности комнаты». В отечественной искусствоведческой науке сложилась традиция, связывающая интерьерные изображения со школой художника и педагога А.Г. Венецианова.
Живопись интерьеров мы можем увидеть в творчестве Ф.П. Толстого, С.Ф. Щедрина, М.Н. Воробьева, М.Ф. Давыдова, И.Ф. Хруцкого и многих других. Интерьерные упражнения были введены в школах как Венецианова, так и А.В. Ступина в Арзамасе. И, наконец, рисунки и акварели с изображениями комнат и анфилад содержатся в домашних альбомах
© Грехова М.С., 2011
М.С. Грехова
первой половины XIX века. В 1810—1820-е годы, когда этот жанр только зарождался, акварельные виды обладали удивительной поэтичностью и воплощали сентименталистские и романтические веяния времени.
Интерьер как область архитектуры, быта, декоративного искусства необыкновенно интересен. Интерьер как жанр живописи тесно связан с жизненными процессами. Все, что может быть включено в интерьер: архитектурный облик дома, предметы и их расстановка, оформление жилища, — все являлось объектом внимания художника. Созданный мастером на полотне интерьер не только «описывает», фиксирует материал, повествующий об эпохе, и создает «портрет» жилища с натуры, это еще и рассказ о его обитателях, их образе жизни, попытка дать почувствовать зрителю «настрой» их душ, понять их мироощущение средствами художественного образа интерьера. Многое в таком рассказе зависит от того, насколько совпадают или не совпадают взгляды на мир художника, воссоздающего образ интерьера на полотне, и взгляды тех, кто живет в этом интерьере.
Интерьерные изображения появляются на рубеже XVIII и XIX веков.
Все они имеют те специфические черты, которые объединяют в итоге все произведения этого типа. Причем, тема интерьера реализовалась в достаточно цельное явление, которое дает основание говорить о сложении именно в эту пору жанра интерьера.
Расцвет этого жанра наступил внезапно, и это вызывает много вопросов. Ответы на них надо искать, прежде всего, в художественной специфике эпохи и в тех условиях, которые дали почву для зарождения и становления этого жанра. Кроме этого, надо учитывать и наличие достаточно развитой традиции, которая дала возможность быстро расцвести этому новому жанру.
Одно из самых первых известных изображений частного интерьера — «Кабинет Шувалова», выполненный около 1757 года Федором Степановичем Рокотовым и сохранившийся в копии его ученика А. Зяблова (1779, ГИМ). В картине заметно влияние живописцев Запада — в частности нидерландцев, притом, что есть также и отличие — в подходе к изображению интерьера северными старыми мастерами и Рокотовым: картина отличается простотой, там, где фламандский художник наполнил бы галерею действующими лицами, изобразил бы событие или групповой портрет, Рокотов же написал лишь одного человека — маленькую девочку. Для художника важен был только портрет комнаты.
Это наблюдение, высказанное исследователем творчества художника Рокотова А.В. Лебедевым, характерно для большинства интерьерных изображений первой половины XIX века. Его можно определить как свойственную русской интерьерной живописи простоту и отсутствие интереса к событийности. При этом, искусство старых северных мастеров, как отмечает в своей книге Э.Я. Логвинская, влияло в значительной степени на русских художников в течение всего XVIII в. (4). Отечественные исследо-
ватели писали, что «проблема этих влияний должна была стать предметом специальной разработки… В России имелись многочисленные коллекции старых западных мастеров, как в Петербурге, так и в Москве. В них преобладали фламандцы и голландцы, особенно в Москве. Знакомство с северным искусством, несомненно, отразилось на жанре, как на его реалистической концепции, так и на форме. Это влияние могло сказаться и в интерьерности, и в материальности, и в преобладании небольшого формата» [3, с. 54].
На протяжении всего XVIII века процесс обучения художника строился на копировании как с подлинников, так и с копий гравюр. Зачастую это были произведения голландских и фламандских художников, потому что граверов петровского времени и мастеров гравировальной палаты Академии наук обучали приехавшие в Россию голландцы, в качестве практических занятий предлагавшие копировать гравюры современных и старых мастеров. Система копирования процветала в Академии Художеств XVIII и начала XIX веков. Так, в Академии Художеств в 70-е и 80-е годы XVIII века в документах упоминаются программы по теме «живописи домашних упражнений и кабинетных картин во фламандском вкусе» [4, с. 6].
И все же, интерьерные картины в то время были очень редки по сравнению с другими изображениями, а произведение Рокотова осталось единственным в своем роде.
Вероятно, можно говорить о том, что виденные в коллекциях и многократно копированные картины старых мастеров оставили свой след в памяти русских художников. Кроме того, возникновение в русском искусстве темы интерьера в первой трети XIX века было связано и с другими западными влияниями, распространившимися в то время.
В конце 1810-х — 1820-х годах Алексей Гаврилович Венецианов начинает поиски новых принципов изображения, которые через несколько лет привели его к ясному пониманию того, что необходимы новые каноны в изобразительном искусстве.
Сам Венецианов говорил, что необходимость поиска новых принципов изображения возникла после увиденной картины французского пер-спективиста Франсуа Гране «Внутренний вид капуцинского монастыря в Риме», которая произвела на него очень сильное впечатление. Задумав на практике проверить свою идею об основополагающем значении перспективы для правдивого выражения общей мысли, он пишет сначала картину «Гумно», а затем «Утро помещицы» — обе жанровые сцены решены в интерьере. Затем он включает в свою педагогическую систему написание интерьеров, которые во множестве изображают его ученики.
Что такого было в картине французского художника? Перспективная живопись не была для Венецианова новшеством, она традиционно существовала и в русском искусстве с XVIII века. В программах Академии Художеств ей было отведено официальное положение «рода» живописи, и
архитектурная картина писалась на протяжении всей второй половины XVIII века.
К началу XIX века, до 20-х годов, перспективная живопись основывалась на условной академической изобразительной системе и не делила изображения на конкретные и условно-декоративные. В основе и того и другого лежал архитектурный линейный чертеж, который строился на применении декоративных эффектов. Даже если изображалось конкретное здание, как «Ночная служба в соборе св. Петра в Риме» (акварель, ГРМ), написанная архитектором Иваном Егоровичем Старовым в 1769 году, или вообще «некое» здание, как картина Якова Герасимовича Фарафонтьева «Сени дорического ордера» (1781, ГРМ), — общность задачи в подходе к интерьерному пространству в них очевидна. К числу общих свойств относится сочетание декоративности со строгим рационализмом архитектурного построения, использование освещения как технического приема. Здесь в большой степени выражались очень развитые в XVIII веке традиции декоративной живописи с театральными эффектами перспективы. Изображения людей в подобном интерьере — крохотные стаффажные фигурки, сценически расставленные, — должны были способствовать представлению о грандиозности здания, о мощи архитектурных форм, давая лишний раз почувствовать зрителю контрасты, которые создает огромная высота и глубокое пространство интерьера. Характерную черту можно увидеть в кулисном построении: изображение открывалось из-за арки на переднем плане. При этом сценический эффект усиливался за счет резкого контраста темного первого плана и ярко освещенного дальнего пространства, которое при всей его глубине всегда было замкнуто.
Эти черты нашли отражение в холсте Гране, о котором говорилось выше, появившемся в Эрмитаже в 1820 году.
Это произведение произвело неизгладимое впечатление на Венецианова. Он приходит к абсолютно новому пониманию натуры. Он не подражает Гране, а находит свой собственный путь. Его не удовлетворял так называемый «фокус освещения» — это основной декоративно эффектный прием архитектурной картины, традиционный для перспективных видов. Он хотел прямым, естественным освещением разрешить проблему нового понимания пространства.
На протяжении всей второй половины XVIII века в Академии Художеств официально существовал род перспективной условно-декоративной архитектурной картины. Этот род живописи не стремился к изучению и привнесению нового, а, наоборот, применял приемы, уже существующие. Например, в 1767 году в программе Академии было такое задание — написать масляными красками старинное архитектурное сооружение, используя прием перспективного построения архитектурного пространства. Но уже в начале XIX века подобные задания становятся конкретными и появляются изображения внутренних видов определенных архитектурных сооружений.
Таким образом, было положено начало появлению пока еще достаточно редких новых изображений внутренних помещений в области архитектурной графики, а также и среди рисунков архитекторов.
Сохранившееся до наших дней графическое наследие русских архитекторов — удивительно, потому что это не только уникальный архитектурный материал, но и собственно произведения графического искусства. Русские архитекторы конца XVIII века были прекрасными мастерами самостоятельного рисунка — живого и реалистичного. Именно здесь и возникает новая возможность изображения интерьера. Архитектор со своей способностью создавать и чуткостью восприятия пространства сумел первым изменить механизм пропорций интерьерного изображения, благодаря чему возникают новые выразительные и содержательные возможности.
Одна из первых работ, демонстрирующая новый тип интерьера, который совсем скоро получит интенсивное развитие, — акварель Андрея Никифоровича Воронихина «Картинная галерея Строгановского дворца» (1793, ГЭ). В картине все противоречит перспективному академическому «виду». Его пропорции соразмерны человеческим фигурам, естественно переданное освещение создает ощущение мягкой задумчивости, уходящая в глубь пространства перспектива галереи заканчивается выходом в другое помещение, а не замкнутым пространством. Это одно из первых изображений частного дома, роскошного, но тем не менее представленного как место человеческого обитания. Об этом говорят простое и строгое построение композиции, пропорциональная согласованность всех предметов в зале. Художник изобразил и самого хозяина, графа Строганова, который изображен на первом плане задумчиво стоящим около колонны.
Интерьер, схожий с изображением пространства у Воронихина, есть и у Джакомо Кваренги. Художник запечатлел зал на первом этаже Лоджий Рафаэля в Эрмитаже, который он построил в 1800-х годах [2, с. 115]. Перед нами интерьер, который привлекает своей стройной пропорциональностью, живо очерченные силуэты фигур придают ему особую выразительность. Однако изображение не получило характера жанровой сцены. Прежде всего, это архитектурный интерьер — об этом говорят значительность и основательность, с которой построено пространство, пластичность, с которой изображены группы посетителей и скульптура. Само же образное пространственное решение резко отличается от академической традиции. В произведении ничто не нарушает впечатления естественности и того настроения спокойствия, которое создал художник, не стремившийся к передаче каких-либо эффектов. Если же рассмотреть, из чего складывается это впечатление, то мы увидим черты, уже встречаемые в акварели Воронихина. Здесь нет разрыва между грандиозными формами архитектуры и микроскопическими фигурками людей. В рисунке Кваренги архитектурный интерьер, прежде всего, соразмерен человеку, в нем отсутствует такого рода противопоставление, нет контрастов и театральных эффектов.
Кваренги все подчинил цельности и согласованности, которое достигнуто за счет пропорциональности всех частей композиции и четкой ритмичности ее повторов. Естественное освещение придает всем объектам особенную выразительность. Отсутствуют традиционный первый план, огромная арка-кулиса, замкнутость интерьера в глубине. Пространство в рисунке Кваренги не имеет четко фиксированных начала и конца. Движение пространства в глубину завершается распахнутыми в другой зал дверями, то есть оно не замыкается, не прерывается.
Мысль о том, что зарождение или предвосхищение интерьерного жанра мы находим в интерьерных рисунках наиболее ярких архитекторов конца XVIII века, еще раз подтверждает и акварель, предположительно принадлежащая архитектору Николаю Александровичу Львову. Это «Гостиная в доме графа Безбородко» (ГМИИ). Она, пожалуй, самая ранняя из того множества гостиных, изображения которых появляются с началом XIX века. В картине, так же как и в двух вышеуказанных, ощущается присутствие той теплоты в отношении к месту обитания человека, которая впоследствии нашла яркое выражение в изображениях частного дома, а также то интимное переживание интерьера, которому было суждено вызвать к жизни большое количество написанных «гостиных». Правда, «Гостиная в доме графа Безбородко» имеет характер парадный и изысканный, что было свойственно XVIII веку. Но приближенный план, открытые двери и окна, органично объединяющие атмосферу дома и далекое пространство пейзажа, создают образ, в котором, несмотря на репрезентативный тон, преобладает камерное звучание.
Может быть, правильно было бы предположить, что такое особое переживание интерьера естественно появляется у архитектора, передавшего то, что создано им самим. Ведь галерея Строгановского дворца, галерея Эрмитажа, дом Безбородко изображены создавшими их авторами, которые в других случаях не отказывались от традиционных художественных приемов (например, акварель Воронихина «Внутренний вид собора св. Софии в Константинополе» или архитектурно-декоративные фантазии Кваренги).
Из этого предположения, естественно, не следует, что возникновение нового интерьерного рисунка в архитектурной графике было явлением изолированным. Ведь тогда мы вправе были бы удивляться отсутствию интерьерного жанра во все другие времена, когда строили и рисовали архитекторы.
Здесь идет речь о примере наиболее яркого и свободного образного мышления, которое предвещало своими новыми построениями зарождение более широкого художественного явления. В данном случае важно отметить, что процесс развития новой темы был неразрывно связан с общим вниманием к теме личности и формированию сознания в России той поры.
В заключение хочется отметить, что возникновение живописи интерьера — очень важное явление в изобразительном искусстве XIX века, кото-
рое до сих пор помогает исследователям в работе по изучению художественной специфики эпохи, которая дала почву для зарождения и становления нового жанра в изобразительном искусстве.
Литература
1. Алексеева, Т.В. Художники школы Венецианова. М.: Искусство, 1982.
2. Графическое наследие Кваренги / Под ред. Ю.И. Кузнецова. — Л.: Гос. Эрмитаж, 1962.
3. Коваленская, Н.Н. Русский жанр накануне передвижничества. // Русская живопись XIX в. /сборник статей. М.: РАНИОН. М., 1929.
4. Логвинская, Э.Я. Интерьер в русской живописи первой половины XIX в. М.: Искусство, 1978.
5. Сарабьянов, Д.В. Образы века. О русской живописи XIX столетия, ее мастерах и их картинах. М.: Молодая гвардия, 1967.
ИНТЕРЬЕР КАК ХУДОЖЕСТВЕННО-АРХИТЕКТУРНАЯ СРЕДА И ЖАНР ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА | Презентация к уроку (6 класс) на тему:
По теме: методические разработки, презентации и конспекты
Цикл детско-юношеских мастер-классов «Виды и жанры изобразительного искусства»Цикл состоит из 20 МК, и представляет из себя краткий учебный курс по знакомству детей с 6 до 14 лет с основными жанрами изобразительного искусства: портрет, пейзаж, натюрморт. Цикл имеет с теоре…
«Виды и жанры изобразительного искусства». Презентация. Методические разработки к урокам ИЗО и МХК.Виды и жанры изобразительного искусства в художественных произведениях….
тест по ИЗО 6 класс «Виды и жанры изобразительного искусства»тест по ИЗО 6 класс » Виды и жанры изобразительного искусства»…
Разработка урока на тему «Натюрморт – один из жанров изобразительного искусства ».познакомить учащихся с многообразием форм изображения мира вещей в истории искусства ; расширить знания учащихся о жанре натюрморта , об особенностях натюрморта в живописи; учить изображать различные …
Тестовая контрольная работа по изобразительному искусству для учащихся 5 класса по теме «Виды и жанры изобразительного искусства»Предлагаемый тест позволяет провести проверку знаний учащихся 5 классов по теме «Виды и жанры изобразительного искусства». Тест состоит из трех частей, которые представляют собой три уровня слож…
Методическая разработка урока изобразительного искусства по теме «Виды и жанры изобразительного искусства» 5 классЦель (культурлогическая): воспитание эстетического вкуса учащихся. ориентация в мире духовных ценностей. Формируемая компетентность: художественно — эстетическая. коммуникативная. Задача: понимать по …
Презентация для проведения урока по изобразительному искусству в 6 классе на тему: «Жанры изобразительного искусства. Анималистический жанр»В презентации представлен материал для краткого ознакомления учащихся с жанрами изобразительного искусства и для более подробного с анималистическим жанром. Может использоваться при дистанционном обуч…
Введение. Виды и жанры изобразительного искусства. | Искуству.ру
Искусство – это творчество вцелом.Какие искусства вам известны?
Литература, музыка, танец, театр, кино.
Изобразительное искусство – пространственное, не растянуто во времени. Оно требует двух- или трехмерного пространства. Хотя в наше время благодаря техническим возможностям появился вид искусства, включающий временное пространство (видеоарт).
Изобразительное искусство отражает действительность с помощью зрительных образов:
— многообразие окружающего мира;
— мысли и чувства человека.
Это способ познания окружающего и себя самого.
Для этого художник использует обобщение и воображение.
Виды изобразительного искусства:
Архитектура
Живопись
Графика
Скульптура
Декоративно-прикладное искусство
Театрально-декорационное искусство
Дизайн
Архитектура
Архитектура – это искусство постройки зданий и сооружений для жизни и деятельности людей.Слово «архитектура» произошло от греческого «Архус» – главный, высший;
«Тектонико» — строительство.
Требует трехмерного пространства.. Имеет еще и внутреннее пространство – интерьер.
Живопись
Живопись – это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок (темпера, масляные краски, акрил, гуашь, …).Графика
Графика – это вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные изображения. «Графо» — пишу, рисую, черчу.Рисунки выполняются карандашом, тушью, сепией, сангиной…
Печатные изображения – гравюры, литография, ксилография, монотипия.
Графика делится на станковую, книжную и прикладную.
На грани живописи и графики стоят акварель, гуашь и пастель.
Первые произведения графики – наскальные росписи первобытного искусства.
В Древней Греции графическое искусство было на высочайшем уровне – вазопись.
Скульптура
Термин произошел от латинского «sculpere» — вырезать, высекать.В отличие от живописи и графики, в скульптуре присутствует объем.
Скульптура – это объемное изображение.
Материалы: кость, камень, дерево, глина, металл, воск…
Скульптура – один из самых древних видов искусства.
Первые скульптурные произведения являлись идолами, оберегами, изображали древних богов.
Различаются круглая скульптура (осматриваемая с разных сторон) и рельеф (высокий, средний, низкий, контррельеф).
Скульптура делится на виды: станковую и монументальную (памятники, монументы) и монутентально-декоративную (архитектурное убранство).
Декоративно-прикладное искусство (ДПИ)
В каждом доме живут и служат нам различные предметы. И если их коснулась рука художника, ювелира или народного умельца, то они становятся произведением декоративно – прикладного искусства. Термин появился в 18 в. от французского слова «декор» — украшение везде.Прикладное означает то, к чему приложено умение, искусство.
Дизайн
Начиная с первобытного периода можно проследить развитие этого вида искусства.Театрально — декорационное искусство
Этот вид искусства включает в себя создание декорации, бутафории, костюмов, грима.ЖАНРЫ
Термин «жанр» произошел от французского – вид, род.Первые самостоятельные жанры появились в Нидерландах в 16 веке.
Исторический
Мифологический, религиозный
Батальный
Портрет
Пейзаж
Натюрморт
Бытовой
Марина
Анималистический
Интерьер
Исторический жанр
Исторический жанр – это произведения искусства, в которых отражены реальные исторические персонажи или события.Мифологический жанр
Мифологический жанр – это произведения искусства, в которых отражены мифологические сюжеты.Религиозный
Батальный жанр
Батальный жанр – это произведения искусства, в которых отражены военные эпизоды.Художник, который пишет на батальные темы, называется баталистом.
Портрет
Портрет – это изображение человека в скульптуре, живописи и графике.Портреты, написанные художниками, доносят до нас образы людей прошедших эпох.
Пейзаж
Пейзаж – картина, в которой природа стала её главным содержанием.Термин «пейзаж» (paysage) пришел из французского языка, что в переводе означает «природа». Как самостоятельный жанр пейзаж возник в Голландии.
Пейзажная живопись разнообразна. Есть пейзажи, точно передающие те или иные уголки природы, в других тонко передано состояние. Еще есть фантастические пейзажи.
Натюрморт
Термин «натюрморт» произошел от французского слова, буквально означающего «мертвая природа».Это картины, героями которых являются различные предметы обихода, фрукты, цветы или снедь (рыба, дичь и так далее).
Натюрморты рассказывают нам не только о вещах, но и об их владельцах, об их жизни, быте и привычках.
Бытовой жанр
Бытовой жанр – это картины, на которых отражены эпизоды из повседневной жизни людей.Марина
Марина – это произведения искусства, на которых изображено море.Художник, который пишет море, называется маринистом.
Анималистический жанр
Анималистический жанр – это произведения искусства, на которых изображены животные.Интерьер
Изображение внутреннего убранства архитектурного сооружения.Стиль искусства
Понятие «стиль» — это своеобразие, которое позволяет сразу определить, в какую историческую эпоху создано произведение.Художественным (высоким) стилем называется направление, вовлекшее в себя все виды искусства.
Например, барокко – высокий стиль, а рококо – направление.
К великим или высоким стилям относятся классика античности, романский стиль и готика в Средние века, ренессансный стиль, обозначивший собой переходный период от Средних веков к Новому времени, барокко и классицизм в Новое время. Последним крупным стилем на рубеже XIX – XX вв. стал модерн, в котором была сделана попытка возрождения единства архитектуры, декоративного и изобразительного искусства.
Соединение нескольких видов искусства в одном произведении называют синтезом искусств.
Иначе говоря художественный стиль достигает наивысшего уровня, когда вовлекает в себя все виды искусства.
Сложившись в определенную историческую эпоху, высокие стили непрерывно преобразовывались и возрождались на следующем этапе в новом качестве. К примеру, классицизм XVII в. во Франции взял основу из античной классики, при этом он сильно отличается от неоклассицизма второй половины XVIII в. и, конечно же, от неоклассицизма как одного из направлений эклектики второй половины XIX – начала ХХ вв.
Художественный образ
Художественный образ – это форма отражения (воспроизведения) объективной действительности в искусстве.Жанры живописи: Классификация картин
Знаменитые исторические картины
Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255-1319)
• Строганов
Мадонна с младенцем (1300)
Дерево, темпера, золото, Метрополитен-музей Нью-Йорка.
• Алтарь Maesta (1308-1311)
Дерево, темпера, золото, Сиенский собор.
Джотто (1267-1337)
• Скровеньи
Фрески часовни (ок.1303-10)
Фресковая живопись, Капелла дельи Скровеньи, Падуя.
— Предательство
Христос (Поцелуй Иуды) (1305)
— Оплакивание
Христа (1305)
Роберт Кампен (около 1378-1444)
• Зайлерн
Триптих (1410)
Масло / сусальное золото на панели, Институт Курто, Лондон.
• Алтарь Мерод (c.1425)
Масло на панели, Монастыри, Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Братья Лимбург (fl.1390-1416)
• трес
Riches Heures du Duc de Berry (1413)
Гуашь на пергаменте, Musee Conde, Chantilly.
Ян Ван Эйк (1390-1441)
• Гент
Алтарь (1425-32)
Дерево, масло, Собор Святого Бавона, Гент.
Паоло Уччелло (1397-1475)
• Битва
of San Romano (1438-55) (ИСТОРИЯ)
Панель, темпера, Национальная галерея Лондона; Уффици Флоренция; Лувр, Париж.
Томмазо Мазаччо (1401-28)
• Бранкаччи
Фрески капеллы (1424-8)
Фресковая живопись, Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция.
• Святая Троица (1428)
Фресковая живопись, Санта-Мария-Новелла, Флоренция.
Пьеро Делла Франческа (1415-92)
• Бичевание
Христа (1450-60)
Темпера на панели, Galleria Nazionale delle Marche, Урбино.
Андреа Мантенья (1431-1506)
• Плач
над Мертвым Христом (c.1470-80)
Темпера на панели, Пинакотека Брера, Милан.
Ганс Мемлинг (около 1433-94)
• Последняя
Суждение Триптих (1471)
Масло, панель, Muzeum Narodowe, Гданьск.
• Триптих Донна (1480)
Масло, панель, Национальная галерея, Лондон.
Хуго Ван Дер Гус (1440-1482)
• Портинари
Алтарь (1479)
Дерево, масло, Галерея Уффици, Флоренция.
Сандро Боттичелли (1445-1510)
• Ла
Primavera (1483) (АЛЛЕГОРИЧЕСКАЯ картина)
Темпера на тополевом панно, Уффици, Флоренция.
• Рождение Венеры (1486) (АЛЛЕГОРИЧЕСКАЯ картина)
Холст, темпера, Уффици, Флоренция.
Леонардо да Винчи (1452-1519)
• Девственница
скал (1483-5)
Масло, панель, Лувр, Париж.
• Тайная вечеря (1495–98) (Il Cenacolo или L’Ultima Cena)
Смешанная техника / масло и темпера, Монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан.
Маттиас Грюневальд (около 1475-1528)
• Изенхаймский алтарь (около 1515)
Масло на деревянной панели, Музей Унтерлинден, Кольмар.
Микеланджело (1475-1564)
• Бытие
Фреска (1508-12)
Фреска, Потолок Сикстинской капеллы, Рим.
• Создание
Адам (1511-12)
Фреска, Сикстинская капелла, Рим.
• Страшный суд
Фреска (1536-41)
Фреска, Алтарная стена Сикстинской капеллы, Рим.
Рафаэль (1483-1520)
• Школа
Афин (Scuola di Atene) (1509-11) (ИСТОРИЯ)
Фреска, Станца делла Сегнатура, Ватикан.
• Сикстинская Мадонна (1513-14)
Холст, масло, Gemaldegalerie Alte Meister, Дрезден.
• Преображенский (1518-20)
Масло, панель, Pinacoteca Apostolica, Ватикан.
Тициан (1488-1576)
• Успенский
Богородицы (1516-18)
Масло / панель, Saint Maria Gloriosa dei Frari, Венеция.
Питер Брейгель Старший (c.1525-1569)
• нидерландский
Притчи (1559)
Масло на дубовой панели, Gemaldegalerie, СМПК, Берлин.
• Резня
младенцев (c.1565-7)
Масло / панель, Художественно-исторический музей, Вена.
Караваджо (1571-1610)
• Ужин
at Emmaus (1601-2)
Холст, масло, темпера, Национальная галерея, Лондон.
Рембрандт ван Рейн (1606-69)
• Аристотель
Созерцая бюст Гомера (1653) (МИФОЛОГИЧЕСКИЙ)
Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
• Вирсавия
Держит письмо царя Давида (1654)
Лувр, Париж.
• Заговор Клавдия Цивилиса (1661) (ИСТОРИЧЕСКИЙ)
Национальный музей, Стокгольм.
• Самоубийство
Лукреция (около 1666)
Миннеаполисский институт искусств.
Жак Луи Давид (1748-1825)
• Клятва Горациев (1785)
Лувр, Париж.
• Смерть Марата (1793)
Королевские музеи изящных искусств, Брюссель.
ПРИМЕЧАНИЕ: См. Также: Best Художники истории (1400-настоящее время).
Жанровая живопись — Art Term
Жанр живописи особенно развился в Голландии в XVII веке.Наиболее типичными сюжетами были сцены крестьянской жизни или выпивки в тавернах, как правило, небольшого размера. В Британии современные моральные сюжеты Уильяма Хогарта представляли собой особый жанр по своей откровенности и часто острой социальной сатире.
Более простые жанровые картины появились в конце восемнадцатого века, например, у Джорджа Морланда, Генри Роберта Морланда и Фрэнсиса Уитли. Жанровая живопись стала чрезвычайно популярной в викторианскую эпоху после успеха блестяще умелых, но глубоко сентиментальных работ сэра Дэвида Уилки.
К концу девятнадцатого века возникло новое направление жанровой живописи. Художники хотели запечатлеть волнение и мимолетность современной жизни, которую они видели вокруг себя в быстрорастущих мегаполисах, таких как Лондон и Париж. Простые и немного сентиментальные жанровые сцены викторианской эпохи сменились шумными уличными сценами и сверкающими интерьерами кафе, запечатленными такими художниками-импрессионистами, как Огюст Ренуар и Клод Моне. Размышления о недостатках урбанизации также стали предметом внимания художников.Жанровые сцены художника Camden Town Group Уолтера Сикерта, написанные в начале двадцатого века, включают отчужденные пары в интерьерах, что говорит о том, что люди могут чувствовать одиночество в больших городах.
Что сбивает с толку, слово «жанр» также используется в искусстве для описания различных типов или общих предметов живописи. В семнадцатом веке были установлены пять типов — или «жанров» — живописи, а именно: историческая живопись; портретная живопись; пейзаж; жанровая живопись (сцены повседневной жизни) и натюрморт.Эти жанры рассматривались художественным истеблишментом как имеющие разный уровень важности: историческая живопись (рисование сцен из истории, библии или литературы) как наиболее важный жанр, а натюрморт (картины неподвижных объектов) как наименее важный. .
Классификация картин изобразительного искусства по жанрам
Самый распространенный метод классификации картин изобразительного искусства — по жанрам (или тематике).Жанр — это французское слово, означающее «тип» или «добрый». Это тип изображения, которое является предметом картины. Например, классификация картин изобразительного искусства по жанрам означает, что картина классифицируется как пейзаж, портрет, натюрморт, морской пейзаж, дикая природа или другие темы.
Общие темы для рисования
Абстрактное искусствоАбстрактное искусство — это произведение искусства, которое выглядит так, как будто это сделал двухлетний ребенок. У него нет определенного значения. Он стремится оторваться от традиционного представления физических объектов в реальной жизни.Чаще всего абстрактное искусство представляет собой набор бессмысленных форм, текстур и цветов, случайно брошенных на холст. Его цель — позволить зрителю интерпретировать его значение для себя.
Городской пейзажГородские пейзажи, , часто известные как Городские пейзажи, — это картины, которые изображают физические характеристики города, городскую жизнь, части города (например, городской квартал, угол улицы, уличное кафе, крыши и т. Д.) , или другие мегаполисы. Townscape похож на городской пейзаж; только это городок с меньшим населением и, возможно, менее современной архитектурой.См. Пример городского пейзажа.
Жанровое искусство сценыЖанровое искусство — сценическое искусство повседневной жизни. Он изображает реальную жизнь в действии с обычными людьми на работе или в развлекательных ситуациях. Эти произведения искусства включают в себя интимные сцены повседневной жизни, костюмы, домашнюю обстановку, интерьеры, праздники, сцены в тавернах, рынки и другие уличные ситуации. Он также может показывать оживленную улицу, пляжную вечеринку, собрание за ужином или любое место, где продолжается жизнь. Сюжет часто изображается реалистично.
ИсторическиеИсторические картины или Исторические картины сюжеты заимствованы из классической истории и мифологии, а также из Библии. Широкий спектр исторических вопросов и тем можно показать в исторических картинах. Он часто изображает сцену из рассказа или важное событие из прошлого. Не следует путать с жанровыми картинами, отражающими события из повседневной жизни.
ПейзажиПейзажи картин демонстрируют естественную красоту природы с ее горами, долинами, лугами, деревьями, реками, лесами, небом и погодой.Он может даже включать сельскую местность, фермы и строения, которые можно было бы ожидать там найти, такие как заборы, мосты, сараи, ветряные мельницы или фермерские дома. Посмотрите на пример пейзажной живописи. Название: Горы Гранд Тетон
Морское искусствоМорское искусство или Морское искусство черпает вдохновение в море. Этот жанр искусства изображает жизнь в открытом море, лодки и корабли, рыбаков и т. Д. Он включает искусство, показывающее судоходство по рекам и водным путям, и все искусство, показывающее лодки и корабли.Он почти всегда состоит из какого-то элемента морского судна. Портреты кораблей — это стиль морского искусства, который все еще популярен сегодня и изображает одно судно.
Naïve ArtNaïve Art отличается детской простотой, которая включает в себя мельчайшие детали, яркие цвета, непропорциональные фигуры и отсутствие перспективы. На нем изображены простые, легкие для понимания ситуации повседневной жизни, которые часто романтизируются. Отсутствие перспективы часто создает иллюзию того, что фигуры на наивных картинах невесомые или парящие.Наивные художники часто бывают самоучками. У них очень мало или совсем нет формального художественного образования.
Портрет Теры — Тереза БернарПортреты — это художественные изображения человека, особенно лица. Помимо сходства, суть портрета также отражает настроение и индивидуальность объекта. На портрете человека может быть только лицо, голова и плечи или все тело. Портреты обычно изображают человека в неподвижном положении, и часто объект смотрит прямо на художника.В этот жанр включены групповых портретов (состоящих из более чем одного человека), автопортретов (один, в котором художник изображает себя) и портретов домашних животных (любимое домашнее животное, однако животные обычно попадают в категорию дикой природы).
Религиозное искусствоРелигиозное искусство, , также известное как Священное искусство, — это вид визуального выражения, которое опирается на религиозное вдохновение, чтобы передать послание, предназначенное для улучшения нравственности тех, кто его просматривает.Сюжетом может быть священная история или исповедание веры художника. Религия означает любую совокупность индивидуальных убеждений, христианских или нехристианских, которые считаются священными, святыми, духовными или божественными. Показан образец религиозного искусства под названием Стол для причастия .
Морские пейзажиМорские пейзажи картины очень похожи на пейзажи; только этот жанр искусства изображает море с морскими пейзажами, пляжными сценами, рыбами и морскими животными или видами на сам океан.Рыбу и других морских животных также можно отнести к дикой природе. Морские пейзажи не следует путать с морским искусством, которое изображает жизнь в открытом море. Показанный пример озаглавлен: Побережье Орегона, вид к югу от пещер морского льва.
Космическое искусствоКосмическое искусство , также известное как Астрономическое искусство, — это жанр искусства, который пытается передать идеи и понимание, связанные с бесконечным разнообразием и необъятностью космического пространства. Космическое искусство часто изображает межзвездные и межпланетные элементы в качестве своего предмета.С момента изобретения телескопов художники теперь могут изображать величие и величие нашей Вселенной, визуализируя то, что они видят снаружи. В космическом искусстве можно найти планеты, звезды, созвездия, космические корабли, космонавтов, черные дыры, луны, кометы и другие небесные тела. Некоторые дополнительные художественные термины, относящиеся к этой категории, включают лунный пейзаж, лунный пейзаж, закат луны и т. Д. Показанный образец является заказной картиной под названием: Первый след на Луне.
Натюрморт На картинах изображены неодушевленные предметы повседневного пользования, выложенные на столе или другой подобной поверхности.Используемые предметы могут быть как естественными, так и искусственными. Примерами природных объектов являются цветы, еда, вино, камни, ракушки, черепа мертвых животных и т. Д. Примерами промышленных предметов являются стаканы для питья, книги, бутылки, керамика, монеты, посуда, музыкальные инструменты и т. Д. Показанный образец озаглавлен: Натюрморт с фруктами и свечой.
Искусство дикой природыИскусство дикой природы изображает мир природы и диких или домашних животных, которые там обитают. Он восходит к доисторическим наскальным рисункам как один из самых ранних видов искусства.В этот жанр подошли бы портреты животных или рыб (будь то дикие животные или домашние животные). Показанный образец искусства дикой природы назван Бешеный африканский слон .
Дополнительное чтение
Знай свое искусство Стилей рисования: 7 самых популярных
Каковы классификации искусства?
Есть вопрос?
Если у вас есть вопросы по этой картине, свяжитесь с нами, и мы будем рады ответить на любые ваши вопросы.
Инсайдерские новости ТерезыУзнай первым! Зарегистрируйтесь здесь, чтобы одними из первых получать краткие обзоры недавно завершенных картин, новые объявления и другие новости в художественной студии.
УТерезы есть информационный бюллетень для инсайдеров, и это БЕСПЛАТНО! Это ее способ держать друзей в курсе, показывая вам новые картины, которые она завершает, а также другие объявления, прежде чем они будут опубликованы. Ее информационный бюллетень выходит раз в два месяца, поэтому обязательно попадите в ее список рассылки. Вы не хотите ничего пропустить!
Спасибо, что прочитали это!
Не стесняйтесь поделиться этим со своими друзьями.
Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь этим.Спасибо!
Жанр живописи и ее влияние на современное искусство
Раньше в истории, особенно в эпоху Возрождения, существовала иерархия жанров живописи, определяемых в соответствии с их тематикой. Один из них был назван жанровой живописи (как бы сбивчиво это ни звучало). Жанровая живопись, в отличие от жанра или , относится к тем произведениям, в которых рассказ художника иллюстрирует бытовые сцены повседневной жизни.
Однако только в конце эпохи Возрождения этот тип самовыражения стал все более популярным среди художников и их покровителей.Переход от исторической живописи и портретной живописи, которые были наиболее благоприятными, не был полностью самоиндуцированным или автохтонным.
Скорее, это было в значительной степени связано с расколами, которые характеризовали христианство в 16 веке. Однако важно также отметить, что разница между категориями никогда не была полностью очевидной, а это означает, что многие картины этого периода принадлежали более чем к одному конкретному жанру.
Питер Брейгель Старший — Крестьянская свадьба, 1568
Иерархия жанров
С этой точки зрения мы могли бы спросить себя, почему картины были ранжированы вообще.Чтобы понять это, нам нужно вернуться в эпоху Возрождения и попытаться представить себе настроение эпохи. Академическая иерархия жанров была принята как система, представляющая ценности, ценимые академиками того периода. В соответствии с этой иерархией отдельные произведения искусства были оценены и распределены по различным категориям: историческая живопись, портретная живопись, жанровая живопись, пейзаж и натюрморт. Поскольку эпоха Возрождения в значительной степени была связана с возрождением и следованием античной идеологии и их моральному кодексу, они считали, что высшей формой художественного выражения было образное изображение, посвященное человеческой форме.В этом смысле изобразительное изображение, сосредоточенное вокруг человеческого тела, было более важным или, как некоторые сказали бы, более благородным, чем изображение натюрморта или пейзажа. Кроме того, иерархия была частично организована в соответствии с еще одним принципом, а именно отображаемым значением каждой категории. Делалось различие между публичными и отечественными экспозициями. [1]
Джозеф Райт из Дерби — Эксперимент над птицей в воздушном насосе, 1768. Пример жанровой живописи в сочетании с историческими элементами и портретной живописью
Академическая оценка в эпоху Возрождения
Эта система вызвала много споров даже в свое время.Из-за большего признания исторической живописи и портретной живописи многие натюрморты и пейзажи были обделены, даже если они были стилистически и технически гораздо более выдающимися. Более того, историческая живопись получила титул грандиозного жанра, что означало, что она считалась самой «художественной» из всех. На большинстве исторических картин изображены религиозные сцены, часто аллегорические и поэтому рассматриваемые как морально возвышающие и утвердительные. Это оставляло мало места для других видов искусства, которые могли бы рассматриваться в том же свете и развиваться.Более того, художники должны были адаптироваться к строгой академической системе, чтобы вообще считаться достойными практиками, или, другими словами, оставаться частью академии.
Квентин Метсис — Ростовщик и его жена, 1514 год (деталь). Один из самых ранних образцов жанровой живописи в протестантской Голландии
Рецепция жанровой живописи
Жанровая живопись была своеобразным кроссовером между этими категориями . Несомненно, он учитывал человеческую фигуру и опыт, но его повествование не было таким вдохновляющим (по крайней мере, не для академии).С точки зрения их способности удивлять, эти произведения искусства считались менее могущественными, чем историческая живопись и портретная живопись (последнее относится к более крупным портретам покровителей, которые часто были богатыми и влиятельными, или иногда портретами исторических или мифических существ) . Их чаще демонстрировали дома и в домашней обстановке, чем в любом другом контексте. В этом смысле жанровая живопись была ближе к двум менее ценимым жанрам.
Иоганнес Вермеер — Доярка, 1658 (деталь)
Как жанровая живопись стала жанром номер один в Северной Европе
После 1517 года страны Северной Европы отказались от римского христианства и начали исповедовать протестантскую веру . Это отмечено как один из решающих моментов в развитии жанровой живописи и значение, которое она приобрела с течением времени. Вместо того чтобы настаивать на дорогих украшениях для отделки своих церквей и роскошных публичных выставок, протестанты полностью отказались от фресок. Это оказало большое влияние на авторов из стран Северной Европы, таких как Нидерланды и Германия. Они начали обращаться к покровителям, которые принадлежали к среднему классу и чьи интересы заключались в том, чтобы просто украсить свои дома небольшими «приятными для себя» картинами, которые им были близки.Нельзя сказать, что итальянцы были незнакомы с этим жанром, но просто католическое мировоззрение пренебрегало его потенциалом. Интересно, что за этим поворотом от фрески к масляной живописи последовала мелочь. Историки считают, что климат северных стран сыграл важную роль в переходе к станковой живописи, так как воздух был слишком влажным для сохранения фресок.
Караваджо — Призвание святого Матфея, 1600 (деталь)
От голландских реалистов до постимпрессионистов
Первой волной, посвященной преимущественно жанровой живописи, было движение голландского реализма.Он возник в 17 веке как форма голландского барокко и помог этому стилю развиваться как независимая художественная ветвь, действующая через пять основных школ: Утрехт, Харлем, Лейден, Делфт и Дордрехт. Наиболее распространенные предметы включали ситуации из крестьянской или солдатской жизни, повседневные удовольствия, светские мероприятия и сцены пьянства. Голландские реалисты объединили людей, природу, архитектуру и статичные объекты как части своих простых, гражданских повествований. Более того, такие художники, как Иоганнес Вермеер, Ян Стин и другие, оказали влияние на большинство своих современников по всей Европе, в том числе из Фландрии, Англии, Италии, Франции и Испании. [2]
Позднее, в 19 веке, религиозные мотивы как увлекательный предмет постепенно упали. В отличие от религиозного или аллегорического содержания, обычные сцены стали более интересными источниками вдохновения. За этой особой трансцендентностью последовало существенное изменение масштаба — наконец, жанровая живопись встретилась с большим холстом. Это был период, когда стали известны некоторые из самых известных художников жанра, такие как французские Гюстав Курбе и Жан-Франсуа Милле, или британские художники, такие как Уильям Пауэлл Фрит и Дэвид Уилки.В Италии одним из первых сторонников этого нового, «героического» типа жанровой живописи был Пьетро Лонги, хотя многие утверждали, что Караваджо играл с уникальным, возвышенным типом жанровой живописи в свое время (см. Караваджо «Зов святого»). Mathew , которая на первый взгляд кажется жанровой картиной, но тем не менее содержит множество скрытых религиозных мотивов). Другой пик пришелся на эпоху импрессионистов и постимпрессионистов. Моне, Сезанн, Мане и Дега — лишь некоторые из художников, чьи работы вы найдете представительными в этом отношении.
Эдгар Дега — Абсент, 1875-6
Искусство ХХ века
Первая половина 20 века ознаменовалась появлением нескольких исторических реализмов, таких как американский реализм и социалистический реализм. Первая находилась под непосредственным влиянием школы Ашкан, которая сделала акцент на социальном аспекте реализма как такового, введя категорию социального реализма (не путать с упомянутым выше социалистическим реализмом). Их художники изображали американскую городскую жизнь в неидеализированной манере, точно так же, как реалисты поступали с персонажами непредставительного характера, такими как проститутки, пьяницы и мужчины среднего класса.Этот тип реализма, основанный на Курбе, использовал жанровую живопись как технику, которая служила агентом социального класса в искусстве ХХ века. Умышленно или нет, но эта конкретная категория была политически вовлечена в развитие коллективного сознания, которое делает обычного человека неотъемлемой частью мира искусства. [3]
Уинслоу Гомер — Щелкни кнутом, 1872
Живопись в эпоху современного искусства и после нее
Но когда мы говорим об искусстве ХХ века, фигуративная живопись — это не первое, что приходит в голову, не так ли? Учитывая, что эта эпоха была отмечена значительными изменениями в мышлении, хорошо известный переход от фигурации к абстракции изменил лицо живописи, каким мы его знаем сегодня.За последние 100 лет изменились представления об искусстве и его значении. Модернизм представил универсальный язык, который дал толчок к новому взгляду на живопись. Вместо того, чтобы имитировать сцены из повседневной жизни посредством имитации изображения, художники начали создавать формы и фигуры собственного воображения. Они больше не чувствовали необходимости представлять реальность, скорее, они скорее изобрели другую реальность. Интеллектуализированное, а не сенсационное, изобразительное искусство стало таким же сложным, как сам язык, без какого-либо повествования.
После того, как якобы закончилась современная эпоха, стало ясно, что фигуративная форма, вероятно, никогда не будет полностью оставлена. Однако искусство не вернулось в свое досовременное состояние. Скорее, он стал раскрепощенным, чтобы принимать любую форму, которую автор сочтет подходящей. Тем не менее, вопрос в том, оставалась ли жанровая живопись как все более популярное тематическое ограничение раннего модерна и досовременного периода неизменным в 20-м и 21-м веках. Его роль в обществе такая же? Информирует ли он и иллюстрирует, как это было раньше, новый рабочий класс и его жизнь в том же духе?
Дэвид Хокни — Мои родители, 1977
Признание жанровой живописи в нашем недавнем прошлом
После Де Стиджла, Баухауза, супрематизма и подобных движений, которые пытались установить другой вид выражения в искусстве, в Европе в 1930-х и 40-х годах произошло небольшое возвращение к фигуративной живописи.Однако этот период считался регрессивным и политически заряженным из-за его связи с нацистским движением. Когда закончилась Вторая мировая война, одна из самых тесных связей с повседневной жизнью на холсте была обнаружена в поп-арте с его новым видом признания обыденного. Хокни, безусловно, один из художников, чьи работы конца 60-х и 70-х годов были в некоторой степени похожи на первоначальный принцип жанровой живописи, даже если они были слегка идеализированы или затронуты определенным социальным статусом (взгляните на некоторые из его картин этого периода. ).Даже если не все поп-артисты изображали ситуации, в которых участвовали люди, выбор их темы демонстрировал определенное увлечение обычным и обыденным. В этом смысле даже натюрморты Уэйна Тибо представляют удовольствия повседневной жизни в жанровом смысле этого слова.
Уэйн Тибо — Две стоящие на коленях фигуры, 1966
Жанровая живопись в современном искусстве?
Найти связь между современным искусством и жанровой живописью проще, чем есть на самом деле.Многие современные художники занимаются фигурацией, и многие из них, кажется, имеют дело со сценами из повседневной жизни. Однако из-за отсутствия ясности в эту эпоху мы не совсем уверены, какие из этих ситуаций реальны, а какие придуманы или воображены. Более того, тот факт, что художник изображает, казалось бы, обычную ситуацию, не обязательно должен быть самоцелью, потому что, как и Караваджо, современный художник может использовать своих персонажей в качестве посредников, чтобы передавать сообщения и скрывать значения.С другой стороны, автор может намереваться поразить нас не столько повествованием, сколько цветом, атмосферой, текстурой или любым другим аспектом произведения искусства.
Джули Блэкмон — Планировка, 2015
Возможная связь между жанровой живописью и фотографией
Еще одна вещь, на которую стоит обратить внимание, это то, что в эпоху Возрождения у них не было фотоаппаратов. Мы знакомы с фактической природой фотографии и ее ценностью как источником знаний и информации.Это также причина, по которой его всегда помещали между искусством и документацией, и почему до недавнего времени он вообще не считался искусством. Тем не менее, фотографирование повседневной жизни стало увлекательной тенденцией, которую ввел в мир искусства Энди Уорхол (даже если это не было его первоначальной идеей представлять свои фотографии как произведения искусства). Обычные люди и жизнь в целом оказались такими же удивительными, как и фантастика. Способность распознавать и фиксировать эти моменты сравнима со способностью художников 17, 18 и 19 веков, учитывая, что наш век — это эпоха пост-медиума. [4] Таковы, например, работы Юргена Теллера, Ричарда Биллингема или Джули Блэкмон. Тем не менее, вдохновляющее заявление Блэкмон с ее веб-сайта может стать идеальным завершением этой дискуссии.
« Голландская пословица« дом Яна Стин »возникла в 17 веке и используется сегодня для обозначения беспорядочного дома, полного шумных детей и шумных семейных сборищ. Картины Стин, а также картины других голландцев и Фламандские художники-жанристы помогли вдохновить эту коллекцию работ.Я старшая из девяти детей, а теперь мать троих детей. В личных рассказах Стина о семейной жизни изображено почти 400 лет. назад слияние искусства и жизни — это область, которую я исследовал, фотографируя повседневную жизнь моей семьи и жизни моих сестер и их семей дома. Эти изображения являются как вымышленными, так и автобиографическими, и отражают не только нашу сегодняшнюю жизнь и нашу жизнь детей, растущих в большой семье, но и выходят за рамки документального фильма, чтобы исследовать фантастические элементы нашей повседневной жизни, как воображаемой, так и реальной. « [5]
Совет редакции: Голландская жанровая живопись семнадцатого века: ее стилистическая и тематическая эволюция
Историки называют период с 1600 года до начала 17 века Золотым веком голландского реализма. В течение этого периода жанровая живопись претерпела значительную эволюцию, будучи сформулированной руками великих мастеров, таких как Вермеер, Стин, де Хуч, Доу и т. Д. Глядя на эти произведения искусства, мы также видим истории, стоящие за ними, и большинство из них интерпретируются и объясняются в этой книге известным ученым Уэйном Фрэницем, интересующимся этой темой.Эта всеобъемлющая эволюция жанровой живописи в Голландии сопровождается более чем сотней иллюстраций, и ее рекомендуется всем, кто хочет получить более глубокое представление о том, что происходило в этой части истории.
Артикул:
- Арменини, Г.Б., De verapretti della pittura , 1587. «Об истинных принципах искусства живописи»
- Fuchs, RH., Dutch Painting , Thames and Hudson, London, 1978.
- Моррис, П., Реализм , Рутледж, Лондон, 2003.
- Osborne, P., Anywhere or Not at all , Verso, 2013.
- Blackmon, J., Domestic Vacations , Julie Blackmon official website, 2008 [23 октября 2016 г.]
Популярные изображения: Ян Стин — Остерегайтесь роскоши, 1663; Диего Веласкес — Менины, 1656 г .; Адриан ван Остаде — Крестьяне в интерьере, 1661 г. Все изображения использованы только в иллюстративных целях.
Интерьеры и внутреннее убранство в Вермеере: эмпиризм, субъективность, модернизм
Вермеера вслед за Drunken Girl Asleep (рис.10) изображает Катарину натурщицей, спящей за столом с остатками еды в темной комнате. Ковер-скатерть приподнята в одном углу, как будто часть процесса уборки и уборки, или, возможно, какой-то ссоры с перевернутым стулом справа и видом через открытую дверь более яркого освещенная пустая комната за ним. Композиция перекликается с более ранними сценами ученика Рембрандта Николая Маеса (Hollander, 2002). Фрагмент картины со ступней купидона рядом с маской обычно интерпретируется как отсылка к сновидениям пьяной спящей девушки или кошмарам любви (Gowing, 1952: 51).Рентгеновские лучи и авторадиография также показывают, что Вермеер снял человека в красной куртке, стоящего перед зеркалом в соседней комнате, в двух разных шляпах, а также собаку на пороге напротив него (Ainsworth et al., 1982: 26, 97 п. 21).
Рисунок 10Vermeer, Drunken Girl Asleep , ca . 1656, Нью-Йорк, Метрополитен-музей (JV6). Авторское право: Метрополитен-музей в Нью-Йорке. Это изображение воспроизводится в целях академической проверки (добросовестное использование). На это не распространяется CC-BY 4.0 лицензия.
Согласно более ранней концепции Вермеера, мужчина мог сидеть с нашей стороны стола и допивать пиво в перевернутом стакане и кувшине, вставать и отодвигать перевернутый стул вправо и проверять его внешний вид в зеркало, прежде чем уйти, наблюдал за собакой, охранявшей свою ранимую хозяйку. И более ранняя, и более поздняя концепции имеют смысл как разные стадии после еды, в то время как изменения и упущения Вермеера упростили и прояснили его композицию, но также оставили следы неизвестных загадок.Вермеер, по-видимому, основывал эту обстановку на своем эмпирическом наблюдении «внутренней кухни» в своем доме с видом на передний холл с окнами с ставнями и зеркалом в раме из черного дерева, которое можно увидеть на других его картинах (рис. 5 и 11) (Binstock , 2009: 117–123). Человек в красной куртке перед зеркалом, которого заставили исчезнуть, предположительно был основан на Виллеме как модели.
Рисунок 11Vermeer, Женщина с весами , ca . 1662 г., Вашингтон Д. К., Национальная галерея (JV15). Авторское право: Национальная галерея Вашингтона Д. С. Это изображение воспроизводится в целях академической проверки (добросовестное использование). На него не распространяется лицензия CC-BY 4.0.
Можно различить то, что сейчас видно на картине Вермеера или было бы видно зрителю в его время, например, его покровитель Ван Рейвен, купивший эту работу, и более глубокое понимание, потенциально доступное нам через невидимые более ранние слои. композиции, выявленной с помощью технического анализа, и их объяснения в связи с другими его картинами и тем, что мы знаем о его доме и хозяйстве.На карту поставлены два разных взгляда на искусство. Вместо сообщения для современников. Композиционный процесс Вермеера в его Drunken Girl Asleep раскрывает его противоречивые художественные импульсы. С одной стороны, он подражал прямому повествованию типа, изображенному Маесом, но сделанному более натуралистичным и убедительным благодаря внимательному наблюдению Вермеера за своим окружением. С другой стороны, он стремится к противоположной модернистской концепции модели и сеттинга как студийной ситуации.В частности, его сцена выявляет несоответствие между темным, хаотическим субъективным восприятием фигуры на переднем плане и более яркой, четко упорядоченной, эмпирически наблюдаемой пустой комнатой на заднем плане или между внутренним и внутренним.
Вермеер примирил эти противоречивые измерения в своей следующей книге Letter Reader (рис. 2), которая широко известна как его первый настоящий интерьер и прототип его зрелых картин. Геометрическое пространство комнаты четко очерчено и окружено застеленным ковром столом впереди и занавеской trompe l’oeil справа на штанге выше, призванной «обмануть глаз», как если бы она была нарисована через картина, или сама комната.Ученые цитируют прецеденты в изображениях фигур в углу комнаты Терборхом и Де Хохом, а также в сценах Карела Фабрициуса с простыми стенами, освещенными ярким светом. В интерьерах церкви в Делфте примерно с 1650 года использовались аналогичные точки зрения издали, пространство изображения было организовано вокруг центральной колонны так же, как Вермеер вокруг своей фигуры, и даже включал тот же тип и цвет штор trompe l’oeil . Камера-обскура , уже использовавшаяся Фабрициусом и обнаруженная в элементах предыдущих композиций Вермеера, часто использовалась в качестве вероятного помощника в его наблюдении за игрой света на стенах и оконных стеклах, ковре и, в частности, к крошечной грануле -подобные точки на костюме модели (Gowing, 1952: 98–102).
Ученые не объяснили, как Вермеер синтезировал такие разнообразные стратегии, чтобы совершить этот замечательный скачок к своей художественной зрелости. И наоборот, строгие эмпирики просто предполагали, что Вермеер изображает комнаты в своем доме, но не обращались к его живописным источникам или стратегиям. Вермеер смог объединить композиции и техники разных художников, только опираясь на эмпирические наблюдения за реальной комнатой, в частности западной (справа) верхней «гостиной» наверху своего дома, которая стала его студией (рис.2, 4 и 5). Его достижение можно охарактеризовать как изобретение «интерьера Дельфта», которого предвосхищали более ранние художники и которому подражали более поздние художники, но никогда не выполнявшегося с таким уровнем специфичности.
Самым близким сравнением с этой новой парадигмой является изобретение Яном ван Эйком «интерьера Брюгге» более двух веков назад в его «Портрете Арнольфини » 1434 года (рис. 12). Сцена показывает тип «кукольного домика» с отсутствующей «четвертой стеной», совпадающей с картинной плоскостью, которую он исследовал в более ранних картинах и иллюминированных рукописях.Сферическое зеркало на задней стене отражает художника в красном тюрбане, стоящего у порога четвертой стены, mise en abyme , связанного с примерами, приведенными Жидом. Ван Эйк, вероятно, использовал такое зеркало в качестве оптического средства в своем эмпирическом наблюдении за отдельными людьми, костюмами, объектами и, предположительно, реальной комнатой, предшественником камеры-обскуры , если он не использовал настоящую камеру , как Дэвид Хокни утверждал (Hockney, 2006). Нотариальная надпись на стене над зеркалом — « Johannes de Eyck fuit hic [Ян ван Эйк был здесь] 1434 » — конкретно свидетельствует о его присутствии в качестве законного свидетеля морганатического брака, заключенного его натурщиками (Schabaker, 1972). и Дханенс, 1980: 195–9).Ван Эйк также отмечает свое присутствие в качестве художника-наблюдателя, открывая жанровую живопись.
Рисунок 12Ян ван Эйк, Портрет Арнольфини , 1434, Лондон, Национальная галерея. Авторское право: Национальная галерея Лондона. Это изображение воспроизводится в целях академической проверки (добросовестное использование). На него не распространяется лицензия CC-BY 4.0.
Вместо четвертой стены Вермеер ввел занавеску trompe l’oeil , перекликающуюся с занавеской, накинутой на окно комнаты, чтобы представить саму картинную плоскость как альбертовское «окно картины». Footnote 6 Женщины, читающие письма, часто изображались на картинах Терборха и других. И все же сцену Вермеера трудно читать как анекдотический рассказ, потому что он застенчиво забаррикадировался за покрытым ковром столом, а занавеска trompe l’oeil привлекает внимание к его картине как к искусственной конструкции. Вермеер подчеркивает свою идею через лицо своей модели, отраженное в оконных стеклах, которое показывает ее под другим углом, с опущенными глазами, с ее нижним воротником, обнажающим больше кожи, что ближе к его подходу в его предыдущей работе Drunken Girl Asleep (рис.10). Отражение, кажется, сохраняет более ранний момент в процессе композиции Вермеера. Тем самым он выделил свою жену как особую модель в конкретной среде комнаты на правом верхнем этаже в качестве студии, которую можно также описать как изобретение «делфтского интерьера». в котором Катарина родила второго ребенка пары Лийсбет. Таким образом, ее письмо напоминает о любви и ее результате, о беременности и ребенке, о чем свидетельствует падающий на нее свет, а также о выпуклом ковре на столе, переворачивающем чашу с ее фруктами, в том числе с открытыми косточками, потенциальными семенами новых растений. жизнь.Мятый ковер — последнее эхо ковра-занавески, мешающего повествованию в « Procuress » Вермеера, и ковра-скатерти, предполагающего чистку или беспокойство в его « Drunken Girl Asleep ». Рентгеновские снимки показывают, что Вермеер подчеркнул свою идею через большую картину с изображением купидона на задней стене, которую он затем закрасил как, возможно, слишком очевидную ссылку или потому, что он предпочитал удар простой стены. Ученые часто сравнивают сцену Вермеера с благовещением, в котором Мария читает Библию, слово стало плотью, пропитывая потоки божественного света через окна, плоды рая покоятся на выступах, а занавески или баррикады сохраняют неприкосновенность девственницы как сосуд жизнь, заключенная в ее сеттинге, в свою очередь, в игре внутреннего и внутреннего.Вермеер стеснялся своих традиций, восходящих к самым ранним нидерландским жанровым картинам (рис. 12) и религиозным изображениям, которые также были яркими произведениями искусства, которые он ассимилировал со своим домашним языком.
Ученые часто отмечают — это стало чем-то вроде клише, — что нетронутые интерьеры Вермеера не отражают его бурную семейную жизнь, в которой в конечном итоге было одиннадцать детей. Тем не менее, его ранние Procuress и Drunken Girl Asleep опираются на шумную семейную обстановку внизу, он ссылается на своих детей в изображениях своей беременной жены, таких как Letter Reader , Woman with the Balance и Woman in. Синий (рис.2, 3 и 11), включая одного из его маленьких детей среди фигур в его Little Street (рис. 4) и View of Delft (JV18), и по мере их взросления использовал его старших дочерей в качестве моделей для своих более поздних лет. картины (СП19-20, 23–24, 30–31). Тем не менее, клише верное, поскольку Вермеер изобразил не анекдотические рассказы, основанные на его семейной жизни, а скорее модернистские обстоятельства своей студии с членами семьи в качестве моделей, которые в конечном итоге распространились по всему дому.Вермеер нуждался в эмпирическом обосновании, а также в убежище от своей среды, которую он нашел в гостиной наверху, в атмосфере мира, покоя, тишины и порядка. Это была студия de facto , даже если его свекровь еще не предоставила ему комнату на постоянной основе.
В характерном сочетании проницательности и непрозрачности Лоуренс Гоуинг в своем письме заявил, что «целое поколение художников, в той или иной форме имитирующих гуманное понимание Рембрандта, борется с узлом, разрубленным одним только темпераментом Вермеера». Reader , поскольку он изображает «простую, вневременную жизнь модели художника» (Gowing, 1952: 34–5, 101).Гоуинг указал на центральный нерв искусства Вермеера, подчеркнув жизнь модели художника, но его определение «простой, вневременной» выдает его нежелание обсуждать членов семьи Вермеера как моделей, чьи жизни были сложными и динамичными. Гоуинг также неоднократно возвращался к идее о том, что «Вермеер решает проблему жанра, описывает текущую жизнь как уклонение от нее», и характеризует художника как эмоционально неполноценного. Тем самым он свел искусство Вермеера к личной патологии.Альтернативное решение обеспечивается собственным пониманием Гоуинга, согласно которому Вермеер изображал свои модели как модели , то есть конкретных людей в студии. Он не избегал жизни; скорее, он избегал анекдотических повествований, таких как сцены со своими сверстниками, которые заставляют их модели казаться ложными, как актеры. Вермеер более честно представил членов своей семьи как моделей в своей мастерской, в модернистских картинах о живописи.
Гоуинг значительно узнал произведение Рембрандта Bathsheba 1654 года (рис.7) как прямой источник информации о преклоненной на коленях женщине в начале г. Вермеера «Диана и ее сподвижники» от г. до н.э. 1655 (СП4). Большинство исследователей Рембрандта считали гражданскую жену Рембрандта Хендрикье Стоффельс его обнаженной моделью для Вирсавии; в композициях учеников Рембрандта он изображает ее обнаженную в студии, поэтому эта идея получила широкое признание (Bredius, 1969, Alpers 1998: 147–158). Поскольку он растратил наследство Саскии (рис. 6), которое она оставила на определенных условиях их сыну Титу, рожденному незадолго до ее смерти, Рембрандт позже не смог жениться на своей бывшей горничной Хендрикье.Тем не менее в октябре 1654 года она родила вне брака их дочь Корнелию. Предположительно в ответ на ее беременность или, возможно, на картину Рембрандта, в июне кальвинистские старейшины Амстердама послали Хендрикье повестку с ответом на обвинение в прелюбодеянии («блуде»). в том же году и в конечном итоге запретил ей посещать церковь, которую Рембрандт не посещал (Strauss and van der Meulen, 1979: 318, 320). Вирсавия прелюбодействовала с царем Давидом и позже родила им сына Соломона. Как и в случае с его более ранним блудным сыном в таверне (рис.6), Рембрандт опирался на свои собственные обстоятельства, показывая Хендрикье в образе Вирсавии, печально держащей письмо Давида, перед лицом конфликта между любовью и (общественной) моралью (Binstock, 2009: 66–9, 126, 156–9). Сделав акцент на своей модели и ее конкретных обстоятельствах, которые уже стали формой модернизма, Рембрандт создал необычайную глубину внутренней части, которая соответствовала ее чувственной внешности, возможно, первой мыслящей обнаженной фигуре в истории искусства. Тем не менее, здесь нет внутреннего интерьера, о котором можно было бы говорить: золотое одеяние Вирсавии светится в темноте, предположительно предназначенное для вызова древнего Израиля.
Вермеер впервые откликнулся на картину Рембрандта в его Diana в следующем году, который включает очевидные образы Катарины, в одном случае одетого в то же платье, что и в его Drunken Girl Asleep . Затем он вернулся к Рембрандту Bathsheba два года спустя в своем Letter Reader (рис. 2), аналогично изобразив свою (беременную) жену в качестве модели, читающей письмо, но отказался от исторической рамки, предоставив ей ее современное физическое и физическое состояние. психологическое пространство, сочетающее интерьер и внутреннее убранство.Чтобы адаптировать формулу Гоуинга, Вермеер «разрубил узел» между жизнью и искусством в Рембрандте, разрушив их: не внешняя жизнь художника, представленная через его модель в вымышленном повествовании его картины, а скорее модернистские условия жены художника как модели в художественном повествовании. студия. Таким образом, Vermeer Letter Reader отмечает не только момент любви, ставшего новой жизнью, но и его студию как инкубатор его собственного рождения как зрелого художника, интерьера Делфта и интерьера Делфта.
Голландские художники | Безграничная история искусства
Ter Brugghen, van Honthorst, Hals, Leyster
Хендрик тер Бругген, Геррит ван Хонтхорст, Франс Хальс и Джудит Лейстер были важными жанровыми художниками Голландской республики.
Цели обучения
Объясните важность тер Бруггена, ван Хонтхорста, Хальса и Лейстера для жанровой живописи Голландской республики
Основные выводы
Ключевые моменты
- Тер Бругген и Хонтхорст были художниками из голландского города Утрехт, которые работали в традиции Караваджисти, подражая драматическому использованию света и тени Караваджо. Оба художника были напрямую вдохновлены путешествиями в Италию.
- Сцены из таверн и другие изображения оживленных развлечений были обычным делом для художников-жанристов этого периода.
- Франс Хальс, еще один известный голландский художник, запомнился прежде всего своими портретами и новаторским использованием свободной манеры.
- Джудит Лейстер — одна из немногих признанных женщин-художников Золотого века Голландии, известная тем, что изображает женские предметы в домашних сценах.
- Работа Лейстер очень похожа на работу Хальс, поэтому некоторые историки предполагают, что она могла быть его ученицей.
Ключевые термины
- светотень : Художественная техника, разработанная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.
- Караваджисти : Стилистические последователи итальянского художника эпохи барокко XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо.
- Маньеризм : Стиль искусства, разработанный в конце Высокого Возрождения, характеризующийся преднамеренным искажением и преувеличением перспективы, особенно удлинением фигур.
Золотой век Голландии
Золотой век Голландии был периодом в истории Голландии, обычно охватывающим 17 век, во время и после более поздней части Восьмидесятилетней войны (1568–1648) за независимость Голландии.Хотя голландская живопись Золотого века относится к общеевропейскому периоду живописи барокко и часто демонстрирует многие ее характеристики, большинству из них не хватает идеализации и любви к великолепию, типичных для многих работ в стиле барокко, в том числе из соседней Фландрии. Большинство работ в Голландии этой эпохи, в том числе наиболее известные, отражают традиции детального реализма, унаследованные от ранней нидерландской живописи.
Отличительной чертой этого периода является распространение различных жанров картин, при этом большинство художников создают большую часть своих работ в рамках одного из них.Полное развитие этой специализации наблюдается с конца 1620-х годов, и период с тех пор до французского вторжения 1672 года является стержнем живописи Золотого века. Утрехтские караваджисты Хендрик тер Бругген и Геррит ван Хонтхорст, а также Франс Хальс и Джудит Лейстер были жанровыми художниками Голландской республики. В их работах обычно изображались таверны и другие развлекательные заведения, которые отвечали вкусам и интересам растущего сегмента голландского среднего класса.
ter Brugghen
Хендрик Янс тер Бругген (1588–1629) был голландским художником и одним из ведущих представителей голландских последователей Караваджо или голландских Караваджисти.Тер Бругген начал рисовать в возрасте 13 лет, обучаясь у Авраама Блумарта, художника-историка, обучавшегося маньеризму. Около 1604 года тер Бругген отправился в Италию, чтобы расширить свои навыки, как и многие его голландские коллеги. Находясь в Риме, он мог напрямую контактировать с Караваджо. Он, безусловно, изучал свои работы, а также работы своих последователей, известных как итальянский Караваджисти. По возвращении в голландский город Утрехт он работал с Жераром ван Хонтхорстом, еще одним членом голландского Караваджисти.
Флейтист Тер Бруггена, 1621 : Тер Бругген с Герардом ван Хонтхорстом импортировали техники Караваджо из Италии в начале 17 века.
Любимыми предметами Тер Бруггена были поясные фигуры пьющих или музыкантов, но он также создавал крупномасштабные религиозные изображения и групповые портреты. Он унес с собой влияние Караваджо, и в его картинах ярко выражено драматическое использование света и тени, а также эмоционально окрашенных предметов.Хотя он умер довольно молодым в возрасте 41 года, его работы были хорошо приняты и оказали большое влияние на его жизнь.
Концерт Тер Бруггена (1627), 99,1 x 116,8 см, Национальная галерея, Лондон : Некоторыми из любимых предметов Тер Бруггена были поясные фигуры пьющих или музыкантов с сильным драматическим использованием света и тени в стиль Караваджо.
Ван Хонтхорст
Герард ван Хонтхорст (1590–1656) родился в Утрехте и также учился у Абрахама Блумарта.В 1616 году Хонтхорст также путешествовал по Италии и находился под сильным влиянием недавнего искусства, с которым он там познакомился. Хонтхорст вернулся в Утрехт в 1620 году и заработал значительную репутацию как в Голландской республике, так и за рубежом.
Хонтхорст ненадолго стал придворным художником Карла I в Англии в 1628 году. Его популярность в Нидерландах была такова, что он открыл вторую студию в Гааге, где писал портреты придворных и преподавал рисование. Хонтхорст культивировал стиль Караваджо и имел большое мастерство в светотени, часто рисовал сцены, освещенные единственной свечой.Помимо портретов, он известен тем, что рисует сцены в тавернах с музыкантами, игроками и людьми, которые едят.
Сват Джерарда ван Хонтхорста, 1625 : Эта картина демонстрирует использование Хонтхорстом светотени, стиля, ставшего популярным благодаря Караваджо.
Галс
Франс Хальс Старший (ок. 1582–1666) был особенно известен своей свободной живописной манерой письма, живым стилем, который он помог привнести в голландское искусство. Галс также сыграл важную роль в развитии группового портрета 17 века.Он, пожалуй, наиболее известен своими портретами, на которых были изображены в основном богатые граждане и известные купцы, такие как Питер ван ден Броке и Исаак Масса. Он также писал большие групповые портреты для местной гражданской гвардии и руководителей местных больниц. Его картины иллюстрируют различные слои общества: банкеты или собрания офицеров, членов гильдии, членов местных советов от мэров до клерков, странствующих игроков и певцов, джентльменов, рыбачьих хозяйок и героев таверн. В своих групповых портретах, таких как Офицеры роты милиции Святого Адриана , Галс запечатлел каждого персонажа по-своему.Галс любил дневной свет и серебристый блеск, в отличие от Рембрандта, который использовал эффекты золотого свечения.
Офицеры роты милиции святого Адриана , автор Франс Халс, 1633 : это вторая картина, написанная Франсом Халсом для Гражданской гвардии Клавени, Святого Адриана или Святого Адриана в Харлеме; сегодня он считается одной из главных достопримечательностей музея Франса Хальса.
Лейстер
Джудит Янс Лейстер (1609–1660) была одной из трех выдающихся женщин-художников голландской живописи Золотого века.Двое других, Рэйчел Рюйш и Мария ван Остервейк, были специализированными художниками цветочных натюрмортов, в то время как Лейстер рисовал жанровые работы, несколько портретов и единственный натюрморт. Лейстер в основном отказалась от живописи после замужества, в результате которого родилось пятеро детей. Лейстер была особенно новаторской в своих домашних жанровых сценах. В них она создает тихие сцены с женщинами дома, которые не были популярной темой в Голландии до 1650-х годов.
Игра в карты Джудит Лейстер : Сюжет Лейстер был похож на других жанровых художников того периода, за исключением того, что она, как правило, фокусировалась на женских предметах.
Несмотря на то, что Лейстер была хорошо известна при жизни и уважалась современниками, после ее смерти Лейстер и ее работы были в значительной степени забыты. Лейстер был открыт заново в 1893 году, когда Лувр приобрел то, что, по его мнению, было картиной Франса Хальса, но обнаружил, что на самом деле она была написана Джудит Лейстер. Некоторые историки утверждали, что Хальс мог быть учителем Лейстера из-за большого сходства их работ; например, Leyster’s The Merry Drinker от 1629 года очень сильно напоминает The Jolly Drinker из 1627–1628 годов Хальса.
Рембрандт
Рембрандта помнят как одного из величайших художников в истории Европы и самого важного деятеля Золотого века Голландии.
Цели обучения
Опишите характеристики картины Рембрандта
Основные выводы
Ключевые моменты
- Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) известен прежде всего портретами своих современников, автопортретами, пейзажами и иллюстрациями к сценам из Библии.
- Автопортреты Рембрандта исключительно искренние, откровенные и личные, иллюстрирующие его развитие с течением времени.
- Стилистически работы Рембрандта эволюционировали от гладких к грубым в течение его жизни.
- Толстые грубые мазки в работах Рембрандта были нетрадиционными в то время и плохо воспринимались многими его современниками, хотя сейчас эта техника рассматривается как важная для эмоционального резонанса его работ.
- Хотя его помнят как мастера голландской живописи, успех Рембрандта при его жизни был неравномерным.
Ключевые термины
- пестрый : с прожилками, пятнами или иным образом отмеченные различными цветами; очень красочно.
- Караваджисти : Стилистические последователи итальянского художника эпохи барокко XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо.
- светотень : художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.
Обзор: Рембрандт
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) был голландским художником и гравером во время Золотого века Голландии, периода больших богатств и культурных достижений.Хотя более поздние годы Рембрандта были отмечены личными трагедиями и финансовыми трудностями, его офорты и картины пользовались популярностью на протяжении всей его жизни, что принесло ему отличную репутацию художника и учителя. В 1626 году Рембрандт создал свои первые офорты, широкое распространение которых во многом обусловило его международную известность.
Характеристики произведений Рембрандта
Среди наиболее ярких черт творчества Рембрандта — использование светотени, театрального применения света и тени.Эта техника, скорее всего, была заимствована у голландцев Караваджисти, последователей итальянского художника эпохи барокко Микеланджело Меризи да Караваджо, который первым использовал технику светотени. Также примечательны его драматические и живые представления предметов, лишенные жесткой формальности, которую часто демонстрировали его современники, и видимое сострадание к человеческому субъекту, независимо от достатка и возраста.
На протяжении всей своей карьеры Рембрандт брал в качестве основных предметов портретную живопись (в зависимости от поручений богатых покровителей для выживания), пейзаж и повествовательную живопись.За последнее его особенно хвалили современники, превозносившие его как искусного интерпретатора библейских историй за его умение передавать эмоции и внимание к деталям. Его ближайшие родственники часто занимали видное место в его картинах, многие из которых были посвящены мифам, библейским или историческим темам.
Тит как монах Рембрандта, 1660 : Ближайшие родственники Рембрандта часто фигурировали на его картинах. В этом произведении изображен сын Рембрандта Тит в образе монаха.
В последующие годы библейские темы все еще часто изображались, но его акцент сместился с драматических групповых сцен на интимные портретные фигуры (например, в Джеймс Апостол, 1661). В последние годы своей жизни Рембрандт написал свои наиболее рефлексивные автопортреты (он написал 15 с 1652 по 1669 год) и несколько движущихся изображений мужчин и женщин (например, Еврейская невеста, c. 1666) в любви, в жизни. , и перед Богом.
Еврейская невеста, Рейксмузеум в Амстердаме.: В более поздние годы Рембрандт написал несколько движущихся изображений мужчин и женщин, таких как эта картина Еврейская невеста.
Стилистически картины Рембрандта развивались от ранней «гладкой» манеры, характеризовавшейся тонкой техникой изображения иллюзионистских форм, до поздней «грубой» обработки богато пестрых красочных поверхностей, которые допускали иллюзию формы, предполагаемую тактильным качеством. самой краски. Современные источники иногда неодобрительно отмечают грубость манер Рембрандта, а сам художник, как говорят, отговаривал посетителей слишком внимательно смотреть на его картины.Богато разнообразное обращение с краской, многослойное и часто кажущееся случайным, предполагает форму и пространство как в иллюзорной, так и в очень индивидуальной манере.
Автопортрет
Автопортреты Рембрандта прослеживают прогресс от неуверенного молодого человека через щеголеватого и очень успешного портретиста 1630-х годов до тревожных, но чрезвычайно мощных портретов его преклонного возраста. Вместе они дают удивительно четкое представление о человеке, его внешности и его психологическом облике, о чем свидетельствует его богато обветренное лицо.В своих портретах и автопортретах он наклоняет лицо натурщика таким образом, что кончик носа почти всегда образует демаркационную линию между ярко освещенными и темными участками.
Автопортрет , ок. 1629, : самые ранние автопортреты Рембрандта изображают его юность, а иногда и неуверенность.
Автопортрет Рембрандта, 1659 : многочисленные автопортреты Рембрандта свидетельствуют о его развитии как художника и дают представление о его личной психологии.
Пейзаж и интерьерная живопись
Пейзаж и интерьерная жанровая живопись Голландской республики в 17 веке становятся все более изощренными и реалистичными.
Цели обучения
Оцените голландский пейзаж и жанровую живопись в интерьере 17 века
Основные выводы
Ключевые моменты
- Первая фаза голландской пейзажной живописи была известна как «тональная фаза», которая характеризовалась мягкими контурами, атмосферным эффектом и фокусировкой на небе.
- «Классическая фаза» голландских пейзажей началась в 1650-х годах и сохранила атмосферные качества; однако они отличались контрастом света и цвета и частым присутствием композиционного якоря, такого как видное дерево, башня или корабль.
- Картины с изображением животных появились в это время как особый поджанр голландской пейзажной живописи.
- Романтические итальянские пейзажи с мягким золотым светом также возникли как поджанр пейзажной живописи.
- Картины в жанре интерьера также были чрезвычайно популярны во время Голландской республики, изображая живые сцены из повседневной жизни, такие как рынки, гостиницы, таверны и уличные сцены, а также домашние интерьеры.
- Ян Вермеер, чьи работы уникально запечатлели освещение внутренних пространств, теперь является самым известным художником-жанром Голландской республики.
Ключевые термины
- атмосферный : Вызывает особые эмоциональные или эстетические качества.
- атмосферная перспектива : Техника, в которой создается иллюзия глубины путем рисования более удаленных объектов с меньшей четкостью и более светлым тоном.
- жанр : Стилистическая категория, особенно литературных или других произведений искусства.
Фон: голландская и фламандская живопись
Пейзажная живопись была основным жанром в Голландской республике 17-го века, вдохновленным фламандскими пейзажами 16-го века, особенно из Антверпена. Эти фламандские работы не были особенно реалистичными, большинство из них были написаны в студии, отчасти из воображения, и часто все еще использовались стиль полуавтоматического вида, типичный для более ранней нидерландской пейзажной живописи в традициях Иоахима Патинира, Эрри встретил де Блеса, и Питер Брейгель Старший.
Голландские пейзажи
Более реалистичный стиль вскоре развился в Нидерландах, с более низкими горизонтами, позволяющими подчеркнуть часто впечатляющие облачные образования, столь типичные для этого региона. Излюбленными сюжетами были дюны вдоль западного морского побережья и реки с прилегающими к ним широкими лугами, где пасся скот, часто с силуэтом города вдалеке. Зимние пейзажи представляли собой замерзшие каналы и ручьи. Море также было излюбленным предметом, имеющим как военное, так и торговое значение.Важными ранними фигурами в движении к реализму были Эсайас ван де Велде (1587–1630) и Хендрик Аверкамп (1585–1634).
Тональная фаза
С конца 1620-х годов началась «тональная фаза» пейзажной живописи, когда художники смягчили или размыли свои контуры и сосредоточились на атмосферном эффекте. Большое внимание уделялось небу, человеческие фигуры обычно либо отсутствовали, либо были маленькими и далекими. Ведущими художниками этого стиля были Ян ван Гойен (1596–1656), Саломон ван Рейсдал (1602–1670), Питер де Молин (1595–1661), а в морской живописи Симон де Влигер (1601–1653) с множество второстепенных фигур.
Река Сцена Ян ван Гойен, 1652 : Ян ван Гойен сыграл важную роль в «тональной фазе» голландской пейзажной живописи, которая характеризовалась смягченными или размытыми контурами и акцентом на небе.
Классическая фаза
С 1650-х годов началась «классическая фаза», сохранившая атмосферность, но с более выразительными композициями и более сильными контрастами света и цвета. В морских работах композиции часто закрепляются одним «героическим деревом», ветряной мельницей, башней или кораблем.Ведущим художником этого периода был Якоб ван Рейсдал (1628–1682), создавший большое количество разнообразных работ, включая северные пейзажи темных и драматических горных сосновых лесов с бурными потоками и водопадами.
Ветряная мельница в Вейк-бий-Дуурстеде : Якоб ван Рейсдал (1628–1682) был одним из самых выдающихся художников классической фазы голландских пейзажей.
Другие стили ландшафта
Пейзажи с животными на переднем плане были отдельным подтипом и были написаны Эльбертом Кейпом, Паулюсом Поттером (1625–1654), Адрианом ван де Велде (1636–1672) и Карелом Дюжарденом (1626–1678) с Филипсом Вауверманом. рисование лошадей и всадников в различных условиях.Корова была для голландцев символом процветания и, помимо лошади, самым часто изображаемым животным; козы использовались для обозначения Италии.
Еще одним важным типом ландшафта, созданным в тональной и классической фазах, был романтический итальянский пейзаж, обычно более гористый, чем в Нидерландах, с золотым светом и иногда живописным Средиземным морем и руинами. Ян Бот (ум. 1652), который был в Риме и работал с французским художником Клодом Лорреном, был ведущим разработчиком этого поджанра.Итальянские пейзажи были популярны как гравюры, и в этот период на гравюрах было воспроизведено больше пейзажных картин художника Николая Берхема, чем у любого другого художника.
Южный пейзаж с руинами Яна Бота : Оба были известны своей работой в итальянском пейзажном стиле.
Голландская интерьерная жанровая живопись
Помимо пейзажа, наиболее отличительной чертой голландской живописи этого периода является развитие и огромная популярность жанровой живописи.Эти жанровые картины представляли сцены или события из повседневной жизни, такие как рынки, домашние интерьеры, вечеринки, сцены в гостиницах и уличные сцены.
Жанровая живопись возникла на основе реализма и детализации фоновой деятельности ранней нидерландской живописи, которую Иероним Босх и Питер Брейгель Старший одними из первых превратили в свои основные сюжеты. Стиль отражал растущее процветание голландского общества, и обстановка постепенно становилась все более удобной, богатой и тщательно изображаемой в течение века.
Адриан Брауэр признан фламандским мастером крестьянских сцен в трактирах. До Брауэра крестьяне обычно изображались на улице; он обычно показывает их в простом и тусклом интерьере. Среди других художников, общими темами которых были интимные внутренние сцены, были Николаес Маес, Жерар тер Борх и Питер де Хох. Ян Вермеер специализировался на внутренних сценах жизни среднего класса; хотя долгое время он был очень малоизвестной фигурой, сейчас он является наиболее уважаемым жанровым художником голландской истории.
Доярка Вермеера, 1658 : Вермеер — признанный мастер голландской жанровой живописи, известный своими внутренними сценами жизни среднего класса.
Натюрморт
Натюрморт процветал в Золотой век Голландской республики.
Цели обучения
Обсудить темы и атрибуты голландских натюрмортов 17 века
Основные выводы
Ключевые моменты
- Амброзиус Босхарт был одним из первых художников-натюрмортов Голландской республики.
- Натюрморты предоставили художникам возможность продемонстрировать свои способности в работе со сложной фактурой и сложными формами.
- Тема vanitas , моральное послание, часто встречающееся в натюрмортах, намекает на мимолетную природу жизни.
- В середине 16 века появился стиль pronkstilleven , ориентированный на изысканные и экзотические предметы.
- Натюрморты часто рисовали копированием цветов в книгах, поскольку голландцы были лидерами в научных и ботанических рисунках и иллюстрациях.
Ключевые термины
- vanitas : натюрморт, символ смерти и характерный для голландской живописи 16-17 веков.
- Pronkstilleven : Стиль витиеватого натюрморта, созданный в Голландии в 17 веке.
Обзор: голландский натюрморт
Голландская традиция натюрморта была в значительной степени инициирована Амброзиусом Босхартом (1573–1621), фламандским художником-цветочником, который к началу этого периода поселился на севере и основал династию.Ранние натюрморты были относительно ярко освещены, а букеты цветов были просто расставлены. С середины 15 века аранжировки, которые можно было бы справедливо назвать барочными, обычно на темном фоне, стали более популярными, примером чему служат работы Виллема ван Альста (1627–1683). Художники из Лейдена, Гааги и Амстердама особенно преуспели в этом жанре. Помимо натюрмортов, голландцы в то время были мировыми лидерами в области ботанических и других научных рисунков, гравюр и книжных иллюстраций.
Цветы в фарфоровой вазе — Амброзиус Босхарт Старший : Босхарт был одним из первых художников-натюрмортов, основавших династию художников-цветочников.
Темы натюрморты
Натюрморты предоставили прекрасную возможность продемонстрировать умение рисовать текстуры и поверхности с мельчайшими деталями и с очень реалистичными световыми эффектами. Пища всех текстур, цветов и форм — серебряные столовые приборы, замысловатые узоры и тонкие складки скатертей и цветов — все это бросало вызов художникам.
Картины цветов были популярным поджанром натюрморта и пользовались популярностью у выдающихся женщин-художников, таких как Мария ван Остервик и Рэйчел Рейш. Еще одним поджанром была мертвая дичь, а также птицы, нарисованные вживую, но изученные не от смерти, а также мертвая рыба — основной продукт голландской диеты. Абрахам ван Бейерен часто писал эту тему.
Практически все натюрморты содержали моралистический посыл, обычно касающийся краткости жизни. Это известно как тема vanitas .Тема vanitas была включена в явные символы, такие как череп, или менее очевидные символы, такие как наполовину очищенный лимон (представляющий жизнь: сладкий на вид, но горький на вкус). Цветы увядают, пища разлагается, а серебро душе бесполезно. Тем не менее, сила этого послания кажется менее сильной в более сложных произведениях второй половины века.
Изначально сюжеты натюрмортов были обычными; однако, начиная с середины века, более популярным стал pronkstilleven («показной натюрморт»), на котором изображены дорогие и экзотические предметы.Виллем Класзун Хеда (1595–1680) и Виллем Кальф (1619–1693) были лидерами в этом сдвиге в сторону пронкстильвена. В работах всех натюрмортов цвета имели тенденцию быть приглушенными, с преобладанием коричневого, особенно в середине века.
Банкетный натюрморт , Авраам Ван Берейен, 1660 : Эта работа — пример показного натюрморта.
Несмотря на интенсивный реализм отдельных цветов, картины были составлены на основе отдельных этюдов или даже книжных иллюстраций, и цветы из самых разных сезонов обычно включались в одну и ту же композицию.Одни и те же цветы снова появляются в разных произведениях, как и предметы посуды. На самом деле букеты цветов в вазах в то время были не обычным явлением в домах; даже очень богатые люди, как правило, выставляли цветы один за другим в фаянсовых подставках для тюльпанов.
Портрет молодого джентльмена, играющего на виолончели в интерьере
Богемный по происхождению, Йохан Зоффани родился Иоганн Иосиф Зауфаллий во Франкфурте 13 марта 1733 года. Начальный период обучения он прошел в мастерской скульптора в Эльвангене в 1740-х годах (возможно, в мастерской скульптора Мельхиора Паулюса), а затем в Регенсбург с художником Мартином Шпеером.В 1750 году он отправился в Рим, войдя в мастерскую Агостино Масуччи. Осенью 1760 года он прибыл в Англию, сначала найдя работу у часовщика Стивена Римбо (прекрасный портрет Зоффани, которого сейчас находится в галерее Тейт), рисовал виньетки для своих часов. К 1764 году он пользовался покровительством королевской семьи, короля Георга III и королевы Шарлотты, благодаря своим очаровательно неформальным сценам, таким как Королева Шарлотта и ее двое старших детей (1765), в которых королева показана в своем туалете с ее старшие дети, в Букингемском доме, и еще один, на улице, с ее детьми и ее братьями.Он также был популярен в австрийской императорской семье, а в 1776 году императрица Мария Тереза сделала его бароном.
Иоганн Зоффани был масоном и был посвящен в Ремесло 19 декабря 1763 года в Ложе Старого Короля № 28.
Член-основатель новой Королевской академии в 1769 году, Зоффани пользовался большой популярностью благодаря своему обществу и театральным портретам, рисовал многих выдающихся актеров и актрис, в частности Дэвида Гаррика, самого известного актера своего времени — Гаррик в роли Гамлета и Гаррик as King Lear — часто в костюмах.Он был мастером того, что было названо «театральной пьесой для беседы», подмножеством жанра «пьесы для беседы», возникшего у средних классов в 18 веке. (Разговор — converazione — был относительно небольшим, но не обязательно недорогим, неформальным групповым портретом, часто изображающим семейную группу или круг друзей. Этот жанр развился в Нидерландах и Франции и стал популярным в Великобритании примерно с 1720.) Зоффани был описан одним критиком как «настоящий создатель и мастер этого жанра» и «совершенно плохой художник» одновременно, что скорее очерняет этот жанр.
В более поздний период своей жизни Зоффани был особенно известен созданием огромных картин с большими слепками людей и произведений искусства, легко узнаваемых современниками. В таких картинах, как «Трибуна Уффици», он доводил эту верность до крайней степени: Трибуна уже была изображена в типично захламленной манере 18-го века (то есть с множеством предметов, висящих на небольшой площади, много картин уложено высоко на стене. ), но Зоффани усилил ощущение беспорядка, перенеся в маленькое восьмиугольное пространство галереи другие работы из других частей Уффици.
Хотя Зоффани за свою жизнь несколько раз посетил континентальную Европу и Индию, он остался в Великобритании и умер в своем доме в Стрэнд-он-зе-Грин 11 ноября 1810 года. Он похоронен на кладбище церкви Святой Анны в Кью. Художник Томас Гейнсборо был позже похоронен по собственному желанию художника около
.